El Bosque del Pop

Beirut - The Rip Tide

2012-02-01T17:07:00.008+01:00

Allá por 2006 proliferaban los blogs musicales por doquier y nosotros –que los degustábamos con fruición- aún soñábamos con poder algún día crear algo así y expresar a través de él nuestros propios gustos musicales, tan imbricados a nuestras emociones, a nuestros sentimientos, a nuestro día a día…. Soñábamos con tener un medio propio para descubrir y describir, para imaginar y escribir, para compartir nuestros encontrados tesoros musicales con personas con similar afinidad musical que -pensábamos entonces y ahora estamos seguros- tendrían que existir... podrían estar escondidas debajo de las piedras, pero llegaríamos a ellas, allá donde estuvieran.

Aprendimos que las mismas piedras también pueden hablar si las rociamos con la melodía perfecta que sólo ellas pueden oír. Observamos también como un hilo de viento puede arrastrar a una hoja de nuestro bosque con un mensaje impregnado en ella; y sabemos que muchas de nuestras hojas ahora han forjado pequeños arbustos en distintos lugares del mundo que nunca llegaremos a imaginar.

Cuando las primeras ideas para hacer nuestro blog emanaban de nuestra mente, una banda llamada Beirut pululaba por todos ellos y un disco, Gulag Orkestar (2006) con un sonido tremendamente original pegaba con fuerza en el panorama del pop independiente. Muy seguidamente, el grupo editaba The Flying Club Cup (2007), nueva jugada maestra en la misma línea y, sin demasiados cambios en su estilo, volvían a sorprendernos con otro golazo. 2-0 y sin apenas habernos dado tiempo para colocarnos en el campo de juego.

Mucho hemos tardado, sin embargo, en traerlos aquí a nuestro BOSQUE y quizá la explicación más sencilla sea que nosotros empezábamos nuestra singladura en 2008 y Beirut ya no ha editado otro nuevo disco hasta el pasado 2011.

Pues aquí los tenemos con su nuevo disco The Rip Tide (2011). Siguen si abandonar su estilo ya clásico made in Beirut y, de nuevo, Zach Condon (que así se llama el joven líder del grupo) ha vuelto a hacer nuestras delicias con su estilo personalísimo y diferenciador. Difícil de hacer, pues le precedían dos discos excepcionales, sumamente respetados por la crítica más especializada y yo diría que el público en general. Seguro que has tenido que escuchar a Beirut en algún momento, incluso si no los conocías por su nombre.

Si, por fin nuevo disco; 33 nuevos minutos y nada de reinvenciones, lo que quizá para algunos pueda ser un problema pero no para Beirut. Deseábamos escuchar a los Beirut de siempre, a los que nos alegraban con esa orquestación disfrutable, optimista, soleada y esa sorpresiva cantidad y variedad de instrumentos (he leído que Zach tiene como meta aprender a tocar un nuevo instrumento cada mes…) que incorporan a sus composiciones. Sonidos inspirados muchas vences en las distintas músicas de las que se impregna el amigo Zach en sus viajes por el mundo.

¿Barroquismo pop? No lo creo, porque sus canciones resultan sencillas, ligeras y divertidas a pesar de todo el despliegue instrumental. Una mente prodigiosa en cuyo interior cabe toda una orquesta. Injusto sería que te pasaran desapercibidos…

Aquí os dejamos con un buen puñado de canciones (pertenecientes todas menos la última a este gran The Rip Tide) para las escuchéis mientras trabajáis o hacéis cualquier otra cosa:

The Rip Tide

East Harlem

Goshen

Port of Call

Payne's Bay

Postcards from Italy

http://beirutband.com/

Leisure Society - Into The Murky Water

2012-01-23T17:03:00.014+01:00

Después de aquel maravilloso The Sleeper (2009), con el que debutaron y con el que se metieron a toda la crítica en el bolsillo, la banda de Nick Hemming, The Leisure Society, vuelve de nuevo con su segundo trabajo Into the Murky Water (2011).

Un disco de pop delicioso y uno de los mejores que hemos escuchado en el pasado año. The Leisure Society vuelven a hacer nuestras delicias desde allende los bosques, con un pop de aire festivo, optimista y alegre, pastoral, sutil, delicado; otoñal o primaveral, según nuestro estado de ánimo, pero destilando grandes canciones pop en todo caso.

Como siempre aconsejamos, no tengamos prisa; vayamos grano a grano, tratando de escuchar lo bueno que en cada canción se nos quiere transmitir. Abandonemos las prisas; de nada sirve alamcenar ingentes cantidades de canciones o de discos y necesitar después diez vidas para poderlos escuchar todos. De nada sirve ir corriendo y pasar de puntillas por todo en la vida, sólo porque otras cosas “estén esperando”. Si así procedemos, nos daremos cuenta al final de que no hemos disfrutado de lo que teníamos en ese momento a nuestro alcance.

Flauta, mandolina, ukelele, cuerdas, bajos marcados y guitarras pop-folk dan forma a la base instrumental característica del sonido de esta banda. Grandes melodías y arreglos que se nos antojan realizados con una gran delicadeza y sensibilidad, con gran oficio, sabiendo lo que se hace, lo que se quiere conseguir. Este nuevo disco no es muy distinto del anterior por lo que el factor sorpresa disminuye, pero eso no es óbice para que podamos estar hablando de un disco totalmente recomendable a todos los amantes del pop.

Uno de nuestros favoritos discos puramente pop del año y uno de los que más han sonado sin césar en nuestro reproductor, acompañándonos como banda sonora en muchos de los últimos momentos de nuestra vida.

Disfrutadlo. Apuntémonos por un momento en esta "Sociedad del Ocio"…

Into The Murky Water

Better Written Off (Than Written Down)

Although We All Are Lost

Dust On The Dancefloor
http://www.theleisuresociety.co.uk/

Redescubriendo a Muse

2012-01-21T00:20:00.009+01:00

Al hilo de la entrega anterior, andaba yo pensando en algunas de las mejores canciones que haya escuchado nunca y la verdad es que hay tantas y tan buenas – también tantos momentos o contextos distintos en los que puede apetecerte escuchar una u otra- que se hace muy difícil escoger.

Envuelto en un río de pensamientos encadenados, veo flotar en sus caudalosas aguas decenas de troncos etiquetados con los nombres de distintas canciones; de forma paulatina e in-crescendo empezaron a aflorar en mi mente las notas y los arreglos orquestales de Blackout, un tema que siempre me ha fascinado. Los autores, una banda llamada Muse.

Sin duda una de las mejores canciones que he escuchado en la última década... Quedo sin aliento y el flujo de pensamientos continúa sin darme apenas tregua, cuando un nuevo tronco se acerca flotando hacía mi posición; poco a poco puedo leer con claridad su leyenda: Unintented. Vaya, también una canción de Muse…

Si os parece, lo mejor es que las escuchemos antes de seguir:

Muse. Por supuesto, no descubrimos nada. Actualmente son una banda sobradamente conocida en el panorama musical y, como todas las grandes estrellas, despierta odios y pasiones; hay opiniones diversas sobre su propuesta musical, cambiantes según donde busques o a quien le preguntes. Resulta lógico, al ser un fenómeno de masas, muy popular y siempre en los mejores festivales. No, no es el artista habitual que tengamos que descubrir ahora aquí en EL BOSQUE.

Sin embargo (seguimos enredados en nuestros pensamientos), quien haya compuesto estas dos canciones que acabamos de escuchar, sin duda tiene que tener ser un genio. No puedo quitármelas de la cabeza. No sólo son preciosas, sino que están muy bien construidas y mejor interpretadas. Esto no lo hace cualquiera…

De modo que decidimos darnos una vuelta por la discografía de Muse. En algún tiempo anterior lo habíamos intentado, pero no habíamos terminado de congratularnos con su música. Así pues, nos ponemos de nuevo en marcha y os contamos los resultados de nuestra experiencia.

Nuestra opinión es que ha merecido la pena la travesía realizada bajo las aguas del río que nos trajo flotando a Muse. Pero os recomendamos que os deis un paseo con tranquilidad, sin prisas, sin hacer valoraciones prematuras, sin escuchar “trocitos” o canciones sueltas y sin hacer juicios apresurados.

A veces resultan desconcertantes o se vuelven demasiado barrocos, grandilocuentes, o abusan de esos excesos guitarreros, de los épicos “estribillos rock” o “subidones” con cierto toque comercial. Pero no, no nos vamos a quedar esta vez en eso.

Muchas de las canciones tenemos que escucharlas enteras porque tienen vida propia, llenas de cambios o inesperados desenlaces. Y unas cosas nos van a gustar mucho y, otras, no tanto. Pero seguro que, si contrastamos opiniones, van a ser diferentes nuestras canciones favoritas de Muse.

Adelante. Abandonamos la superficie de nuestro río imaginario y, a bordo de nuestro submarino, decretamos inmersión total en su música. Vamos a descubrir que tienen temas maravillosos, muy bien construidos y de una gran madurez compositiva, al alcance de muy pocos, buscando un sonido directo pero imposible, conceptual pero no aburrido. Hay que admitirlo, estamos probablemente ante una de las mejores bandas del mundo e intuyo que aún tienen mucho que entregar. Y Mr. Bellamy es un auténtico genio, un gran compositor y genial intérprete, no cabe duda.

Los tres integrantes del grupo son excelentes músicos, se notan sus tablas en los escenarios y lo bien que suenan tanto en estudio como en directo. Os voy a poner un vídeo donde interpretan el reseñado Blackout en el Wembley Stadium y veréis la gran puesta en escena y el magnífico sonido que despliegan:

Blackout en el Wembley Stadium: http://youtu.be/KNJYBOj7Cfc

No vamos a repasar en este espacio la discografía de Muse, para eso ya tenemos Internet y no tiene sentido repetir, cortar y pegar (ese vicio que tanto abunda en la información difundida a través de la Red). Preferimos mejor tansmitir y plasmar sensaciones, tratar de comunicar sentimientos, percepciones y opiniones que puedan ayudar a divulgar o contribuir a acercaros la música que más nos gusta, con sinceridad y cariño, y eso es lo tratamos siempre de reflejar preponderantemente en este espacio. Lo sabéis los viejos amigos de EL BOSQUE.

Queremos concluir diciendo que su último disco The Resistance (2009), a pesar de no haber recibido muy buenas críticas en algunos portales musicales de Internet, nos ha sorprendido gratamente.

Juegan con una gran variedad de estilos, es tremendamente ambicioso, arriesgado y creo que es un disco que no se ha comprendido bien debido a su inopinada diversidad y quizás también a que la gente esperaba que siguiera en la línea anterior repleta de rock-hits, tal como la exhibieron en su anterior trabajo Black Holes o Revelatioins (2006), mucho más homogéneo.

En cambio, en este The Resistence han hecho un poco lo que les ha dado la gana: han jugueteado con el rock y el pop, con la electrónica; han experimentado con coros y puentes a lo Freddy Mercury, fragmentos de piano de Chopin o riffs de piano que parecen inspirados en clásicos como Rachmaninov o Schubert, ofreciéndonos además ese final con una pieza cuasi-sinfónica llamada Exogénesis (Partes 1, 2 y 3), que a muchos habrá desconcertado. Si, estamos ante un prolífico compositor, ante un gran disco y que nos abre la esperanza de que, dentro de Muse hay todavía una gran veta musical por explotar y que tiene que darnos muy buenos momentos.

United States Of Eurasia (+ Collateral Damage)

I Belong To You (+ Mon Ceur S'ouvre A Ta Voix)

Exogenesis Symphony Part 3 (Redeption)

Endlessly

Los tres primeros temas pertenecen al comentado disco The Resistence, mientras que el último está dentro del disco Absolution (2003), donde también está el reseñado Blackout.

Por último, os vamos a dejar un único enlace, porque aquí están recopilados todos los más importantes, además de todo tipo de información histórica, biográfica, bibliográfica o de referencia que podemos querer consultar para conocer mejor a nuestros protagonistas de hoy.

http://es.wikipedia.org/wiki/Muse

Tasmin Archer - Sleeping Satellite

2012-01-13T12:44:00.000+01:00

Aunque hasta ahora no ha sido habitual en nuestro espacio (puede que adoptemos a partir de ahora esta sana costumbre), os vamos a dejar con una sola canción.

En ocasiones, no es necesario nada más...

Adele - 21

2012-01-10T16:41:00.004+01:00

No tenemos por menos que rendirnos ante las inmensas canciones, el talento y la gran voz -enorme voz- de Adele. Dos discos lleva editados esta joven artista que titula sus trabajos según su edad y en 2011 nos deleitaba con este hermosísimo 21.

Si, portentosa voz, rebosante de matices y unas canciones realmente hermosas en su base pero que, cantadas por ella, tienen una riqueza infinita, llenan de luz toda oscuridad y ni la más leve poenumbra se atreve a asomarse.

Adele Laurie Blue Adkins (Londres, 1988) con sus cuerdas vocales es capaz de viajar con todo el poderío que se necesita de la balada romántica más pop al soul –terreno donde se encuentra más ubicada- con algunas incursiones jazzísticas, con todo el aplomo y con toda la convicción del mundo. Una gran artista.

Web Oficial de Adele: http://www.adele.tv/

Canal personal en YouTube: http://www.youtube.com/user/adelelondon

Canal VEVO en YouTube: http://www.youtube.com/user/AdeleVEVO

Adele en Myspace: http://www.myspace.com/adelelondon

Adele en Twitter: http://twitter.com/adelesite

Adele en Facebook:http://www.facebook.com/adele

The Duckworth Lewis Method

2011-12-21T17:17:00.010+01:00

Mientras recopilamos más novedades de lo mejor de este 2011, os vamos ha dejar con una de esas joyas ocultas que nos gastamos por aquí de vez en cuando. Os presentamos a The Duckworth Lewis Method.

Se trata de un disco de 2009, por lo que es bastante reciente. Es un proyecto formado por Neil Hannon -de nuestros adorados The Divine Comedy- y por su socio y compatriota irlandés Thomas Walsh.

Parecería que esto pudiera ser una aventura, un divertimento o alguna suerte de “rarities” para los más fans del amigo Neil, pero nada de eso… escuchadlo con interés, sin ideas preconcebidas, tema a tema y vais a comprobar realmente es un disco de pop enorme y es que parece que todo lo que toca Mr. Hannon lo convierte en oro.

Os dejamos en su compañía, ya nos contaréis…

The Nightwatchman

Mason On The Boundary

Death Cab For Cutie – Codes and Keys

2011-11-17T17:22:00.012+01:00

Sin duda estamos ante una de las bandas más emblemáticas, respetadas y con más personalidad dentro del panorama pop-rock alternativo, ese campo donde encontramos tantas cosas que nos gustan, el mismo que no entendemos como no es más conocido y en el que tanto nos gusta transitar, descubrir y compartir para que tú lo conozcas mejor y lo disfrutes, porque hay joyas como esta que ningún aficionado al pop debería perderse.

Hablamos de Death Cab For Cutie, grandes señores del pop desde inicios de este siglo, gracias a verdaderos discazos como ‘The Photo Album’ (2001) o ‘Transatlanticism’ (2003). Posteriormente pasan a una multinacional para editar nuevos grandes discos como ‘Plans’ (2005) y ‘Narrow Stairs‘ (2008), del que ya nos hacíamos eco en su día aquí en EL BOSQUE.

Ben Gibard es un tremendo y carismático músico, con una forma de interpretar totalmente identificable. Gibbard no es sólo un gran compositor sino que crece en cada disco como arreglista, experimentador y como buscador de las posibilidades que ofrece un estudio musical.

Paralelamente, en 2003, participó en un proyecto de corte electrónico con el productor Jimmy Tamborello que se dió en llamar The Postal Service. Hicieron un disco que se llamó Give Up y que fue uno de los grandes del año. Incluso se dice que la discográfica que lo editó (Sub Pop) no vendía tanto desde la época en la que Nirvana lanzase su disco de debut también en esta misma compañía.

Death Cab For Cutie tiene claramente una orientación más pop–rock y que a nosotros nos gusta más. Álbum tras álbum se superan las composiciones frescas y directas y la banda hace enormes discos y grandes temas avalan su trayectoria. Os recomendamos encarecidamente que, si tenéis un ratito, os hagáis un viaje a través de su discografía.

Y en este Codes and Keys (2011) no se quedan atrás. Verdaderamente, el disco es una auténtica maravilla y no sé cómo hemos podido tardar tanto en traerlo por aquí. Habrá quien piense que no supera discos pasados como 'Transatlanticism’ (considerada su obra maestra), pero no es menester lapidarse buscando comparaciones o volviendo la vista atrás.

Disfrutemos este disco Codes and Keys, es realmente tremendo y tiene un sonido increíble, marca de la casa. Nosotros no nos cansamos de oírlo, de explorar todos sus rincones, sus propuestas y siempre encontramos sorpresas.

Vídeos

Enlaces

http://www.deathcabforcutie.com/
www.myspace.com/deathcabforcutie

Herman Düne - Strange Moosic

2011-08-15T23:01:00.007+02:00

Herman Düne es el típico grupo que dicho así, según suena, nadie parece conocer, pero que una vez indagas en su música, empiezas a ver que realmente sí que has escuchado muchas de sus canciones, sólo que no sabías que eran ellos los autores.

Está formado por los hermanos David- Ivar y Néman Herman Düne, tras la marcha del otro hermano André Herman Düne (que siguió en solitario bajo el nombre de Stanley Brinks) y que inexplicablemente se llevó la diéresis de la “u” de Düne. Sin embargo, nosotros hemos preferido seguirles denominando en su forma clásica con los dos puntitos sobre la “u”, porque así los vas a encontrar mayoritariamente si buscas más referencias de la banda por la red.

La historia de Herman Düne es un poco confusa y cuanto más lees sobre ellos más te puedes liar según las fuentes consultadas.

Por si tenéis curiosidad, a continuación van los datos que hemos encontrado sobre la saga Düne. El guitarrista y cantante David-Ivar formó junto a su hermano André el grupo hace más de diez años, pero la sonada salida de éste en 2006 (ahora Stanley Brinks), con la comentada pérdida de la diéresis en el nombre incluida, convirtió el trío de hermanos en dúo... formación que se mantiene en la actualidad. La nacionalidad de cada uno de los hermanos ha generado mucha confusión con el origen del grupo ya que David-Ivar nació en Suecia y Néman en Suiza pero, definitivamente, el dúo quiere a todos los efectos considerarse parisino, aunque durante una época se les sitúa residiendo en NY. En fin, no solemos hacer biografías de los músicos que nos visitan, que sobradamente se pueden encontrar en Internet, pero el caso de los Düne es especialmente enrevesado y ya era un poco por cabezonería. Incluso, he llegado a leer que realmente no son hermanos… ¿Alguien puede aclarar más datos sobre el tema o indicarnos si los que hemos expuesto están en lo cierto?

Bueno, vamos con la música y con las canciones, que es lo nuestro. Su estilo es muy reconocible y, cuando los oyes la primera vez, enseguida crees haberlos oído antes. Y probablemente sea cierto, pues ya llevan al menos once años en el mercado y tienen un montón de discos y de hits. Sin ir más lejos el pegadizo I Wish That I Could See You Soon, cuya música suena en el anuncio de una cerveza popular.

Sonoro éxito. Sin embargo sus canciones no pueden ser más normales, con una instrumentación bastante clásica, basándose en guitarras (limpias, sin distorsión), bajo, batería y la muy personal, optimista y peculiar voz de David-Ivar. Muchos de sus temas con ese sello de identidad que les da ese toque de ukelele, o las percusiones con cierto aire tropical.

En esta última entrega llamada Strange Moosic (2011) la banda no recurre tanto a los ritmos reggae ni a los instrumentos de viento y da más preeminencia a sus guitarras. Los temas transcurren suavemente con muchas acústicas, o a veces con más electricidad de por medio, pero siempre con ritmos agradables al oído, muchos coros y estribillos que atrapan y enamoran en su primera escucha. Sus melodías están hechas con sencillez, humildad y sin avergonzarse de ello; transmiten inmediatez, pureza… y realmente tienen algo que te hace sentir bien al escucharlas.

Sólo tenéis que ver el fantástico vídeo protagonizado por un peluche azul para quedar seguramente prendados por su música. Y es que ese Tell Me Somenthing I Don’t Know, es una maravilla. Una de las mejores canciones del año.

Incluso, puestos a leer, he leído comentarios que hablan de Herman Düne como una de las mejores bandas del mundo… ¿Es para tanto? Seguramente sea un poco exagerado, pero os puedo asegurar que tienen momentos de inspiración en su obra que me han hecho pensar un poco en esa pregunta…

http://www.hermandune.com/

http://www.myspace.com/therealhermandune

Ladybug Transistor - Clutching Stems

2011-08-11T14:22:00.010+02:00

Nos complace recibir hoy a una de nuestras bandas favoritas de los últimos años: The Ladybug Transistor. Los de Brooklyn llevan quince años haciendo enormes discos, grandes canciones y elaborando preciosas melodías, siempre a la búsqueda de la canción perfecta.

Regresan después de 4 años con este Clutching Stems (2011) y, de nuevo, con canciones POP absolutamente magistrales, como lo es la misma Clutching Stems o la maravillosa Oh Cristina, por destacar las que más nos han impactado en las primeras escuchas, si bien el tono de todo el disco es muy compacto y en general está realmente muy logrado.

Parecen seguir, como nos gusta decir por aquí, a la búsqueda de la canción perfecta y no deben de saber que ya la encontraron varias veces antes en su ya larga trayectoria de 15 años y 7 discos… y mejor que así sea, que la sigan buscando y nos continúen ofreciendo joyas como estas, aunque espacien sus trabajos algunos años. No nos importa, sabemos esperar...

Clutching Stems no puede empezar mejor, y es que el tema que abre, y da título al álbum, es una de las mejores canciones pop que hemos degustado este año; siendo un tema sencillo, sin muchos alardes, tiene un toque melódico y un punto realmente vibrante, con una gran interpretación por parte de Gary Olson, una de las voces masculinas con mejor timbre del pop actual. Sólo los grandes cocineros del pop saben extraer esos toques de su talento y convertir lo sencillo en emocionante.

Aunque quizá mucha gente no conozca a Ladybug Transistor, nosotros hemos de hacernos eco y reivindicar su obra desde aquí, porque nos han ofrecido a lo largo de su carrera enormes discos y que ningún amante del buen pop debería obviar. Es uno de los sentidos que tiene este espacio y, si alguien puede descubrir algo nuevo que le emocione gracias a nosotros, nuestro trabajo habrá merecido la pena.

Esperamos que los disfrutéis tanto como nosotros, y sentimos sana envidia por aquellos que aún no los hayan descubierto, porque les quedan apetitosos pasteles por degustar.

Today Knows

http://www.myspace.com/marlboroughfarms

http://www.facebook.com/ladybug.transistor

East River Pipe - We Live in Rented Rooms

2011-07-19T13:36:00.015+02:00

Hace ahora unos 5 años que F.M. Cornog, quien firma sus trabajos bajo el pseudónimo East River Pipe, no se prodigaba con un nuevo trabajo, desde aquel What Are You On? (2006) y nos hemos alegrado enormemente de tener noticias de un nuevo disco suyo.

Al poco de iniciar nuestra andadura aquí en EL BOSQUE, ya tratamos de descubrir a este artista y escribimos una reseña especial a modo de cuento con princesa incluída, si bien aquí ella no es la rescatada, sino la rescatadora... y, aunque algo fabulado, está basado en la realidad. No, F.M. Cornog no tuvo una vida fácil pero, afortunadamente, se recuperó y volvió a ella de nuevo para dejarnos auténticas joyas musicales. No sabemos si existe el destino pero, en este caso, le damos las gracias…

Su nuevo disco llamado We Live In Rented Rooms (2011) no nos ha decepcionado en absoluto. Continúa la línea de sus trabajos anteriores, dejando canciones desnudas con sabor hogareño y que sigue construyendo él mismo en su laboratorio, en el mini estudio que tiene en su casa donde él toca absolutamente todo.

Música de autor, íntima, que acaricia el oído, que contagia melancolía, nostalgia e irradia belleza por doquier. Melodías delicadas, casi perfectas, que rozan en ocasiones lo sublime. Imagino lo que debe disfrutar en su mesa de mezclas, poniendo cada elemento en el lugar indicado: arreglos de guitarras por aquí, pianos por allá, teclados, sintetizadores, xilófono y flotando por encima el sutil toque de su voz, siempre jugueteando con el control de la reverberación.

Es ya su séptimo álbum -ahí es nada- y, como todos, es tremendamente carismático, delicado, emocionante y de una gran belleza. East River Pipe es uno de nuestros mejores descubrimientos y os invitamos a que escudriñéis su obra. Es una auténtica delicia.

Os dejamos con algunos de los mejores momentos de su último trabajo. Disfrutadlo.

Sara Lov – I Already Love You

2011-07-14T13:38:00.006+02:00

Sara Lov. Sin duda, una de nuestras artistas favoritas y uno de los descubrimientos que más nos enorgullece haber realizado en EL BOSQUE. Los que nos seguís habitualmente lo sabéis… y mucho hemos tardado en invitar a nuestra casa a su nuevo trabajo.

Nos encanta tanto su etapa con Devics como su carrera en solitario y de ambas nos hemos hecho eco en este espacio. Incluso le hicimos participar en nuestra selección especial de vídeos relacionados con dibujos animados. Por ello, no es necesario que volvamos a redundar en hablar del trabajo de Sara Lov ni volver a expresar nuestra debilidad por esta artista, su música y su sutil voz. Os recomendamos que leáis los enlaces que hemos puesto en este párrafo.

Y siempre nos gustaron también mucho las versiones que Sara Lov realiza de temas de otros artistas: My Body Is A Cage de los Arcade Fire ha sido cabecera de nuestro blog durante mucho tiempo. Le recuperamos a continuación para todos vosotros:

Para su nueva producción, Sara ha tomado prestadas una serie de sus canciones favoritas de otros artistas y las ha mezclado con delicada esencia, adaptándolas a su propia personalidad.

Todas las canciones hablan de amor, protagonista de este disco llamado disco I Aready Love You (2011) y a nosotros nos logra enamorar de nuevo.

No os desvelamos la lista de canciones, mejor es que tengáis el placer descubrirlas por vosotros mismos. El repertorio es muy variado y todas son excelentes. En especial, nos ha sorprendido muy gratamente que se haya fijado en el disco 69 Love Songs de los Magnetic Fields (hace una versión del tema Papa Was a Rodeo), un disco triple con 69 canciones de amor y una de las joyas del pop de siempre.

El resultado obtenido con esta selección de canciones nos ha parecido más que satisfactorio, quizá se nos hace algo corto… y nos deja con la miel en los labios a la espera de nuevo material propio ya sea con Devics o en solitario.

Estamos disfrutando mucho con este disco, a pesar de que somos conscientes de que no inventa nada nuevo. Sara siempre sabe tocar nuestra fibra sensible y su timbre de voz es evocador. En la medida de lo posible deberíamos intentar, con la ayuda de Sara, que el amor sea el protagonista de nuestras vidas, en cualquiera de sus variantes, en cualquiera de sus manifestaciones…

Aquí os dejamos unos vídeos con la interpretación simplista -que no simple- de dos de esas canciones en directo, con la voz desnuda, sin arreglos y tan sólo arropada por tres instrumentos de cuerda y la percusión.

http://www.saralov.com

http://www.myspace.com/saralov

Jonathan Jeremiah – A Solitary man

2011-07-12T12:27:00.012+02:00

Hoy os traemos a un invitado muy especial. Una de esas maravillas que, lamentablemente, es muy difícil descubrir a no ser que te pases día y noche escudriñando incluso bajo los fondos marinos o a menos que alguien te dé un buen soplo… como ha sido nuestro caso, gracias a una buena y también especial amiga de EL BOSQUE.

Y en el momento que algo nos encanta, enamora, nos impacta o nos hipnotiza, aquí estamos de inmediato para compartirlo con todos vosotros. Amigos, queremos descubriros un disco llamado Solitary Man (2011) de Jonathan Jeremiah, cuyo nombre me cuesta escribir y siempre tengo que acabar comprobando si lo he conseguido poner bien...

A juzgar por la portada, no sería un disco que nos hubiera llamado la atención. Enseguida nos asaltan los malditos prejuicios que, en muchas ocasiones, no hacen sino ocultar la realidad y evitan que tengamos acceso a cosas que nos sorprenderían. Y esto no sólo sucede con la música, sino que es extrapolable a la realidad que vivimos cada día y a nuestras relaciones personales.

Pero volvamos con la música, que es lo nuestro. Y en este disco de Jonathan Jeremiah la hay a raudales y de qué manera. Os lo podemos asegurar.

Voz masculina, sugerente, cálida y muy convincente. Temas que desprenden melancolía con suntuosos arreglos orquestales junto con temas totalmente vigorosos, épicos y emocionantes, sonando a clásico, como si llevara un montón de discos a sus espaldas; contundencia, personalidad, canciones tremendas, muy bien construidas y magistralmente interpretadas, en general, alrededor de trinomio pop-folk-soul.

Podríamos hincharnos a dar referencias pero yo creo que lo mejor es escucharlo. Un disco de repertorio muy variado, bien estructurado y que no te va defraudar en absoluto. A mi me ha dejado con la boca abierta y creo que va a ser uno de mis discos favoritos para escuchar este verano…

Y mejor que tanta palabrería, que vanamente intenta describir lo difícilmente descriptible, os dejamos con algunos vídeos para que podáis comprobar por vosotros mismos la maravillosa música que alberga este disco.

http://www.myspace.com/jonathanjeremiah

http://www.islandrecords.co.uk/group_artists.php?id=161

Elbow - Build a Rocket Boys!

2011-06-20T13:36:00.008+02:00

Elbow son un claro ejemplo de perseverancia. Desde aquel Asleep In The Back (2001) han pasado 10 años y nunca han dejado de dar muestras de su enorme calidad, talento y carisma... disco tras disco.

Por fin lograba Elbow en 2008 recoger los merecidos frutos, con su magnífico disco The Seldom Seen Kid, por el que recibió el Mercury Prize además de ocupar el primer puesto de los mejores discos de ese año en muchos medios. Nos encantó ese disco y ya lo resñábamos en su momento. Su música se abría un tanto y les acercaba a un abanico de público más amplio.

Una vez hubieron conseguido alcanzar las mieles del éxito, teníamos curiosidad por ver y escuchar lo que Elbow iba a hacer a partir de entonces. Nos preguntábamos… ¿van a poder mantener un listón tan alto?

Pues bien, ya ha llegado el momento, pues tenemos ante nosotros a su quinto trabajo: Build a Rocket Boys! Y, por suerte, podemos constatar que aquí hay más trabajo sólido en la misma onda y, en ocasiones, incluso con matices mejorados. Experiencia, personalidad, arte y oficio no faltan.

Siguen siendo canciones que iluminan los espacios vacíos; siempre esas estructuras cristalinas, expansivas, guitarras sinuosas, bajos introspectivos, teclados perfectos, goteados y siempre atinados; bellas y texturadas atmósferas, sobrecogedores coros, una pequeña dosis de experimentación y la voz histriónica de Guy Garvey, un verdadero instrumento más… Es además una de esas voces con tanto carisma y personalidad que nada sería igual sin ella.

La verdad es que suenan de locura, sólidos, con clase, al estilo de aquellas superbandas que pululaban las flores de los 70. Música intensa y de aromas progresivos, pero que no renuncian a nada y son innumerables los matices que despliegan. Preparaos a descubrilos...

Build a rocket boys! puede que requiera algo de paciencia al principio, es decir, no es un disco fácil que entre a la primera, sino que requiere varias escuchas para tomarle bien el pulso. Después notas que se va adhiriendo lentamente como melaza a nuestro reproductor y creo que un tiempo va ser costoso despegarlo de él.

http://www.elbow.co.uk

http://www.myspace.com/elbowmusic

Fleet Foxes - Helplessness Blues

2011-06-09T13:19:00.000+02:00

Hace ahora tres años, desde Seattle, irrumpía en el panorama musical una banda que respondía al nombre de Fleet Foxes. Muy pronto se convertirían en un fenómeno musical y -algo que muy es difícil- casi todas las revistas musicales especializadas encumbraban a su disco de debut entre el primer y segundo puesto en sus selecciones de lo mejor del año y hablaban de ellos como la gran revelación de la temporada.

Para nosotros tampoco pasó desapercibido ese disco y lo reseñamos como uno de los mejores de ese año 2008.

Y en 2011 Fleet Foxes se enfrentan contra ellos mismos, porque somos muchos los que esperamos que no defrauden las altas expectativas que nos crearon con su primer trabajo. Tenían que demostrar que no se trataba de lo que se conoce como un nuevo hype, es decir, que no eran uno de esos productos musicales de nuevas tendencias arropado por orquestadas campañas de publicidad o marketing, sin que verdaderamente debajo de todo ello haya verdadera sustancia musical.

Pero su nuevo trabajo llamado Helplessness Blues despeja las dudas. Vuelven a hacer todo un señor disco, con grandes toques de instrumentación y arreglos, perfectas armonías vocales y una gran inspiración creativa. Han tratado por todos los medios de demostrar que son mucho más que una moda y, si ya nos convencieron con su primer disco, lo vuelven a hacer ahora con creces. Están entre las mejores bandas que existen ahora mismo,

Robin Pecknold, líder de la banda, ha retrasado varias veces la salida del disco, previsto para principios de 2010, pues ha querido repasar y repensar una y otra vez, junto al resto de la banda, los arreglos y la composición de varias de las canciones que componen esta magna y cohesionada obra.

Nos encanta el disco y el estilo de música que hacen. Un fascinante viaje en el tiempo donde la armonía folk de herencia californiana se casa con cuidadosos trazos impresionistas de góspel y blues, con toques incluso jazzísticos en ocasiones, con una gran variedad instrumental y de recursos; todo ello sin dejar de sonar naturales, dando muestras del mejor pop vibrante y espontáneo, siempre emocionante y evocador.

Os recomendamos investigar y escudriñar este gran disco. Tened los oídos abiertos y sólo haréis que descubrir maravillas. Pasará mucho tiempo hasta que podamos disfrutar de otro disco así…

Montezuma

http://www.fleetfoxes.com

http://pitchfork.com/reviews/albums/15363-helplessness-blues/

http://www.subpop.com/artists/fleet_foxes

Deerhunter - Halcyon Digest

2011-05-31T16:13:00.011+02:00

EL BOSQUE se complace en recibir hoy una visita muy especial. De seguir facturando obras de esta guisa, vamos a tener que hablar de Deerhunter como la mejor banda de los últimos años.

Bradford Cox es un auténtico genio y lo ha vuelto a demostrar con este trabajo. Después del aclamado Cryptograms (2007), que a nosotros no nos había acabado de entrar, alabábamos el cambio que Deerhunter habían dado en su anterior trabajo Microcastle/Weird Era Continued (2008), aquella maravilla de disco, del que ya nos hacíamos eco por aquí en su día.

Pues cuando apenas nos habíamos recuperado del evento, teníamos ante nosotros una nueva joya que nada tiene que envidarle. Lleva por nombre Halcyon Digest (2010) y aún no salimos de nuestro asombro. Es un auténtico discazo. Y entremedias, ese disco de Atlas Sound llamado Logos, que causó un gran reevuelo durante el 2009. Sin duda, Mr. Cox parce estar en un gran momento de creatividad inagotable.

Pero vamos con Halcyon Digest, nuestro disco invitado hoy y con todos lo honores. Lo hemos escuchado con atención varias veces y nos hemos quedado atónitos, sin habla, con la boca completamente abierta, sin capacidad de reacción, pero con toda la energía contenida para tratar de expresarla y compartirla en este espacio, con la esperanza de poder descubrir a alguien más este disco y que pueda disfrutarlo tanto como nosotros.

¿Qué nos vamos a encontrar? Parece que la inspiración de Bradford Cox puede con todo y en Halcyon Digest entramos material muy prolífico, pero dividido en tres distintas facetas: la experimental y menos comercial, la faceta más pop y asequible, incluso psicodélica que hace nuestras delicias y, por último, esa energía propia del rock de los 70.

Podemos estar tentados a pensar que va ser difícil que puedan superar un disco como este, pero no nos atrevemos a afirmarlo. Ya nos equivocamos cuando pensamos eso mismo de su anterior Microcastle.

Sea cual fuere el siguiente paso en la trayectoria de Deerhunter, vamos a dejarnos llevar por la presente obra maestra, a descubrirla, a desmenuzarla y a degustarla lentamente. La ocasión lo merece, de verdad.

Desire Lines

Helicopter

http://www.myspace.com/deerhunter

The Walkmen - Lisbon

2011-05-30T15:25:00.003+02:00

The Walkmen es de esos grupos prolíficos, pues ha sido en 2008 cuando lanzó su aplaudido You & Me (2008) y en 2010 nos dejaron ya este magnífico Lisbon.

Lisbon es un disco corto pero muy motivado, enérgico, humano, como salido del mismo corazón de su autor. En algunos pasajes del mismo puede parecer algo previsible e incluso algo agreste pero, en otros, es auténticamente deslumbrante. Guitarras envolventes y sobresalientes compases de batería, crean una atmósfera sobre la que flota la desgarrada voz de su líder Hamilton Leithauser.

El cuarteto neoyorquino imprime una gran energía en la interpretación de su música, una gran pasión y hace que suene totalmente creíble, identificable, con gran personalidad.

Con esta honesta y sincera forma de hacer música, pareciera que The Walkmen no tienen ninguna prisa por convertirse en los más famosos, sino que más bien su anhelo es ser los más apreciados.

Lisbon es uno de nuestros discos favoritos del pasado año y que estamos rescatando en estos días, escuchándolo una vez tras otra, sin parar, hasta provocar que salga humo de nuestro reproductor. Porque a este disco hay que escucharlo varias veces y poner atención, apreciando sus cambios de ritmo e ignorando sus -a veces- aparentes experimentos. Sólo así podremos descubrir su belleza. No es un disco perfecto, pero se echa ver que tampoco lo pretende.

http://www.myspace.com/thewalkmen

http://thewalkmenmusic.blogspot.com/

Acid House Kings - Music Sounds Better With You

2011-05-27T13:16:00.011+02:00

Ya hicimos una gran reseña de Acid House Kings hace un algún tiempo y dejamos constancia en ella de que nos encanta el pop que realizan. De nuevo es una maravilla escucharlo y no debemos dejarnos influenciar por prejuicios extraños, por la apariencias o por las portadas banales que suelen esgrimir en sus trabajos.

Ya estábamos esperando con ansiedad este nuevo disco de Acid House Kings, el tercero, que se ha hecho esperar casi 6 años, mientras Johan Angergård estaba trabajando también en otros de sus varios proyectos.

Una nueva colección de grandes canciones de pop dulce, casi infantil, sencillo y, a pesar de ello, unas melodías tremendas, directas y definidas, que puedes tararear durante un tiempo casi indefinido. No me canso de escucharlas y es algo que ya me pasaba con sus anteriores discos. Sigo pensando que Johan Angergård es un gran compositor y la prueba es que sus canciones no sufren desgaste. Cuanto más las escuchas, más te gustan. Y la delicada voz de Julia Lannerheim completa un trabajo, una vez más, exquisito. Deja volar tu mente.

Es una música que levanta el ánimo y que nos representa alegría, optimismo y felicidad. Las melodías están muy bien construidas y los instrumentos y las voces se combinan a la perfección.

Son como mañanas radiantes de primavera…

Y para celebrar que Acid House Kings vuelven a estar con nosotros, vamos a decorar nuestro blog -cual árbol de Navidad- con varias de sus maravillosas canciones atemporales (las que ofrece el Sello Labrador) y vosotros mismos vais a poder comprobar la sensualidad y la hermosura que se desprende de ellas. Disfrutadlo...

Empezamos con el vídeo de Would you say stop? de su último disco.

Y continuamos con tres canciones más (que maravilla):

Sunday Morning

This Heart Is A Stone

Tonight Forever

Ariel Pink’s Haunted Graffiti - Before Today

2011-02-05T20:12:00.014+01:00

El disco que os traemos hoy ha revolucionado el panorama musical durante el año pasado. Guste o no, ha sido la auténtica sorpresa del año, la auténtica sensación, y hemos podido ver como numerosas listas y numerosas revistas musicales le encumbraban entre los mejores 10 discos del año, como por ejemplo ese gran referente denominado Pitchfork.

Nos estamos refiriendo al disco Before Today (2010) de Ariel Pink’s Haunted Graffiti, como se ha dado en llamar este proyecto musical.

Desde luego no ha pasado desapercibido y ha levantado gran expectación. Y si bien la mayoría de deshacía en elogios para este disco, otros no dudaban en decir que no había para tanto y acusaban a sus defensores como a aquellos que gustan de descubrir genios debajo de las piedras, aquellos que tienen por oficio el “rebuscar vanguardias” para ofrecer y con las que tratar de impactar.

Pero no caigamos en el lado de quienes no ven más que un pretencioso ejercicio de supuesta fascinación vanguardista. La verdad es pudiera parecerlo en una primera escucha, pero si nos metemos dentro del disco y lo escuchamos despojados de lecturas, complejos, dimes y diretes, la música es que descubriremos es puro pop con toda su fuerza y con todo su brillo.

No es el disco del año, y puede que no sean para muchos canciones digeribles, gráciles y facilonas al uso, pero pensamos que realmente es un gran trabajo y tiene temas que lo bordan literalmente, aunque el estilo general de la obra quede un poco indefinido.

Nuestra impresión es que Ariel Pink (Ariel Marcus Rosenberg), viejo músico dedicado al lo-fi, al sonido casero, a lo maquetero, a la experimentación, a lo “garagero”, a la mezcla de estilos… de repente… se hubiera tomado una especie de venganza y hubiera dicho “aquí estoy yo” y esto es lo que soy capaz de hacer. Y le ha salido esta pequeña obra de arte pop-rock. No podemos negarlo…

Realmente se trata de una cantidad de estilos fusionados y entremezclados que es casi imposible de encasillar, si bien podemos decir que flirtea mucho con el pop psicodélico y con lo naif, pero también con las melodías soleadas, con el rock setentero y hasta con el post punk.

Sin duda es uno de los grandes discos aparecidos últimamente y que, dentro de su estilo, ha aunado más adeptos y gusta más cuanto más lo escuchas.

¿Volverá Ariel Pink a repetir un trabajo como este? No lo sabemos… pero mientras podamos, disfrutemos del presente...

Round and Round

http://www.myspace.com/arielpink

MGMT – Congratulations

2011-01-28T13:12:00.012+01:00

En contraste con el anaranjado cielo del ocaso, allá en lontananza, se divisa el planeo suave de una especie de platillo volante que, de repente, se eleva y se cierne sobre la copas de los árboles de nuestro BOSQUE. Ya llegan… ya están aquí… ¿estaremos soñando? En un lateral del artefacto volador se puede leer una inscripción: MGMT.

El cielo se ha vuelto rosado y las ramas de los árboles apenas se mueven, como atónitas, como petrificadas por el espectáculo. La nave desciende lentamente, suavemente, sin aparente esfuerzo… y comienzan a sonar las notas del disco llamado Congratulations, uno de nuestros favoritos del 2.010 y el que más nos ha sorprendido.

No sé por que tanta extrañeza, pues ya su anterior Oracular Spectacular (2007) fue considerado por muchos medios como el mejor álbum del año. Era realmente bueno, pero no nos entraba como la hace este, pues estaba menos cohesionado, parecía más orientado al hit, quizá más a la búsqueda de ritmos más comerciales y de éxito, que desde luego obtuvieron.

Pero nos gusta mucho más el paso adelante que han dado con este Congratulations. Por supuesto, David Bowie y los 70 siguen siendo una referencia muy clara en su sonido, pero se meten más de lleno en el mundo de la psicodelia, sonando más parecidos a bandas como Flaming Lips y Of Montreal, por citar dos referencias actuales.

Nos encanta el disco y nos ha sorprendido gratamente. Sin perder la coherencia, toca muchos palos y es un trabajo muy rico y muy bien definido. Cuando llegas a la canción I Found A Wishtle un mar de sonido invade tu reproductor y tus sentidos. Se forma una cascada de sonido que te hace caer al abismo de la perfección que supone una pieza como Siberian Breaks. A pesar de su larga duración, no aburre; es más, es pura adicción. Doce minutos épicos de variaciones, cambios de tercio, muy buen pop y también un poco de electrónica, donde se van mezclando sonidos, estilos, ritmos. Una obra de arte; pura orfebrería. Estos son para nosotros los mejores momentos del disco, pero es que tiene muchos otros que vas a ir apreciando.

El disco entero tiene un sonido tan añejo como contemporáneo y muy bien logrado, desde lo surrealista a lo melancólico, a lo melódico, con bases ricas en instrumentación varia, cuerdas y coros por doquier; con fragmentos instrumentales, con momentos pop clásicos, con ráfagas de rock y de electrónica. En fin, difícil de describir, mejor escucharlo y hacerlo varias veces, porque va a ir creciendo con las escuchas.

El platillo volante, que había aterrizado en un claro del BOSQUE, se eleva hacia el lago que hay junto al mismo. Una vez alcanza el cénit del ya oscurecido cielo, desparece fugazmente sin dejar el menor rastro, tan rápido como ha venido; tan sólo queda un círculo de hierba aplastada, aún caliente y… flotando en el aire, las aterciopeladas notas que ya se difuminan de Congratulations, la canción que cierra el disco y que le da título.

Gracias por la visita, MGMT... Hasta pronto.

Y, ahora, os pinchamos dos de los mejores temas del disco (literalmente, pues la fuente es un vinilo que dicen los puristas que tiene un sonido más fresco y real).

http://www.whoismgmt.com/

http://www.myspace.com/mgmt

Wild Nothing – Gemini

2011-01-20T19:47:00.010+01:00

Seguimos revisando los mejores discos del pasado 2.010 y hoy os vamos a presentar a este Gemini, el primer disco una nueva banda llamada Wild Nothing, sin duda uno de los mejores discos de debut del año.

Nos es placenteramente grato comprobar como siempre surgen nuevos músicos capaces de fabricar buen pop y que esto no se detiene, a pesar de lo que mucha gente pueda pensar, anclados en la errónea creencia de que en este mundillo ya está todo inventado.

Descubrir grupos como Wild Nothing nos da fuerza e ilusión para seguir buscando nuevos tesoros que poder compartir con todos vosotros, nuestra particular familia de bosquimanos...

Y, si no, prestad atención a la canción que abre este disco: Live In Dreams. Es realmente buena, de lo mejor que hemos escuchado en todo el año.

Pero… ¿cómo es la propuesta musical de Wild Nothing? Por un lado hay un poco de shoegaze, esa base algo nublosa de guitarras sobre las que flotan las melodías; por otro lado, dosis de dream pop. Hay electrónica, atmósferas de ensueño, voces cargadas de eco; hay guitarras que ora transmiten ritmo, ora están impregnadas en cierta melancolía; 12 canciones, en fin, para saborear, para desmenuzar, para explorar distintos universos...

Si queremos tirar de referencias actuales, podríamos calificar el sonido de Wild Nothing como una suerte de mezcla que va desde Beach House hasta Radio Dept., ambos viejos conocidos aquí en EL BOSQUE. Pero sólo lo indicamos a modo de idea, porque aquí además hay otros matices distintos.

Gemini, el álbum que hoy nos visita, no podemos decir que haya sido el disco del año pero hay materia prima suficiente y se desprenden ideas e ilusión. Una gran salida de un prometedor proyecto que podría consagrarse en el futuro si continúan su evolución partiendo de esta gran base. De momento, siguen con un muy buen nivel que puede apreciarse en ‘Golden Haze’, su último EP. Excelentes.

Golden Haze http://www.myspace.com/wildnothing

Northern Portrait - Criminal Art Lovers

2011-01-14T14:08:00.008+01:00

Hoy traemos más medicina de la que nos gusta aquí en EL BOSQUE, un auténtico pildorazo pop sin complejos, directo y sin disimulos. Desde Dinamarca nos visitan Norhern Portrait.

Trás un par de excelentes EPs publicados en el 2008, The Fallen Aristocracy y Napoleon Sweetheart, ahora editan su primer disco Criminal Art Lovers (2010).

Pop con guitarras de manual, pero muy adictivo y agradable de escuchar para los amantes de este tipo de pop fresco y directo. No siempre es preciso escuchar cosas elaboradas y complicadas que nos hagan pensar o que tengamos que oír varias veces para comenzar a disfrutarlo. En ocasiones, nuestro estado de ánimo nos demanda algo menos sofisticado, más digerible, y sólo espera entretenimiento.

El disco es bueno en general y tiene un tono muy cohesionado y convincente, pero creemos que, en el futuro, Norhern Portrait necesitará algo más de originalidad o un sonido algo más personal, más distintivo, que evite que cuando los escuchemos nos acordemos de sus referencias. Es un pop que podríamos llamar revisionista, aunque no por ello deja de estar inspirado, bien elaborado y sonar excelentemente.

A nosotros nos gusta…

Crazy

Criminal Art Lovers

http://northernportrait.blogspot.com/

http://www.myspace.com/northernportrait

Además, parece que el grupo danés visitarán España hacia febrero. Permaneced atentos en Internet para ver las fechas y lugares concretos.

Edwyn Collins – Losing Sleep

2011-01-11T15:33:00.018+01:00

Comenzamos el nuevo año con la honorable visita desde Escocia de todo un genio y figura del pop-rock contemporáneo: Edwyn Collins. Y bajo el brazo nos trae su último disco llamado Losing Sleep (2010), el primero que edita tras su recuperación del derrame cerebral que sufrió hacia 2005. De hecho, ya su anterior trabajo Home Again (2007) salió después del lamentable suceso, aunque se había grabado prácticamente todo hacia 2004.

Dicen que tuvo que aprender otra vez a moverse, a ver, a escuchar, a recordar… y también a leer y escribir de nuevo; pero lo que nunca perdió fue su brillante forma de entender la música, quizá porque fue un tesoro que pudo esconder a la enfermedad o bien, que por etéreo, ésta no pudo alcanzarlo.

El amor puede con todo. Quizá no pueda mover montañas, pero atraviesa cualquier barrera. Y es que es muy justo decir que su mujer, Grace Maxwell (también su manager desde 1984) ha sido un gran apoyo y es coprotagonista de esta historia. Lo cuenta en un libro esperanzador: Falling & laughing: the restoration of Edwyn Collins.

Losing Sleep es magnífico, brillante. En general, tiene un tono muy animado y vitalista, con también buenos tiempos medios y no carente de su parte más introspectiva que te anuda la garganta. Muy completo, gran variedad de repertorio y diversión asegurada.

Un álbum plagado de colaboraciones de lujo entre las que destacan integrntes de Franz Ferdinand, The Cribs, Magic Numbers, Johnny Marr (The Smiths), Roddy Frame (Aztec Camera) o los más actuales The Drums, con un disco que ha sobresalido en este año pasado.

Losing Sleep desprende una energía contagiosa. El rock directo se junta con el pop efervescente, ramalazos de soul o temas de folk más intimista (el final de disco es exquisito). Y las letras no pueden ser más claras en torno al infierno de sus problemas de salud y al mundo al que se ha enfrentado después.

Reflexiones sobre la vida... reflexiones que surgen en ciertos momentos y que bien nos valdría tener en cuenta sin necesidad de llegar a ellos. Muchas veces, sólo nos bastaría con disfrutar con las cosas sencillas, cercanas, con las cosas de cada día sin esperar a cosas mejores que pudieran llegar (o no) y, en ese in pass, lo que hacemos muchas veces es obviar e infravalorar las cosas que tenemos, las personas que ahora están a nuestro lado.

Un disco muy completo y de lo mejor del año 2.010 que ya nos ha dejado.

In Your Eyes (con The Drums)

http://www.edwyncollins.com/

http://www.myspace.com/wwwmyspacecomedwyncollins

Joanna Newsom – Have One On Me

2010-12-23T20:06:00.020+01:00

Joanna Newsom ya nos dejó un gran recuerdo con Ys, aquel maravilloso y peculiar disco que se marcó allá por 2006. Aquella grácil y enigmática chica de una belleza un tanto especial, aquella chica pegada a su arpa, que desgranaba sus melodías rodeadas de grandes orquestaciones y arreglos a cargo de Van Dyke Parks. Entonces fue cuando la conocimos y nos produjo una sensación que fue de la inicial curiosidad hasta irnos quedando paulatinamente impactados, casi hipnotizados. Recuerdo que el disco causó un gran revuelo en el panorama musical independiente y que era del agrado de gente con muy distintos gustos musicales. Fue uno de los grandes discos de aquel 2006.

Un poco de historia

Joanna Newsom comenzó a tocar el arpa a los 7 años de edad. Estudió música y escritura creativa en el Mills College. También toca el piano y el clavicordio.

Nació en el seno de una familia dedicada al mundo de la música: su madre era pianista y su padre tocaba la guitarra. Joanna comenzó a tocar el piano desde muy niña hasta que se enamoró de los sonidos del arpa, convirtiéndose en su adolescencia en una gran especialista del instrumento. Su curiosidad y ansias de conocimiento musical fueron amplias ya desde su niñez, estudiando sonidos de diferentes lugares del planeta, como la música celta, senegalesa, venezolana o el folk de los Apalaches, esa importante cordillera situada en el este de Norteamérica.

Después de una gira con nada menos que Will Oldham (Bonnie Prince Billy), Joanna firmó rápidamente con el sello Drag City y lanzó su álbum de debut The Milk-Eyed Mender en 2004. Poco después, Newsom hizo una gira junto a Devendra Benhaart y Vetiver. A lo que se ve, siempre ha estado muy bien rodeada de grandes músicos y eso, a buen seguro, algún poso habrá dejado en ella.

¿Cómo es su música?

Pues la verdad es que es difícil de definir y más para alguien que se enfrente a ella por primera vez. Es una especie de folk naif y poético, transcrito inocentemente con su voz aniñada, enriquecido con trazas bluegrass, jazz, sonidos celtas, africanos y otros tradicionales americanos. Delicados y sutiles contrapuntos que flotan sobre el mar de notas que emana de su arpa, sobre armonías de piano o sobre alfombras tejidas en base a arreglos cuerdas.

Los temas suelen ser largos, muy elaborados, y algunos se tornan bastante oscuros. Otros se esconden bajo patrones de melancolía, la cual es expresada a través de los bajos sonidos del arpa. Cascadas de notas, momentos más delicados y bellos, -hechizantes melodías, capaces de atraparte desde el primer segundo- conviven en su obra con otros momentos más animados y, con otros, que son hermosos cuentos de hadas que se vuelven tenebrosos…

Pero… ¿y la voz de Joanna? Podemos contar lo que queramos para tratar de describir su música (y a fé que lo estamos intentando) pero difícilmente hemos escuchado una voz como la suya. Inocente vocecilla, casi infantil, que trasmite lírica y poesía por doquier, como si de un juglar del pop se tratase. Ambiente campesino que evoca hermosas imágenes visuales.

Su nuevo disco

Desde aquel Ys, Joanna ha tardado varios años en obsequiar a nuestros sentidos con un nuevo trabajo, pero por fin está aquí.: Have One On Me (2010) que se descuelga, nada más y nada menos, que con un triple disco, 18 temas en total.

Es posible que la música de Joanna Newsom no entre a la primera, requerirá varias escuchas y es posible que su medicina tenga que ser tomada en pequeñas dosis. Pero no tiréis la toalla a las primeras de cambio. Dadle el tiempo que se merece y estamos seguros de que vais a descubrir poco a poco su maravilloso mundo.

Have One On Me es un disco denso y que requiere dedicación; no se trata de canciones folk comerciales o de baladas facilonas que entran enseguida. Es un trabajo hecho a conciencia, realmente un muy profundo viaje donde una joven proyecta sus emociones en un montón de historias y lugares bastante distantes de lo real. Estamos en unos tiempos donde solemos ir acelerados, sobrepasados, sin paladear muchas situaciones ni aún menos vivirlas intensamente; no nos damos cuenta de las muchas cosas buenas que están ahí y no reparamos en su belleza. Detengámonos a obsequiarle a esta doncella un poco de nuestro tiempo para apreciar su obra. Uno de los mejores discos del año sin duda...

http://www.dragcity.com/artists/joanna-newsom

http://www.myspace.com/joannanewsomallalive

Belle & Sebastian - Write About Love

2010-10-23T19:25:00.017+02:00

A mediados de los años 90 comenzaban su andadura una de las bandas pop más carismáticas, respetadas y sólidas del panorama actual. Tienen un estilo inconfundible que ha influenciado a muchas otras. Su música ha sido tremendamente valorada por todos aquellos amantes del buen pop, pero también por quienes están en otra onda. En la enciclopedia del pop, se han ganado una página completa y a todo color con todo merecimiento. Si es que hay "jefes" en este mundillo, como les gusta decir a muchos, éstos son uno de ellos.

Los escoceses Belle & Sebastian nos sorprendían en 1996 con aquel par de enormes discos: Tigermilk y If You're Feeling Sinister. Que tremendos discazos, que no deberían faltar en la discografía de ningún aficionado al buen pop de todos los tiempos. Su sola mención nos hace aún temblar: ¡que tremendos! Nos hacían sentir seguros de que nuestro arte favorito no iba a morir, que no iba a pasar de moda y podíamos ratificar que el buen pop no era sólo cosa de los 60 ó 70, sino que se iba a seguir haciendo por mucho tiempo, como así ha sido.

Y, como es normal, la música de Belle & Sebastian fué evolucionando desde que aparecieron por primera vez en la escena: la percusión se fue haciendo más dinámica, las líneas de bajo funky más sólidas y marcadas, las guitarras y los arreglos adquirían nuevos matices… pero nunca han perdido la esencia, la coherencia y el buen gusto; sus canciones perfectamente reconocibles, personales y siempre se nos escapa aquello de “esto suena a Belle & Sebastian…”.

A aquellos mencionados dos tremendos discazos iniciales le siguieron otros y la calidad no disminuía un ápice. A lo largo de su ya dilatada historia nos han dejado tremendas canciones, sutiles, cadenciosas, dulces y generalmente fáciles de escuchar. Yo creo que es un buen momento para darnos una vuelta por toda su discografía que es excelente. Vais a descubrir infinidad de tesoros.

Y en este décimo álbum en estudio Write About Love (2010) lo bordan de nuevo. El estilo de Stuart Murdoch de nuevo inconfundible, demostrando que es uno de los mejores compositores que exsten y siempre dejando huella, siempre dejando auténticas joyas.

Belle & Sebastian siempre fue uno de mis grupos favoritos desde “siempre” y me han acompañado muchos años en numerosas etapas y decisiones de mi vida. Los tengo totalmente interiorizados y la banda se ha llegado a convertir en una gran amiga, de esas que amas y no hace falta saber más ni preguntar por qué… simplemente le amas sin más y quieres que esté contigo.

Han pasado ya cuatro años desde su anterior disco The Life Pursuit (2006) y ya los extrañábamos un montón. En esta entrega se han vuelto a apoyar en Tony Hoffer como productor. Para reemplazar la voz femenina de Isobel Campbell en este disco toma el relevo Sarah Martin, componente de la banda, y dos invitadas especiales: la popular Norah Jones y la actriz Carey Mulligan (An education).

Write About Love es en conjunto un disco alegre y luminoso. Pop de cámara humilde y agridulce, pues tan pronto va perfecto para una tarde de lluvia como para un día soleado en el que tenemos un montón de planes.

No hay grandes sorpresas, pues transita senderos ya conocidos. Once canciones con mucho oficio (algunas son lecciones magistrales) y basadas en su clásica instrumentación: guitarras de sonido limpio, secciones de viento y cuerda, sintetizadores analógicos, coros y voces… Las letras hablan de la rutina de lo cotidiano, de oficinas, de vida urbana. Y por supuesto, del amor, como no podía ser de otra forma con ese título.

Y es que dicen que el amor mueve montañas… Yo hace tiempo que estoy enamorado de Belle & Sebastian, los amo, los tengo dentro de mí y, como quiero ofreceros lo mejor que tengo, me atrevo a compartirlos contigo.

http://www.belleandsebastian.com/home.phphttp://www.myspace.com/thebandbelleandsebastianhttp://rateyourmusic.com/artist/belle_and_sebastianhttp://www.allmusic.com/artist/belle--sebastian-p203358

Arcade Fire – The Suburbs

2010-09-06T16:45:00.003+02:00

Por fin recibimos la visita de una de las bandas de pop-rock más trascendentales de los últimos tiempos, a pesar de su todavía corta trayectoria. Estamos hablando de los canadienses Arcade Fire.

Su primer disco Funeral (2004) sorprendió a todo el mundo y es uno de los mejores discos de la década sin lugar a dudas. De vez en cuando es necesario un disco así para dar un nuevo salto evolutivo en la trayectoria de la música pop. Funeral fue, más que una bocanada de aire fresco, todo un vendaval de ideas y sonido que dio mucho que hablar. Sólo tenemos que buscar un poquillo por la red o leer las revistas y magazines musicales más populares para darnos cuenta de la unanimidad que existe en torno a este primer trabajo del grupo y, en general, en toda su obra.

Sus trabajos son siempre originales, aguerridos y siempre están impregandos de una fuerza especial. Y, aunque tocan varios estilos y tempos, saben conceptualizar y homogeneizar mucho el contenido musical de sus discos. Saben como utilizar el pegamento mágico y necesario para ello. En sus canciones siempre hay un poco de oscuridad, existencialismo, cierto barroquismo, algunas pinceladas de estridencia... pero siempre sonando muy sobrios, con grandes dosis de lirismo y con la mejor instrumentación y arreglos que se nos puedan ocurrir.

Quizá es pronto para decirlo, pero probablemente Arcade Fire se mencionen en las enciclopedias de la historia de la música pop en las páginas dedicadas al inicio del siglo XXI, pues su estilo es ya un clásico de nuestro siglo e indudablemente crea escuela y es reconocible a las mil leguas. Y seguramente serán una de esas bandas influyentes en los trabajos de posteriores generaciones.

Y desde su segundo trabajo Neon Blible (2007) -también muy aclamado por la crítica- se había generado una gran expectación con el lanzamiento del nuevo disco de Arcade Fire, el tercero de su carrera, lo cual parece no haber sido un obstáculo para que los canadienses hayan firmado otra soberbia obra musical.

Llevan sólo tres discos y seis años con nosotros y parece que lleven mucho más por el alboroto que se forma cada vez que sacan un nuevo disco, como les ocurre a los grupos grandes y míticos que llevan un montón de discos a sus espaldas. Y como les sucede a éstos, tienen sus sectores de admiradores, para los que son dioses, y de detractores, a los que no les parece para tanto la cosa.

No sé si este nuevo disco The Suburbs (2010) supera a sus anteriores trabajos, pero no hay duda de que es un gran disco, a pesar de que, en una primera impresión, puede parecernos algo largo (16 temas).

Es un disco semi-conceptual, que toca muchos palos y que está magistralmente ensamblado. Un disco que mejora con las escuchas, dada su densidad, y con una cosa curiosa: si tratas de hacerte una lista de las mejores canciones, observarás que ésta varía cada vez que vuelves a escuchar el disco. Las canciones que ahora te parecen las mejores, de repente, dejan paso a otra que antes no te había parecido para tanto y, en cambio, ahora está entre tus favoritas.

Esto sólo puede significar que realmente todas las canciones son muy buenas y que, depende del estado de ánimo en que te encuentres o el ambiente bajo el que lo escuchas, pueden ir mejor unas canciones que otras.

Arcade Fire han vuelto, y vamos a oír hablar de ellos, pues no van a dejar indiferente a nadie.

En nuestra sección UNA CANCIÓN (parte superior izquierda del blog) podemos escuchar la canción My Body Is A Cage, la que cierra su segundo disco Neon Bible, en la magnífica versión de Sara Lov.

http://www.arcadefire.com/
http://www.myspace.com/arcadefireofficial

Divine Comedy - Bang Goes The Knighthood

2010-07-28T14:06:00.045+02:00

Y ahora vamos a traer a uno de los platos más fuertes del panorama del pop de las últimas décadas. Llevan con nosotros prácticamente 20 años y ha llegado el momento de rendir culto a tamaña obra de la orfebrería pop aquí en EL BOSQUE, aprovechando que están de actualidad con su nuevo y magnífico disco Band Goes The Knighthood.

Nos visitan The Divine Comedy, proyecto del irlandés Neil Hannon, uno de los grandes genios que ha dado este arte llamado pop en los últimos tiempos. Es sin duda uno de los grupos más originales que existen y esto es lo primero que yo destacaría. No es una música predecible, de manual, con un estilo definido, sin apenas diferencias entre un tema y otro. Muy al contrario, con The Divine Comedy siempre vamos a tener sorpresas, elaboración, nuevas ideas y, sólo por eso, es un placer descubrir cada disco y, dentro de cada uno de ellos, cada canción, cada detalle…

Neil Hannon es un artista completo, que compone tan bien como interpreta su arte. Mucho humor, mucha sensibilidad y una música espectacular en un mismo paquete; clase, elegancia, instrumentación cuidada y grandes armonías vocales. Atemporales viñetas poéticas, dulces ironías, teatralidad, melodías a veces operísticas y ampuloso romanticismo. Buen coctail, música difícil de describir, la verdad es que es mejor oírla…

El arte debe transmitir algo y vaya como lo hacen The Divine Comedy: si estás de bajón, no hay mejor remedio para combatir el mal humor y, si estás alegre por alguna circunstancia o si estás enamorado, melodías y canciones de amor que te logran conmover. No puede negarse que todos sus discos son altamente trabajados, refinados, originales, sobresalientes, distintos.

Normalmente. a casi todos los grupos que llevan ya un cierto tiempo siempre se les respeta más por la línea de sus discos anteriores que por los más actuales, pues se le presupone un desgaste, una repetición o una merma en la capacidad de inspiración. No sucede así con este Bang Goes to Knighthood, su último trabajo, que para nosotros es un auténtico discazo y además personalmente creo que de corte más pop fresco y directo que los anteriores, si bien conserva esa magia y el carisma de siempre.

Hay tanto temas melódicos y románticos como canciones más espontáneas y divertidas, sin dejar de lado esa faceta suya más oscura y misteriosa, en la que casi te ves inmerso en el ambiente de una vieja película de amor en blanco y negro.

Yo los estoy redescubriendo de nuevo y hay cosas buenísimas que no recordaba o no conocía. Hay que tomarse su tiempo, pero os recomendamos hacer una ruta turística por su discografía completa, una vez abierto el apetito con este magnífico Bang Goes to Knighthood.

La trilogía compuesta por sus primeros discos (Liberation, Promenade y Casanova) es absoluntamente insuperable (¡qué barbaridad!). Y que decir del siguiente Fin de Siècle, una obra de arte más para acabar con el siglo y con cualquiera que la escuche... Después hay un corte o intermedio con Regeneration (2001) que es distinto de lo que venían haciendo hasta el momento. Es muy bueno, no lo vamos a negar, pero no es tanto "made in Hannon", es más bien una suerte de mezcla Radiohead-Travis. De modo que Hannon vuelve un poco por sus fueros a partir de su siguiente disco Absolute Friends donde se inicia una segunda etapa que llega hasta nuestros días, con el reseñado Bang Goes to Knighthood.

En cualquier caso, darse una vuelta por la discografía completa de The Divine Comedy es un absoluto lujo y no te cansas nunca de escucharlos. Os lo recomendamos sin lugar a dudas.

Selección de vídeos y canciones

http://www.thedivinecomedy.com/
http://www.myspace.com/thedivinecomedy

John Grant - Queen of Denmark

2010-07-23T12:44:00.010+02:00

Nos visita una verdadera joya, que se ha convertido en uno de mis discos favoritos en este verano y probablemente sea uno de los mejores del año, tenga o no relevancia en los medios. Se trata del John Grant y Queen of Denmark, su primer disco en solitario tras la disolución de The Czars, uno de nuestros tesoros o debilidades aquí en el EL BOSQUE.

Seguimos pensando que la de John Grant es una de las voces masculinas más bonitas y mejor moduladas del pop actual. Y, por si fuera poco, en este disco se hace acompañar en alguno de los temas por una banda llamada Midlake, que hace una especie de pop-folk psicodélico que nos encanta y que ya nos dejó de piedra con aquel discazo llamado The Trials of Van Occupanther (2006).

Así pues, ante nosotros este Queen of Denmark, un disco lleno de colores, matices y paisajes por explorar. No sé si atreverme a tildar de discazo a todo el conjunto, porque hay temas de diverso porte y estilo, de subjetivo logro y convencimiento, pero está muy claro que este disco tiene grandísimas canciones. El comienzo es realmente soberbio, de lo mejor que hemos oído en mucho tiempo. Dudo que volvamos a escuchar otra trilogía con la solidez melódica y compositiva de las tres primeras canciones del álbum, en un prodigioso ascenso emocional.

Es más, cuando escuches esas tres primeras canciones, querrás investigar y escuchar toda la discografía de The Czars que caiga en tus manos. Quién así lo sienta, le recomendamos que empiece por el álbum Goodbye (2006) y la excelente compilación de versiones llamada Sorry I Made You Cry (2006), con la que hasta las rocas se enamoran de los cangrejos que pululan por ellas.

En definitva, un álbum excelente, precioso, lleno de buenas canciones pop -algunas realmente fantásticas- rebosante de maestría y clase y que os recomendamos como un poco de aire fresco en estos calores veraniegos. Un disco perfecto para escuchar al amanecer cuando aclara el nuevo día, cuando todo empieza o, al atardecer, coloreado por los naranjas del ocaso que, no se ven así como un final, sino como una reflexión, una recapitulación que dará paso a un nuevo y gran día, donde viven las nuevas ilusiones.

Vídeos

John Grant: How I wrote Where Dreams Go To Die en The Guardian
http://www.guardian.co.uk/music/video/2010/jun/17/john-grant-where-dreams-go-to-die(Sólo voz y piano, pero igualmente una maravilla)

http://www.myspace.com/johnwilliamgrant

Descubriendo a The Lodger

2010-07-12T13:37:00.008+02:00

Hoy no nos apetece pensar, queremos dejar que nuestra mente navegue a su libre albedrío y que, por unas horas, la vida se muestre ante nosotros como le apetezca, como una obra de teatro de la que queremos ser meros espectadores y a la que tan solo nos permitiremos el lujo de ponerle una banda sonora.

No queremos meternos dentro de músicas conceptuales, explorar paisajes intrincados… o bosques frondosos. No nos apetece escudriñar en grandes arreglos ni en detalles sutilmente rebuscados, aquellos que parecen salir más de la tecla del ingeniero que del pentagrama del músico.

Nuestra mente hoy esta cansada y quizá la mejor receta sea pop con las viejas fórmulas: guitarra, bajo, batería y, si acaso, algún flirteo ocasional con algún pequeño toque de cuerda o teclado. Algo sencillo, si, pero no por ello facilón, carente de calidad, o que responda a la clásica radio-fórmula. Ese no es nuestro espíritu, creo que lo hemos demostrado en la ya larga singladura de este blog… ¿qué podríamos escuchar hoy?

Ya lo tengo: The Lodger. Canciones tarareables, soleadas, brillantes; coros maravillosos, elegantes bases de guitarra; temas directos, cortos, sin complejos y sin complicaciones. Vamos a buscar sus discos, a ver donde los teníamos... Bien, aquí están.

Hasta hora han editado tres discos: Grown-ups (2007), Life Is Sweet (2008) y Flashbacks (2010). Aunque los tres siguen la misma línea, recomendamos empezar por el segundo Life Is Sweet que es una pura delicia y seguir por el primero Grown-ups. En nuestra opinión, es algo más flojo Flashbacks, el último que han editado este año.

Que bien construidos están determinados pasajes de estas canciones… necesitábamos algo de frescura en esta resacosa y cálida mañana de julio… Nuestra sensación cambia, ahora estamos mucho mejor, nos sentimos vivos; tenemos toda la vida por delante y, en su largo y curvo camino, nos esperan cosas maravillosas.

Creo que vamos a estar unos días escuchando a The Lodger: lo necesitábamos. Esperamos que a tí te gusten tanto como a nosotros...

http://www.myspace.com/thelodgerleeds
http://www.thelodgermusic.co.uk/

The New Pornographers – Together

2010-07-09T14:04:00.011+02:00

The New Pornographers son un grupo canadiense formado en 1997 en Vancouver. Suele ser referida como una superbanda, ya que casi todos sus miembros tienen sus propios proyectos en solitario o con otras bandas, como los excelentes trabajos de Neko Case, de Carl Newman o el excelente grupo de Dan Bejar, llamado Destroyer que, por cierto, fue la primera reseña que inauguraba este blog.

Se dice que el líder de la banda, Carl Newman, seleccionó el nombre de la misma haciendo eco del predicador de televisión Jimmy Swaggart, quien aparentemente dijo que "la música era la nueva pornografía", si bien otra versión indica que en realidad el nombre salió después de ver la película de culto The Pornographers (1966), del director japonés Shohei Imamura.

The New Pornographers han escrito excelentes discos en su ya dilatada carrera, que empezaba con el siglo: ‘Mass Romantic’, ‘Electric Version’ o ‘Twin Cinema’, … todos denotaban un pop poderoso, imparable, musculoso, totalmente directo y fresco. Ese tipo de canciones trepidantes que quieres volver a oír una y otra vez. Su música ha sido frecuentemente clasificada como de estilo power pop pero, en mi opinión, son inclasificables; en sus canciones hay mucho más trabajo del que parece y, además de los arreglos de guitarras, existen texturas más elaboradas y complejas con las voces y con otros instrumentos. De hecho, su sonido crea escuela y son ellos los que deben tomarse como una referencia.

En este nuevo disco, Togheter, dan nuevas muestras de su cohesión, que no está reñida con los trabajos independientes de cada uno de sus miembros. Ni siquiera firman individualmente las canciones que aportan cada uno, si bien puedes adivinarlo dada su marcada personalidad a nada que conozcas un poco sus trabajos en solitario.

A la fiesta se suman, aumentando la familia de nuevos pornógrafos y aportando clase, Annie Clark (St Vincent), que aporta su guitarra a ‘My Shepherd’, Will Sheff (Okkervil River), que canta en ‘Moves’, y Zach Condon y su trompeta en ‘A Bite Out Of My Bed’ y los magníficos Dap-Kings de Sharon Jones que dan un bonito punto soul.

En definitiva, The New Pornographers nos dejan otro pildorazo pop, un disco muy notable, divertido y muy bien construido por esta banda de galácticos del pop que convencen tanto juntos como separados.

Vídeos

http://www.myspace.com/thenewpornographers
http://www.thenewpornographers.com/

Radio Dept. - Clinging To a Scheme

2010-06-07T17:15:00.012+02:00

Estamos en 2003. Una nueva banda hace su debut. El disco se llama Lesser Matters y, de entrada, ya nos quedamos mirando con curiosidad su llamativa y algo extraña portada.

Podemos leer que los autores se hacen llamar algo así como The Radio Dept. (con un punto al final).

Nos ponemos a escucharlo y, de repente, una cascada de sonidos trepidantes y electrizantes nos abofetea la cara y nos descoloca un poco. Sin embargo, y a pesar del ímpetu desplegado, la música es bonita, intuitiva y se hace querer poco a poco. Se nos empieza a pegar a la piel y sentimos la necesidad de volverla a escuchar.

Poco a poco, su música logra enamorarnos. Descubrimos sus melodías y secretos, escarbando para ello en su externa capa compuesta por algo de ruido, niebla y motas de polvo. Predominan los samples, efectos y ritmos que se adivinan programados; los sintetizadores y teclados atmosféricos están por todas partes, pero también hay una buena base de distorsión de guitarras. Un gran regusto doméstico se deja entrever, a pesar de lo enrarecido del ambiente. En el fondo de ese panorama, entre esa densa niebla, flotan, se adivinan y sobreviven las melodías que al final son las reinas de la noche y fluye de ellas un aire melancólico que hace totalmente respirable esa atmósfera.

Ya hemos comentado en otras ocasiones que las etiquetas musicales son subjetivas e inventadas, pero nos sirven un poco a modo de referencia. Podemos hablar en este caso de la predominancia de algo llamado sohegazer, pero con dream-pop, shynt-pop, e incluso algo de punk, camuflados.

Después de aquel Lesser Matters, The Radio Dept. continuaron en esa misma o similar línea, haciendo buenos discos, aunque sin la sorpresa inicial: Pet Grief (2006) y ahora Clinging To a Scheme (2010).

Su música sigue siendo un batiburrillo de influencias, entre las que se nos vienen a la mente: Field Mice, Jeus and Mary Chain, Felt, The Cure, Pet Shop Boys, Joy Division, My Bloody Valentine, OMD, New Order, Trembling Blue Stars, Pixies, Slowdive…

Pero esto solo a nivel de cultura general y, como siempre decimos, lo mejor es ponerse manos a lo obra y sacar nuestras propias conclusiones. A lo mejor descubrimos algo que nos encanta y nos llevamos esa sorpresa y esa “bofetada” musical que recibimos nosotros cuando los descubrimos allá por 2003.

Vídeo

Where Damage Isn't Already Done

http://www.myspace.com/officialradiodept
http://theradiodept.com/

Nina Persson

2010-06-03T21:54:00.025+02:00

Por si las 69 canciones de amor no fueron suficientes, os dejamos hoy con Communication, una bonita canción que Nina Persson interpreta con The Cardigans y que se encargará de rematarnos. Una verdadera joya.

Amor, amistad, en cualquier variante... tomemos unas dosis de esta medicina. Seguro que nos vamos a sentir mejor. No te pierdas, conéctate.

Y os dejamos también con el tema Slow, con el que queremos realizar un pequeño tributo a Nina Persson, una impresionante y carismática artista sueca, que ha escrito unas hermosas páginas en la historia del pop, realmente tremendas y emocionantes, capaces de despertar a un muerto y que todo amante del pop no debería ignorar, trabajando especialmente con The Cardigans o en su proyecto A Camp y también colaborando con otras bandas, como Sparklehorse o Manic Street Preachers.

... El DisCóBoLo ...The Magnetic Fields 69 Love Songs

2010-05-25T13:05:00.040+02:00

Volvemos con una nueva entrega en nuestra joven sección llamada El DisCóBoLo, donde nos proponemos desempolvar discos -no excesivamente antiguos- que para nosotros hayan significado algo especial, que nos hayan dejado huella, que no podamos olvidar o que nos llevaríamos a una isla desierta… Y nuestro invitado de hoy sería, sin lugar a dudas, uno de ellos: 69 Love Songs, por The Magnetic Fields.

The Magnetic Fields es una banda neoyorquina encabezada por el compositor y cantante Stephin Merritt, sin lugar a dudas uno de los mejores compositores que ha dado el panorama pop en los últimos 15 años. Le acompañó desde siempre su amiga Claudia Gonson (percusión , piano, voz) y cierran la formación Sam Davol (violonchelo) y John Woo (banjo y guitarra).

Stephin Merritt ha estado trabajando en varios proyectos, pero no nos vamos a perder aquí en los muchos datos biográficos o discográficos que fácilmente vais a poder encontrar en la red. Nos basta con despertaros el gusanillo por la obra de este gran artista.

69 Love Songs. 1999. Terminaba uno de los siglos más significativos y, a la vez, más violentos de la humanidad. Llegada es la hora de predicar amor. Sin complejos. Disco triple: 23 canciones en cada uno. Su obra cumbre, la unánimemente más aclamada y uno de los mejores discos pop de todos los tiempos. 69 canciones de amor en las que el artista intenta comprender todos los ritmos, todos los estilos, todas las perspectivas y todas las temáticas posibles en el ámbito de las melodías amorosas. La luz de cada canción atraviesa un prisma distinto cada vez y, siempre se descompone en el espectro de colores del amor, de cualquier índole, pues el amor está en todas partes si queremos verlo.

Un proyecto tremendamente ambicioso como pocos artistas tienen la facultad de poder acometer con la solvencia con la que lo hace Stephin Merritt (quizá sólo Sufjan Stevens tiene esa capacidad).

Una obra que, en contra de lo que pudiera parecer, no llega a aburrir a pesar de ser tan extensa; cada tema es una poesía, una pincelada, una evocación, una bocanada de aire fresco y, lo mejor de todo, una sorpresa. Las canciones pasan: una, otra…diez, quince…sesenta y nueve; y no te das apenas cuenta, no te aburres y es que todas tienen algo. Casi todas son buenas y, algunas, una joya.

Prepárate a abrir tu mente y a viajar por el espacio sideral del sonido artesano, hecho con delicadeza, con amor, porque las canciones no están especialmente recargadas y son aparentemente simples, como hechas en casa. La grave, afinada y bien modulada voz de Stephen se alterna sutilmente con las interpretaciones de Claudia Gonson y con las de varios otros vocalistas invitados, que dan vida a determinados temas.

Hay una gran variedad de instrumentación por doquier: ukelele, banjo, acordeón, violonchelo, mandolina, piano, flauta, xilófono, y varios instrumentos de percusión, además de los usuales sintetizadores, guitarras y efectos. Elementos todos ellos, junto con las alternativas de las voces, los que hacen que la obra pueda ir avanzando inexorablemente sin aburrirnos y que estemos esperando con expectación e ilusión cada nueva canción.

Canciones largas, cortas, lentas, rápidas, destellos de electricidad, canciones acústicas, ritmos latinos, jazz ebrio y experimentos vocales. Toda una exhibición de talento.

En un mundo como el que vivimos, donde a veces todo se nos presenta tan materialista, tan mediatizado, tan político, tan corrupto o tan deshumanizado, Stephen Merritt nos devuelve un poco de confianza en la humanidad; nos muestra de lo que es capaz el ser humano a través del arte y además nos cuenta que todo es amor y que, sea en primer o en segundo plano, siempre ha de estar presente en nuestras vidas, como lo está en estas 69 canciones, desde la primera hasta la última.

Deja que esta maravillosa colección de canciones sean la banda sonora de tu vida por unos días, déjalas ser tus compañeras, déjalas entrar y permite que se inmiscuyan en aquellos proyectos que acometas.

1 vídeo

3 canciones

http://www.houseoftomorrow.com/
http://www.myspace.com/themagneticfields

Elizabeth & The CatapultTaller Children

2010-05-19T13:09:00.020+02:00

En los últimos días andamos cautivados por la voz y la personalidad de Elizabeth Ziman y también por su amplio abanico musical. Lo escuchamos una y otra vez y no nos cansamos. Tras un primer EP editado en 2006, Elizabeth & The Catapult –que así se llama su proyecto musical junto a Pete Lalish y Danny Molad- han editado un gran disco llamado Taller Children (2009) y que es nuestro invitado de hoy.

Elizabeth & The Catapult nos visitan desde Brooklyn y su música combina elementos de jazz, pop y texturas acústicas. Tienen un sonido excelente y suenan perfectamente cohesionados, como si el proyecto llevara mucho más tiempo de rodaje. Como hemos dicho, cuentan con un repertorio amplio, que tan pronto te rompe en dos un tema lento, como te hace saltar de la silla con un tema de corte más rítmico o desenfadado.

Es ese tipo de pop juguetón con una introspección adulta, concepto de entender la música que tanto nos gusta por aquí en EL BOSQUE. El disco ha sido producido en su mayor parte por Mike Mogis, productor de Bright Eyes, M. Ward y Rilo Kiley, entre otros. Ahí es nada.

Taller Children (niños grandes). Si, niños grandes. El ser humano, siempre se ve insatisfecho y siempre añora lo que no tiene; anhela ser adulto para que nadie más tome las decisiones por él y, al crecer, añora volver a ser niño para evadir responsabilidades y poder hacer de la vida un juego. Queremos ser grandes, sin dejar de ser niños, y es que la etapa infantil y la de preadolescencia es muy larga en el ser humano, a diferencia de en otras especies, y eso deja sus secuelas.

La imaginación, la fantasía de los niños, que gran tesoro, que primor… Que pena que muchos adultos la pierden y muchas veces injustamente llamamos “niños” a aquellos que la conservan y la exteriorizan en demasía. No nos damos cuenta de lo “aburridos” que podemos resultar muchas veces los “mayores”.

Hay algo en la expresión, en la mirada de Elizabeth que nos cae bien, que transmite confianza, nobleza, sinceridad, algo que nos hace sentir paz… Confiamos en ella, y en su música, y no nos vamos a plantear más filosofías, tan sólo vamos a disfrutar con la música de Elizabeth & The Catapult, que seguro que es también lo que ellos quieren.

Vídeo

http://www.myspace.com/elizabethandthecatapult
http://www.elizabethandthecatapult.com/

Camera Obscura en la radio

2010-05-17T17:27:00.009+02:00

Estábamos escribiendo la siguiente reseña para compartirla aquí en nuestro espacio habitual en EL BOSQUE cuando, navegando por ahí, nos hemos topado con este maravilloso concierto en el excelente programa Morning Becomes Eclectic de la KCRW, la emisora de radio por Internet del Santa Monica College, en Los Angeles, California. Cuantos buenos ratos hemos pasado escuchando este programa de la KCRW, que periódicamente emite conciertos de bandas actuales con un sonido totalmente excepcional.

Aunque muchas veces los artistas presentan versiones minimalistas de sus temas en este tipo de conciertos, Camera Obscura acudieron al programa con prácticamente todas sus armas y realizan una interpretación extraordinaria de muchos de los grandes temas de su último disco My Maudlin Career(2009).

Este es el cartel que desplegaron, incluida la entrevista:

1. Intro
2. Swans
3. Honey in the Sun
4. Forest and Sands
5. Interview
6. French Navy
7. James
8. Tougher Than the Rest
13. Outro
14. You Tell a Lie

Ya nos despachamos a gusto en su momento sobre este disco en particular y sobre Camara Obscura en general hace poco más de un año y, ya entonces, no dejamos lugar a dudas de que se trata de una de nuestras bandas favoritas, de nuestros buques insignia aquí en EL BOSQUE.

Eighties Fan, aquella tierna canción casi-perfecta que nos sorprendía a todos en aquel 2001...que delicia. Parece mentira que hayan pasado ya casi diez años.

Tracy Campbell, aquella tierna jovencita con aspecto inocente que surgía entre de entre las sábanas, ocultando sus ojos azules bajo el celuloide en blanco y negro, la cantaba a las mil maravillas, esa voz tan dulce, tan personal… Si, 10 años y ahí sigue, siendo una de las mejores compositoras e intérpretes de lo que llevamos de siglo y, lamentablemente, todavía habrá quien no la conozca.

Pero aquí está EL BOSQUE DEL POP al rescate, como superhéroe que cruza los cielos para salvarla, como barco que surca los mares en busca de tesoros…Hoy no nos hemos podido resistir a traeros a esta gema que os ayude a endulzar vuestras vidas.

Que maravilla. Disfrutadlo…

¡Como envidio a quién no conozca aún a Camera Obscura y los descubra ahora…!

Os dejamos con el concierto en la KCRW:

http://www.kcrw.com/music/programs/mb/mb090612camera_obscura

Lucky Soul - A Coming Of Age

2010-04-26T16:17:00.019+02:00

Hoy tenemos con nosotros a Lucky Soul, una banda que ya nos deslumbró en 2007 con aquel fantástico The Great Unwanted. Ya teníamos ganas de presentarlos por aquí.

Lucky Soul es un quinteto de Greenwich (Inglaterra) y combina a la perfección la energía y luminosidad del pop con las vibraciones del soul, produciendo una mezcla que resulta totalmente adictiva, explosiva, y a la par, deliciosa.

Melodía, inspiración, elegancia y frescura están a la orden del día en sus composiciones. Que manera de dar en la diana una y otra vez, canción a canción. Nos quedamos impactados con esa habilidad de hacer parecer obvio y sencillo lo que no lo es tanto, con esa forma natural de resultar tan convincente.

Sencillez, inmediatez; canciones que lo dicen todo en dos o tres minutos; acordes sencillos y estribillo inolvidable; canciones que parece que hayamos oído antes por la obviedad que desprenden; canciones que nos resultan totalmente familiares. Parece fácil, pero no lo es tanto.

Pop clásico y resplandeciente, perfecto para estos coloridos días de primavera que ya se hacen notar, tratado con delicadeza, con encanto, como el que nos transmite la cantante Ali Howard, que se erige como integrante principal, pero es que detrás tenemos a una notable banda, en la que Andrew Laidlaw es el alma compositiva.

Canciones en blanco y negro, canciones en color...

Si queremos hacernos un poco idea de cómo es su música, cabría decir que tiene dos vertientes principales: por un lado, la de los grupos vocales de los sesenta, con sus coros, arreglos y excelentes melodías elaboradas hasta casi la perfección y, por otro, ese soul tipo Motown, que despliegan bandas como The Supremes.

Y ahora nos llegan con A Coming Of Age, el segundo álbum de nuestros Lucky Soul, donde vuelven a mostrar su puntería melódica, su habilidad con los arreglos y su facilidad para fabricar hits. Lleno de luces y también de contraluces; lleno de matices, pero uniforme; redondo, disfrutable y con el gran carácter de siempre: habilidad y agilidad para contactar con el oyente.

Dicen que con este disco, Lucky Soul alcanza su mayoría de edad. No creo que sea tanto así, ellos ya nacieron maduros, con tablas, con arte, con el clasicismo metido en sus venas y, a la vez, con ese sonido totalmente juvenil y fresco.

En definitiva, totalmente disfrutables, maravillosos y con una fórmula que funciona a la perfección: o te mueves sin quererlo con su ritmo o te hacen llorar con sus melodías evocadoras. Con Lucky Soul, podemos pasar fácilmente de la risa al llanto, como auténticos niños...

Vídeos

http://www.luckysoul.co.uk/videos

Enlaces

http://www.myspace.com/luckysoulluckysoul
http://www.luckysoul.co.uk/

Sambassadeur - European

2010-04-20T11:04:00.013+02:00

Por fin podemos recibir la visita en el EL BOSQUE de una de nuestras bandas de pop favoritas de estos últimos años. Se trata de los suecos de francés nombre Sambassadeur.

Como curiosidad, decir que deben su nombre a que son fanáticos de Serge Gainsbourg y lo han sacado de una de sus canciones: ‘Les sambassadeurs’.

La música de esta banda es muy variada dentro del marco pop y, como tendréis ocasión de apreciar si investigáis un poco su obra, ha tocado varios palos y es capaz de transmitir muchas sensaciones.

En general, se desprende ese aroma lo-fi de las bandas que comienzan grabando maquetas en sus casas con precarios medios, guarecidos del frío y lluvioso clima nórdico, lo que se deja entrever en sus canciones, sobre todo en la primera etapa.

Es el genuino sabor del pop, en estado puro, y que surge de las ideas, de los intercambios, de los desvelos de noches sin dormir, de la complicidad de una sonrisa, de un gesto, de un abrazo, de los arrugados vasos de plástico desperdigados por ahí, de los papeles arrancados, de las largas charlas hasta el amanecer, de las camas sin hacer, de la niebla dentro y fuera de la habitación…

Ilusiones que se apagan y se encienden como vela mecida por el viento, sueños rotos, noches oscuras con ráfagas de luz, con atisbos de esperanza...

Fluyen los arreglos de guitarra, manan las bases e ideas electrónicas que las tecnologías actuales –por caseras que sean- ponen al alcance de los avezados jóvenes músicos y cuando hay talento, cuando hay ideas, se construyen grandes canciones.

Seguramente habrán muchas bandas que tratan de empezar así este arduo camino y tras una serie de conciertos, y un buen número de maquetas enviadas a discográficas, llega una compañía como Labrador y se interesa por ellos. Si se consigue algo así, se ha dado el primer gran paso. Es una especie de darwinaniana selección natural llevada al terreno de lo musical.

La música que hace Sambassadeur ante todo transmite ilusión, alegría, esperanza. Es música que yo disfruto mucho si viajo en tren mirando por la ventana el rápido discurrir de los árboles, las casas, los puentes, las nubes…O si voy andando por las calles a paso acelerado con una meta en la cabeza…es, en fin, una música que inyecta dentro de ti las convenientes dosis de alegría y decisión para llegar a los destinos que te marcas; surcas los mares o vuelas hacia ellos, con los ojos humedecidos por la emoción.

Y después de los aclamados Sambassadeur (2005) y Migration (2007), regresan ahora con European, su tercer disco, y es un trabajo aún más extrovertido. Se les ve seguros de si mismos, con un sonido ya consolidado, del que sigue emanando esa alegría por llegar a una meta, esa emoción que te invade ante una emocionante melodía, bien aderezada y pertrechada por grandes arreglos y texturas orquestales, adornadas por la carismática y sugerente voz de Anna Persson.

Lo importante es que consiguen crear estados de ánimo y transmiten muchas emociones, que es en definitiva lo que todo arte pretende. Sambassadeur ha alcanzado su madurez, es un regalo pop y creo que es el momento de que lo acojáis en vuestro reproductor musical.

http://www.myspace.com/sambassadeurtheband
http://sambassadeur.com/

The Morning Benders - Big Echo

2010-04-16T10:56:00.009+02:00

Nos gusta mucho el pop en todas sus variantes y nos encanta su mestizaje con casi cualquier otra disciplina o estilo musical, tal como vamos proponiendo en nuestras periódicas reseñas aquí en EL BOSQUE, donde además tratamos de dar a conocer tesoros y joyas ocultas que vamos descubriendo y que queremos compartir con vosotros.

Pero si nos ponemos puristas, uno de nuestros estilos favoritos estaría sin duda muy bien representado por una canción como Excuses, la canción que abre el nuevo álbum de unos tales The Morning Benders y que se llama Big Echo.

Podemos deleitarnos con ella en el vídeo que hemos colocado al final de esta reseña, donde además hacen una interpretación muy especial de ella, reuniendo músicos de cuerda, un coro y algún que otro músico más o menos ilustre como Chris Owens de Girls o John Vanderslice y tocando todos juntos en un estudio, formando una gran banda que han llamado la Echo Chamber Orchestra, al estilo de las grabaciones que Phil Spector hacía en los años 60 o también podemos intuir a Brian Wilson dirigiendo a sus “boys” en alguna de sus sinfonías-pop o…al estilo de quien espera la visita del Sargento Peppers o…bueno, creo que ya es más que suficiente.

Que maravilla de canción y que gran trabajo con la instrumentación y los juegos de voces. Y aunque aquí no lo parezca, estamos en 2010 y se siguen haciendo tesoros como estos.

Pero...¿quién son estos The Morning Benders?

Son de San Francisco y cuentan que Chris Chu comenzó en el año 2005 como un proyecto en solitario, grabando sus canciones con un micrófono y un ordenador portátil. Pero las ideas iban fluyendo y aquello fue a más, se reclutaron más músicos con el propósito de formar una banda de pop-rock y queda finalmente formada por el propio Chris Chu (voz y guitarra), Julian Harmon (batería), Timothy Or(bajo) y Jonathan Chu (guitarra y teclados y hermano del primero).

Grabaron unos iniciales EPs, un disco de versiones, y mientras preparaban lo que iba a ser su primer disco: Talking Trhough Tin Cans (2008). Reminiscencias a pop-rock clásico de siempre; por ejemplo Kinks si miramos atrás, o unos The Shins si miramos hacia delante a una banda actual.

Pero he aquí que se fija en ellos Chris Tylor, de Grizzly Bear, una banda bastante conocida y respetada en el mundillo independiente y muy en la onda del pop-psicodélico y del cavernoso rock experimental. Chris Tylor participa en la producción del nuevo disco Big Echo.

Y en esa línea va el nuevo disco, el más lo-fi y sencillo pop-rock de su primer disco se torna más complejo, más elaborado, más cavernoso (si), más psicodélico (también) y con una mayor creación de atmósferas. Algo cambia, algo evoluciona, y la acogida del disco en Internet parece bastante buena.

Es un disco con un estilo muy marcado y que no es tan fácil de escuchar como pueda parecer cuando escuchas las tres primeras canciones. Pero os recomendamos que lo escuchéis con tranquilidad, con placer, con tiempo, con ganas de degustar poco a poco y veréis como surgen los detalles y la hermosura.

http://www.myspace.com/themorningbenders
http://www.themorningbenders.com/

She & Him - Volume Two

2010-04-13T14:44:00.009+02:00

Hemos estado escuchando intensamente en los últimos días una enorme colección de canciones firmadas por She & Him bajo el título de Volume Two. Las escuchamos una y otra vez, y van perfectas con estos primeros días cálidos que esta tímida primavera empieza a presentarnos, aún intercalados con pequeños repuntes o amagos otoñales.

Ya nos enamoramos en su día de aquel Volumen One que editaron en 2008 y ahora vuelven con una segunda entrega en una línea similar, luego nuestras expectativas eran altas y para nada se han visto defraudadas.

Hoy nos visitan She & Him, el dúo formado por ese pedazo de músico llamado Matt Ward y por la cantante, compositora y guapa actriz Zooey Deschanel.

Matt (bajo el nombre de M. Ward) tiene una larga trayectoria musical a sus espaldas y es gran compositor, además de un excelente guitarrista. Tiene discos de enorme calidad: Transdfiguration of Vincent, Transitor Radio, Post-war o el reciente Hold-Time que edito el pasado año 2009. Os animamos a indagar en su discografía...

Matt aquí trabaja detrás de cámaras, creando la estructura de las canciones, los riffs de guitarra, los arreglos y revistiéndolas con un traje de corte pop-rock-folk engañosamente simple, en un marco de tipo clásico, pero que suenan alucinantemente frescas y atemporales.

Y Zooey Deschanel –también actriz, como decimos- aquí realiza uno de sus mejores papeles; su talento es exquisito y muestra una gran destreza, a la par que dulzura y encanto.

Esta combinación es tremenda y no suena a colaboración casual; las canciones adquieren un tinte muy fresco, directo, edulcorado –sin empalagar- y te hacen sonreír sin saber por qué. Son perfectas si estás enamorado, pero también lo son si no estás pasando por tus mejores momentos; te ayudarán a ver la vida de otro color, con su sonido alegre y ensoñador.

Además, entre las varias perlas del disco, nos encontramos con una versión del Gonna Get Along Without You Now de Skeeter Davis, con la que ya te quedas bastante prendado, y además clavan otra versión de New Rhythm and Blues Quartet (NRBQ), Ridin' in my car. Ya lo hiceron en su Volumen One. Nos encantan sus versiones, no son para nada pegotes en el disco ni tampoco son protagonistas del mismo.

No nos cansamos de escuchar a She & Him. Os aconsejamos que os hagáis con los dos volúmenes (One y Two) y que permitáis que os invadan un poco, que entren en vosotros y sean vuestra banda sonora por unos días.

http://www.myspace.com/sheandhim
http://www.sheandhim.com/

Nellie McKay Normal as Blueberry Pie:A Tribute to Doris Day

2010-03-24T16:39:00.013+01:00

Lo que nos gusta de este arte llamado pop es que puede tomarse la licencia de flirtear con diversos mundos, diversos estilos y salir airoso de la experiencia. Al pop le hace bien el mestizaje, la mezcla con otras músicas y, si el artista sabe trasmitir, la mezcla resulta muy convincente.

Con rock, con el funk, con el soul, con la psicodelia, con lo electrónico, con el folk o, como en el caso de la artista que nos ocupa hoy, con el jazz. Vamos a degustar juntos esta vez una auténtica píldora jazz. Ya veréis como os gusta la experiencia…

Nos visita hoy Nellie McKay y, aunque algunos no la conozcáis, ya es una artista consolidada, con cuatro discos a su espalda, desde aquel gran trabajo Get Away From Me allá por 2004.

Quizá no sepáis que en la reciente película P.S. I love you (2007), Nellie interpreta a la hermana de la protagonista y, como no podía ser de otra manera, ha compuesto un tema para la película. Y también hemos podido escuchar su música en capítulos de las series Anatomía de Grey y Weeds.

Este último disco llamado Normal as Blueberry Pie: A Tribute To Doris Day (2009) es ya el cuarto de esta fantástica cantante, actriz y defensora activa de los animales. Es un tributo a su admirada cantante, actriz y también defensora de los animales Doris Day.

Las canciones de Nellie suenan enormemente personales, con ese aire de jazz vocal sobre el piano, ese optimismo descarado, rápido, sin aparente esfuerzo, esa voz hipnotizante, adaptable a una gran variedad de sonidos.

"Las personas que más van a necesitar este disco son las cínicas, Doris Day es tal bocanada de aire fresco... ¡no hay nada de malo en la belleza!", comenta Nellie McKay.

Sentimos, desde hace tiempo, una gran debilidad por Nellie McKay. A pesar de lo que pueda parecer en estos vídeos que proponemos, es más jazz que pop. No, no hemos pasado a ser el BOSQUE DEL JAZZ, pero es para nosotros un gran placer presentar, acercar a la gente que no la conozca, a esta gran artista y a esta gran persona.

P.S.: Nellie, EL BOSQUE loves you.

http://nelliemckay.com/
http://www.myspace.com/nelliemckay

The Bird and the Bee Ray Guns Are Not Just the Future

2010-03-17T18:47:00.009+01:00

Como reseñábamos en su día, ya nos llamó bastante la atención el primer disco de The Bird and the Bee (2007), nuestros invitados de hoy aquí en EL BOSQUE.

Sin embargo, este nuevo disco está mucho más refinado y es definitivamente un paso adelante. Se nota como han crecido las composiciones y la voz de Inara George sigue siendo ensoñadora. Lleva por nombre Ray Guns Are Not Just the Future y vió la luz el pasado año 2009.

Segundo disco, pues, del dúo The Bird And The Bee, formado por la Inara George y Greg Kurstin. Al igual que en su debut, su repertorio muestra influencias varios tipos: pop 60’s, psicodelia, pop barroco, sunshine pop, etc. Y, aunque no del todo (ni lo deseamos) deja un poco ese aire juguetón o naif, porque sus composiciones se tornan más adultas, más serias, más consistentes.

La voz sedosa, cautivadora; el cuidado en los arreglos y el preciosismo melódico con tonos luminosos son características del disco. Encontramos auténticas delicias pop que nos extasían, alternadas por otros temas no de tan alto nivel, pero en ningún caso de relleno o aburridos.

El disco en general es de un animado pop sofisticado, con muchos toques electrónicos, que cruza el cabaret con trazos robóticos o con el lounge -esa variación del jazz que presenta ritmos sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada- o con armonías vocales o con pasajes más basados en sinuosos ritmos.

Hay muchos afectos altamente refinados y delicados en su propuesta pop. Hay también mucha magia y mucha ciencia-ficción en el ambiente. Pero es menester buscar los detalles, la belleza de su instrumentación, la atmósfera creada, la voz, sin dejar que la electrónica invada nuestro espacio vital para degustar las melodías.

Por cierto, el sonido del disco es fabuloso y hará las delicias de nuestro equipo de música.

Puede que 14 canciones sean muchas y quizá la cosa hubiera estado mejor con unas 11 ó 12, pero la verdad es que precisamente en el tramo final del disco hay grandes canciones que te dejan un regusto fabuloso y que hace crecer aún más el cómputo global del disco.

La reacción inmediata es querer volver a escucharlo una vez más… disfrútalo.

http://www.myspace.com/thebirdandthebee
http://www.thebirdandthebee.com/

Robert Forster – The Evangelist

2010-03-08T11:18:00.008+01:00

Seguimos nuestra singladura aquí en EL BOSQUE, compartiendo descubrimientos y joyas del pop actual. Es esta una tarea que, como solemos decir, nos gusta hacerla despacito, con tranquilidad, con mucho mimo y con mucho amor, tomándonos el tiempo que se necesita para degustar cada una de ellas. Nada de atropelladas avalanchas de novedades que nuestros sentidos apenas tienen tiempo de digerir… al fin y al cabo, la música es para disfrutarla.

El disco que hoy os presentamos ve la luz en 2008 y tiene un sabor y una historia especial. Nunca se hubiera publicado como es si el destino hubiera decidido mirar para otro lado. Pero no lo hizo… y sus designios se llevaron acabo.

Robert Forster es, junto a Grant McLennan, el núcleo creativo de uno de los mejores grupo pop de los 80, The Go-Betweens. En 2006, cuando ambos músicos preparaban un nuevo disco para lo que sería la segunda etapa del grupo, Grant McLennan falleció, de repente, en su casa, a los 47 años. Deja ese vacío inexorable que cuesta comprender, que cuesta asimilar aunque sepamos que puede ocurrir, esa impotencia que se debate entre la injusticia y la desolación; ese concepto de “no-existe” que vuelve loca a toda mente que intenta acercarse a él.

Robert Forster, que había compartido muchos años y muchas historias con Grant, tuvo que hacerse a la idea de que forzosamente iba a tener que sacar un nuevo disco en solitario, una expresión nunca mejor utilizada. Quedaron algunas canciones compuestas a medias (tres salen en este disco) y al final se pergeñó The Evangelist, el disco que el destino esquivó, y la verdad es que ha quedado un trabajo enorme, una maravilla que todo aficionado al pop debería escuchar.

El disco tiene momentos sublimes combinados con otros de corte más clásica. Y el final del disco es sobrecogedor, con esa melodía que se nos antoja entre fantasmas y que te envuelve en un halo misterioso, a la vez que delicado.

No sólo debemos verlo como un homenaje. Es cierto que es un disco que sabe mirar al pasado y mezclarse con los fantasmas, pero que también suena totalmente actual y sabe mirar al futuro. Yo veo a un Robert Forster en plena forma, con muchas cosas que decir y se me hacen cortas estas diez soberbias canciones llenas de clase, de sobriedad, de marcado carácter y, en de todas ellas, se desprende un sentimiento que nos enamora.

Si, cosas como esta hacen que merezca la pena buscar, descubrir, sentir y permanecer enganchados a este arte llamado pop.

http://www.robertforster.net/

St. Vincent - Actor

2010-02-22T16:10:00.009+01:00

Después de superar un poco la pequeña resaca que nos ha causado el excelente disco de Beach House, anterioremente comentado, queremos compartir hoy con vosotros nuestro último descubrimiento. Se trata de Annie Clark, quien firma sus trabajos como St. Vincent y su último disco llamado Actor (2009).

Se hace algo difícil describir este disco, pero vamos a meternos dentro de los enormes ojos verdes de Annie y vamos a intentarlo. Lo primero que vemos es que es un paseo por varios estilos, entrelazando una serie de historias muy bien construidas y llenas de exquisitos detalles, ora flotando en el ambiente, ora subterráneos y recónditos; historias que conviven todas ellas dentro de un mundo de arreglos orquestales muy elaborados, a veces un poco cambiantes, pero perfectamente logrados.

El repertorio es abundante y tenemos que estar preparados para los varios giros o vueltas de tuerca a los que vamos a asistir en el transcurso de este viaje. Unas veces tocará más nuestra fibra sensible que otras; es normal, pues sobrevuela distintos paisajes. Pero la sensación general al escuchar el disco es que según avanza va a más, se afianza; el vuelo es cada vez menos accidentado, más suave y apenas se notan ya las turbulencias.

Actor es una bomba sonora que tiene una gran riqueza musical, ya que en ella se dan cita grandes músicos y hay una también una gran producción. Transita por ambientes psicodélicos, viejos aires de jazz, muchos arreglos orquestales, momentos llenos de lirismo, pasajes con toques más ruidosos, e incluso funk quebrado o soul a la deriva. Pero la personalidad y la voz de Annie son el pegamento que da sentido y cohesión a la obra. En general, predominan las buenas melodías bien construidas, que viven muy bien acompañadas por un carrusel de detalles.

Annie Clark denota tener tablas y rodaje, ya que ha formado parte de la banda supernumerosa The Polyphonic Spree y ha participado también en las giras del fastuoso Illinois de Sufjan Stevens, interpretando guitarras, bajos y teclados.

Nos ha sorprendido gratamente este disco y os recomendamos que deshojéis su margarita lentamente, que lo escuchéis antentamente, pieza a pieza, grano a grano. De hecho, por más que lo intentamos, no podemos sacarlo de nuestro reproductor para dar paso al siguiente que tenemos pensado presentaros… habrá que seguir disfrutándolo.

http://www.myspace.com/stvincent http://www.ilovestvincent.com/

Beach House - Teen Dream

2010-02-12T12:19:00.014+01:00

Si no nos prodigamos más aquí en EL BOSQUE es básicamente porque no queremos traeros cosas a la ligera, novedades sin más, sin orden ni concierto. No, no nos importa para nada lo popular que sea un artista o la aceptación general que pueda tener. Aquí nos abstraemos de eso, nada nos dirige, salvo nuestra pasión por el buen pop; si éste hemos de buscarlo debajo de las piedras, nos convertimos en culebras; si hay que subir a las altas montañas, somos ardillas que recorren sus laderas de coníferas…

Queremos que este sea un rincón especial para vosotros, un espacio para compartir, donde juntos poder descubrir discos especiales, que nos conmuevan, que nos transmitan sensaciones, que nos hagan soñar…

No hace falta escuchar el disco que hoy presentamos más de dos veces para darnos cuenta de que estamos ante uno de esos discos especiales, ante un grande de este recién estrenado 2010.

Se llaman Beach House y ya pudimos apreciar en su anterior disco Devotion (2008) que el dúo de Baltimore, formado por la francesa Victoria Legrand y Alex Scally, tenían mucho que decir en el panorama del pop actual. Quedamos fascinados y ya nos hicimos eco de ello en su momento aquí en EL BOSQUE.

Y con este nuevo disco llamado Teen Dream, parecen haber rescatado la esencia, la magia creativa del anterior y han ido más; desaparece un poco la niebla, la melancolía y los pasajes claroscuros. Abandonan ese pop más intimista, de dormitorio, de paseos a solas dejando volar nuestra mente. Aún dentro de los mismos decorados y propuestas escénicas, incluso de las mismas atmósferas, su pop se torna más romántico, luminoso, más optimista, y el grupo se revela con un estilo más personal aún, más carismático y realmente conciben una forma muy personal de hacer pop, un gran pop. Excelente trabajo y elaborado con una fórmula magistral.

Hemos estado escuchando mucho este disco antes de traerlo aquí, a nuestro espacio bosquimano, y la verdad es que cada vez nos convence más. Diez canciones enormes, una a una, y diez canciones que forman un conjunto muy bien ensamblado. Se aprecia que hay mucha sinergia y mucha intimidad creativa en un trabajo que ha sido hecho con un alto grado concentración y aislamiento, pues se encerraron durante más de un mes en una iglesia reconvertida en estudio de grabación, poniéndose en las técnicas manos de Chris Coady (TV On The Radio, Yeah Yeah Yeahs) para grabar las sesiones que conforman este excepcional trabajo.

Podríamos decir que están en su mayor momento de inspiración, pero no sería justo, pues aún no conocemos sus límites…

http://www.myspace.com/beachhousemusic http://www.beachhousebaltimore.com/

Noah and the Whale The First Days Of Spring

2010-01-27T16:00:00.014+01:00

El nuevo disco de Noah and the Whale se llama The First Days Of Spring y es uno de los mejores discos que hemos escuchado últimamente. Lo habíamos escuchado ya de pasada, pero hasta ahora no habíamos profundizado en él lo suficiente como para darnos cuenta de lo bueno que es.

Y es que hoy día, es tal la cantidad de información que tenemos a nuestro alcance, que quedamos abrumados, no logramos asimilarla convenientemente, obviamos lo que nos parece obviable y, muchas veces, podemos pasar por alto cosas realmente buenas como la que nos ocupa hoy.

El disco tiene una frescura envidiable. En efecto, como esos primeros días de la primavera que indica su título. Con un instinto folk entre épico y campestre, se presenta nostálgico a la par que elegante.

Yo veo el disco con una formación 4-3-4. Me explico. Si analizamos un poco el contenido del mismo, podemos apreciar que está formado por tres partes: la primera y la última con cuatro canciones cada una y, en el medio, una parte central formada por dos temas instrumentales y otro de tipo coral. La primera parte es excelente y ya sólo por eso merece la pena darse una vuelta por esta magna obra. La tercera parte es muy buena también, pero tardas un poco en recolocarte, quizá sea porque sales un poco despistado de la parte central. Este formato te deja un poco fuera de juego en lo que respecta a la visión de conjunto o conceptual que nos pueda quedar de la obra, pero todo eso se arregla y cobra cohesión con unas cuantas escuchas.

Nos encantan los arreglos orquestales, con coro, piano y cuerdas incluidos, con ese aire retro y pastoril tipo finales de los sesenta o primeros setenta.

Una auténtica maraavilla. Pop melódico hasta decir basta, pero no edulcorado; colorido, sutil, lleno de detalles, luz, niebla, pero finalmente luminoso y donde podemos casi visualizar un arroyo primaveral producto del deshielo, discurriendo tortuoso entre los frondosos bosques...

The First Days of Spring - Trailer

http://www.myspace.com/noahandthewhale

A Camp - Colonia

2010-01-22T13:01:00.024+01:00

A Camp es un proyecto musical liderado por Nina Persson, la cantante de The Cardigans, esa excelente banda de pop sueca que editó sus trabajos entre 1994 y 2005.

A Camp es un rincón creado por y para Nina, donde ésta puede mostrarse más como ella misma, dentro de un espacio más personal. Deja un poco la etiqueta de cantante de The Cardigans, abandona lo que es su familia de siempre y se dedica un poco más a ella misma, como una adolescente que se va de casa y se independiza. Sabe que sus padres ahí están, pero le apetece una aventura en solitario. Se escapó de casa en 2001 –aunque luego volviera- ni más ni menos que con el genial Mark Linkous (Sparklehorse), quien produjo todo el disco e incluso compuso con Nina alguna de las canciones del disco. Completaba el grupo Niklas Frisk de Atomic Swing, gran compositor, que firma casi todas las canciones junto con la propia Nina Persson.

Con este equipo, en 2001, en un descanso de la carrera de The Cardigans, A Camp editó su primer disco. Un gran trabajo, muy maduro y que tuvo en su momento una gran acogida entre la crítica especializada.

No es que la música parezca tan diferente a la que Nina realiza con The Cardigans, pues ya sólo la personalidad de su voz la puede hacer parecida a primera vista, pero se intuye que la que realiza A Camp no está tan sujeta a unos cánones predeterminados. Se nota, y mucho, la mano de Linkous y se nos antoja una música diferente, atrevida, original, con un aire más personal, más carismático y las canciones se nos hacen menos edulcoradas, menos festivas y joviales que las que ha realizado con su banda madre.

Ahora, en el ya pasado 2009, A Camp ha editado un nuevo disco llamado Colonia. Aquí regresa un poco a los estándares de pop-rock más fresco que realizara con The Cardigans, pero de nuevo nos parece más personal y se denota una gran frescura en las composiciones.

Colonia no ha tenido tan buena acogida como el disco de 2001; se le acusa de ser excesivamente comercial; a nosostros no nos lo parece, sólo que es una apuesta menos arriesgada, pero no es radio-fórmula ni mucho menos... es un conjunto de disfrutables y muy buenas composiciones pop, perfectamente arregladas. Preciosas canciones que nos partían en dos, mientras las escuchábamos preparando el abundante material que hemos seleccionado para esta reseña. A nosotros Colonia nos parece un disco fantástico, dentro de su estilo, lleno de vida -sensación que contagia- y la voz de Nina es fabulosa.

Una apología a la melodía y al buen gusto. No siempre se trata de innovar y de redescubrir “la pólvora musical”. A veces, nos basta con un buen puñado buenas canciones: frescas, bien construidas y muy bien interpretadas. Nos ponemos a vivir dentro de ellas y nos perdemos…

(Versión minimalista en KCRW) (¡¡Preciosa!!)

MYSPACE
http://www.myspace.com/acamptheband

Más KCRWhttp://www.kcrw.com/music/programs/mb/mb090619a_camp
Otros documentos: http://www.youtube.com/watch?v=wlPMHFXgBCk
http://www.youtube.com/watch?v=nj_w_QLBXIUhttp://www.youtube.com/watch?v=GM3KDoTiCE8(Us & Them de Pink Floyd, fantástico)

Nueva sección: ... El DisCóBoLo ...

2009-12-22T14:50:00.033+01:00

Inauguramos una nueva sección que hemos dado en llamar El DisCóBoLo.

En ella no tenemos mayor ambición que presentaros un disco, simplemente. Pero eso… ¿no es lo que ya estamos haciendo habitualmente?

En cierto modo si, pero normalmente vamos presentando discos siguiendo el ritmo de la actualidad. Lo que ahora proponemos es desempolvar un disco que para nosotros haya significado algo especial, que nos haya dejado huella, que no podamos olvidar, que nos llevaríamos a una isla desierta… Un disco que queramos compartir, que nos haya parecido totalmente recomendable, sorprendentemente bueno, “imprescindible”, como se puede leer por ahí en los comentarios musicales al uso.

Como regla, no nos vamos a ir mucho más de 10 años hacia atrás; no se trata de sacar aquí viejas glorias –que sin duda las hay y muchas- abarcando el último medio siglo, desde que empezó todo este tinglado de la música popular. Se trata de desempolvar discazos, pero de estos tiempos, de nuestros tiempos.

Además, en esta sección, os invitamos a dejar vuestros comentarios y sugerencias sobre aquellos que son vuestros discos favoritos de la última década.

Y vamos a empezar con un disco del 2001 (aunque reeditado y revisado en 2008) que se llama The Opiates y está firmado por Thomas Feiner, que a veces responde al nombre de AnyWhen e incluso a ambos nombres: Thomas Feiner & Anywhen.

The Opiates es un disco realmente sorprendente, alejado de los hábitos musicales más populares o más al uso. Probablemente no sea lo que estamos acostumbrados a escuchar y por ello no debemos juzgarlo a la ligera; nos tenemos que tomar nuestro tiempo y reservarnos un momento y un espacio tranquilo en el que nos digamos: vamos a saborear este disco, vamos a ver que nos transmite.

Es una música difícilmente definible, aún contando con todo el abanico de etiquetas disponible hoy día (aunque casi nadie distingue bien unas de otras).

Como solemos hacer habitualmente, no entramos en detalles biográficos –podemos encontrarlos fácilmente en la red - pero es curioso ver que no haya trascendido este disco y también que no haya habido discos posteriores de Anywhen desde entonces. ¡Cuántos artistas habrían vivido de las rentas con una obra magna como esta! ¿Un nuevo caso de genio que no puede superar o asimilar su grandeza?

En fin, vamos con la música, que es el tema que nos compete comentar y compartir aquí en EL BOSQUE.

Se diría que la naturaleza de su música es romántica, lírica, algo oscura pero llena de belleza, oscilando entre lo intimo y lo épico, entre lo oscuro y lo claro, entre lo interior y lo exterior y, particularmente, la gravedad emocional de la voz de Thomas Feiner te coge y no te suelta… no puedes zafarte aunque quieras. Te sumerge en paisajes sonoros de alta definición, rebosantes de colores, de matices improbables, impredecibles sin el uso de la fantasía.

El disco comienza con una especie de obertura de cuerdas wagneriana con The Siren Songs que acaba depositando a Thomas Feiner en una tensa especie de balada que pone los pelos “como escarpias” y, a partir de ese momento y sin apenas saber cómo, ya estás atrapado: te preguntas como es posible que algo tan bueno no haya trascendido… Las cuerdas de la Orquesta sinfónica de la radio de Varsovia arropan durante todo el disco la ejecución instrumental y esta colección de canciones, que se suceden plácidamente una tras otra; las melodías juegan a esconderse entre las distintas capas instrumentales, ora se manifiestan con fuerza dramática, ora se tornan suaves y tiernas…

Hay muchos discos que son pura orfebrería pop, obras de arte sonoras, y que merece mucho la pena conocer. Sin duda, este es uno de ellos y aquí, en El DisCóBoLo, vamos a tratar de presentar aquellos que más nos han gustado.

Si te apetece, estás invitado a compartirlos con nosotros...

http://www.thomasfeiner.com/
http://www.myspace.com/thomasfeiner
http://www.myspace.com/anywhenmusic

Leisure Society - The Sleeper

2009-12-20T12:32:00.007+01:00

¿Es este uno de los mejores debuts de este año?

Sin duda, junto al ya reseñando de los ingleses The xx.

¿Es incluso uno de los mejores discos de este 2009?

Es un año que nos ha dejado muy buenos discos tocando además varios palos de este arte llamado pop y creemos que es injusto e innecesario hacer una clasificación. Es difícil medir el sentimiento, las sensaciones, los matices y las reflexiones y, por ello, no vamos a hacer aquí ninguna suerte de listas de los mejores del año o similar; para eso ya hay muchos otros foros y pronto estaremos saturados de ver esas listas.

Pero podemos afirmar que The Sleeper , el disco de debut de Leisure Society, por su forma de entender e interpretar el pop, por su concepción, por sus maneras, por su delicadeza, porque quizá tenga una forma de verlo muy similar a la que subyace en nuestra mente, es un disco de los que más nos han gustado este año.

Se trata de un disco con un estilo tremendamente sólido y formado, ya que bebe y sabe interpretar unas bases muy robustas. Como hemos comentado, habrá seguramente discos mejores en este año 2.009, pero pocos lo clavan como este, pocos nos llegan tanto… porque realizan un pop-folk preciosista, despliegan un concepto musical cuidando mucho los detalles, las melodías, las voces, la instrumentación y va mucho en la línea de la concepción musical pop en busca de la canción perfecta que tanto nos gusta.

En general, el disco está impregnado de una especie de pop de cámara con aires folkies que hace parecer sublime lo aparentemente sencillo. Canciones cuidadas hasta el último detalle, asombrosa delicadeza en la composición y gran hechura clásica. Pop a veces pastoral, plácido, de origen campestre; una delicia para los oídos.

Desde luego, merece mucho la pena escuchar este disco. Hay tomas en las que realmente lo clavan y te preguntas cuanto tiempo hacía que no escuchabas temas tan impecables…y cuanto tiempo tardarás en volver a oírlos.

http://theleisuresociety.co.uk/
http://www.myspace.com/theleisuresociety

The xx - XX

2009-12-12T20:32:00.005+01:00

Estamos seguramente ante el que puede ser el mejor debut del año. Y es esperanzador e ilusionante que una banda joven como esta, que está empezando a dar su primeros pasos, lo haga de esta forma tan valiente, contundente, casi osada. Mucho talento musical, oficio y carisma ensamblados, de tal forma que parece un grupo ya veterano, de esos que ya se permiten casi cualquier cosa y que siempre acaban por gustar a sus admiradores.

El debut homónimo de The xx es un disco muy personal y en el que no podemos reconocer fácilmente el estilo. Es un trabajo espontáneo que, en determinados pasajes del mismo, resulta muy adulto y, en otros, resulta más naif o juguetón.

Nos gusta haberlos descubierto, porque nos hace entrever que tenemos mucho futuro pop por delante y que los nuevos grupos, aunque siempre subyacen las lógicas bases históricas y beben en las pertinentes fuentes, tienen ese punto de frescura y nuevas ideas que ofrecer.

El disco parece haber sido compuesto y grabado con una gran libertad para crear, fantasear, imaginar, para dar forma al sonido. Es un gusto el escuchar a artistas como estos que no hacen la música de moda al dictado de determinados patrones destinada a las mayores ventas posibles, sino que dejan volar su imaginación, permiten que salga su espíritu artístico y su música es un reflejo de sus sueños.

Puede ser cierto que, al principio, nos cueste un poco entrar en los escenarios que plantean. Sus canciones parecen habitaciones en penumbra, casi a oscuras, pero… no del todo. Al principio no vemos mucho, pero a medida que se va acomodando la vista, van apareciendo los volúmenes y las formas de un pequeño mundo fantasmal, ingrávido, fantástico. Los colores, inicialmente claros y difuminados, van absorbiendo la luz y van cobrando paulatinamente intensidad; la niebla que nos recibió se va disipando y finalmente nos envuelve una atmósfera emotiva, emocional y muy intimista. Flotamos y empezamos a sentirnos más cómodos…

El disco no se hace en absoluto aburrido, nos envuelven esos frescos y mágicos sonidos, esos toques de shoegazer, esas evocadoras conversaciones entre las voces femeninas y masculinas. Cuando termina, queremos más...

Es sorprendente como se puede conseguir transmitir tantas sensaciones con esta sencillez. Prestemos atención a estos The xx, sin duda una de las mayores y agradables sorpresas musicales que nos hemos llevado en este año 2009.

http://www.myspace.com/thexx
http://thexx.info/

The Clientele - Bonfires on the Heath

2009-12-09T11:36:00.006+01:00

Al escuchar un nuevo trabajo de un artista que ya conocemos, normalmente esperamos que nos vuelva a sorprender, que haga un disco tan bueno como el anterior, aunque con mayores alardes tecnológicos y más madurez compositiva, pero sin perder un ápice de ese carisma, de ese concepto musical que ese artista nos transmite.

No siempre es así. A veces, el artista realiza un salto evolutivo, se va por otros inesperados derroteros y hace un trabajo donde cambia demasiado de estilo –siempre hablando desde nuestro gusto particular - y rompe con esa magia, ese espacio, ese concepto musical que simbolizaba en nuestra mente. Otras veces, es simplemente que va perdiendo inspiración y trata de volver a hacer lo mismo otra vez; notamos también un menor grado menos de chispa, lo cual lo hace monótono y poco emocional para nuestras expectativas.

No es el caso de The Clientele, que se mantienen fieles a su línea, a su sonido, a su esencia. Cada vez lo hacen mejor, pero no rompen con el concepto musical que tenemos de ellos. ¿Es malo esto? No siempre tiene por qué serlo...

De hecho, no lo esperamos ni deseamos de ellos. Son un oasis de buen pop que apetece escuchar en un momento tranquilo, quizá un domingo por la tarde o en un día de lluvia. Son una de esas bandas de pop elegante y tranquilo que nunca fallan, y este último disco no es una excepción. Y llevan así ya bastante tiempo, firmando como un reloj un excelente disco cada dos años: The Violent Hour (2003), Strange Geometry (2005) y God Save The Clientele (2007) y ahora este magnífico Bonfires on the Heath.(2009).

Sonido humilde, elegante, sin pretensiones. Maestros del matiz, de la nostalgia, dueños de la gota de lluvia que se escurre lentamente por el cristal empañado de la ventana de tu habitación. Transmiten sensaciones tranquilas, que no grises, escenas que se iluminan constantemente con el resplandor de unos arreglos perfectos, de una voz pausada pero melódica y de unas guitarras que lloran.

The Clientele son un auténtico seguro de vida; representan la calidad, la confianza y la fidelidad dentro de nuestro panorama pop, cualidades estas que deben ser valoradas en su justa medida.

Os dejamos con unos vídeos representativos de su propuesta musical. Son para degustar y escuchar tranquilamente, sin prisas ni juicios preconcebidos, fijándose en lo bien construidas que están sus canciones, con esos maravillosos toques de psicodelia, perspectiva estético-musical y puro pop.

http://www.theclientele.co.uk/
http://www.myspace.com/theclienteleofficial

El Perro del Mar - Love Is Not Pop

2009-11-25T15:37:00.021+01:00

El Perro del Mar, nuestro invitado de hoy, es el castellano nombre con el que firma sus discos la sueca Sarah Assbring. Hace tiempo que teníamos ganas de hablaros de este fascinante proyecto musical. Os contamos su historia...

Dicen que encontró su inspiración en las islas Canarias, donde estaba descansando unos días. Sarah se encontraba meditando, tumbada en la playa, escuchando el musical sonido de las olas, esperando quizá que las ideas afloraran en su mente, cuando apareció un perro que paseaba solitario junto a la orilla del mar y que se le acercaba. Reparó que sus huellas eran borradas por el mar, como si quisiera ocultar su procedencia.

Tuvo la sensación de que el perro había aparecido de súbito, pues no había reparado en que figura alguna estuviera acercándose. Se sintió atraída, se acercó a él y le acarició, parecía perdido y su mirada era triste; dicen que el perro le susurró un mágico secreto al oído y una extraña sensación invadió su espíritu. Continuó mirando al mar hasta que anocheció.

Se levantó y se fue al viejo estudio que había alquilado y que había abandonado hacía unas horas, aburrida, sin ideas, sin apenas fuerzas, para dar un paseo por aquellas paradisíacas playas en busca de alguna inspiración.

Cogió su guitarra y se puso a componer, las ideas ahora fluían y así empezó a surgir un trabajo maravilloso, cual fue aquel disco homónimo de debut del Perro del Mar (2006).

Dicen que cada tarde se paseaba por la playa y allí se aparecía de nuevo ese perro. A ella le gustaba pasear junto a él, libremente, uno al lado del otro. Su compañía le hacía sentir bien. En ocasiones, ella se paraba, le acariciaba, se acercaba a su cabeza y parecía como si el perro algo le susurrara...

Dicen que, desde entonces, aún puede verse al atardecer a un perro solitario en esa playa, andando, jugando, correteando por la arena… Pero, a medida que tratas de acercarte a él, su figura se desvanece.

En 2008 editó su segundo trabajo From The Valley To The Stars y este trabajo nos decepcionó un poco. Las canciones estaban bien construidas y en la línea de las anteriores, pero no era lo mismo: les faltaba la magia de aquellas...

En el capítulo de sensaciones subjetivas que nos transmite la música de El Perro del Mar podemos hablar de elicadez. sensibilidad, frescura evocadora, espontaneidad y de esa pequeña sensación de insatisfacción finalmente colmada, esa ingenua morbidez, esa ternura incauta.

Y ahora, Sarah Assbring, parece haber reencontrado a su perro. Dicen que ha vuelto al lugar de aquel encuentro, a aquella playa. Y cuentan que, una tarde, cuando ya se ponía el sol, comenzó a ver en lontananza su difuminada figura que, mientras se aproximaba a ella, se iba lentamente formando.

Era el perro... Si, si, lo era, y estaba allí junto a ella. Sarah alargó la mano para tocarle y pudo notar la humedad del mar en su tupido pelaje. Lo abrazó, lo estrechó contra sí y, de nuevo, una fuerte sensación invadió su mente; cerró los ojos, una lágrima escapó con violencia para después derramarse lentamente por su mejilla, muy despacio, como jugando a hacer un dibujo…

Cuando abrió los ojos, el perro ya no estaba… Se enjugó los ojos, los cerró de nuevo y los volvió a abrir: no había nada. Miró por todas partes, pero en aquella solitaria playa sólo estaban ella, las dunas que se entrelazaban en la arena y el mar, colmado de espumosas crestas que se deshacían inexorablemente contra la orilla: una tras otra, otra tras una, sin aparente inicio ni fin…

Un poco asustada, pero interiormente llena de vida, empezó a caminar cada vez más rápido, hundiendo sus pies en la arena, pero sus pasos parecían pesar más que nunca. Su cuerpo pesaba, pero su mente volaba.

Era noche cerrada ya cuando estaba de regreso en su estudio. De nuevo aquel viejo estudio donde se pergeñó su primer disco. Su mente estaba llena, su corazón radiante, su espíritu parecía querer salir de su envoltura… poco a poco fueron emanando las notas de Love Is Not Pop (2009), un mini-disco de tan sólo 7 canciones que es, hasta la fecha, su último trabajo.

El Perro del Mar ha vuelto y se ha reencarnado de nuevo para todos nosotros. Disfrutadlo.

http://www.elperrodelmar.com/http://www.myspace.com/elperrodelmar

At Swim Two Birds - Before You Left

2009-11-18T17:19:00.007+01:00

Os descubrimos a otro de los grandes discos de este año. Se llama Before You Left y está firmado con el nombre de At Swim Two Birds, como el título de la primera novela de Brian 0’Nolan (1939), dato que por supuesto desconocíamos totalmente, no vayamos a hacernos aquí los eruditos… Pero para eso tenemos las poderosas armas que la red nos ofrece y que, sin ellas, ya nada sería igual; de tal guisa, que ya casi no recordamos cómo nos podíamos apañar cuando –no hace demasiado tiempo- no disponíamos de ellas…

Dejemos las filosofías y modos de la vida actual y vayamos con nuestro invitado de hoy. At Swin Two Birds es el nombre con el que firma sus proyectos en solitario Roger Quigley, cantante del excelente dúo de Manchester The Montgolfier Brothers, el que forma con Mark Tranmer. Algún día os los presentaremos por aquí porque tienen verdaderas joyas musicales que todo aficionado al buen pop debería conocer.

No vamos a extendernos aquí con aburridos datos biográficos sobre Roger Quigley, nuestro personaje de hoy. Tenemos a nuestra disposición la red –de nuevo la red- si queremos indagarlos. Pero os podemos recomendar tanto los tres discos que The Montgolfier Brothers llevan editados, como los dos anteriores trabajos de At Swim Two Birds, a saber: Quigley’s Point (2003) y Returning to the Scene of the Crime... (2007). Y ahora, vamos con lo que más nos toca dentro y con lo que nos despierta sensaciones: su música.

Before You Left (2009), como todos los trabajos anteriormente mencionados, es un disco para escucharlo despacio y con tranquilidad. Nada de atropellados viajes con ruido en el metro o por la calle, nada de carreras apresuradas marcadas por las prisas que se exigen en los apretados guiones que escribe la sociedad actual; no, al menos, hasta que lo hayamos interiorizado.

At Swim Two Birds impresiona por la tranquilidad de su música, que en general es de tempo lento, pero que nos arrastra inexorablemente al abismo sentimental que emana de ella. Before You Left no aburre, como pudiera parecer en un principio, si nos logramos meter dentro del mismo. Va creciendo con las repetidas escuchas, a medida que vamos asimilando la riqueza de sus detalles y la de sus textos.

La música, el sonido y el ambiente que consiguen es tremendamente personal. Pura poesía escondida bajo el otoñal paraguas que nos protege del viento y de la lluvia, meteoros que incluso se dejan escuchar literalmente en el disco, como interludio o transición entre algunas canciones. Nos relaja y nos encanta… quizá también influidos por nuestra avidez de otoño, que en nuestros tiempos parece haber desaparecido.

Las composiciones están muy trabajadas y muy bien instrumentadas, con sabor a vinilo, creando unas perfectas atmósferas que acuden en el preciso instante para envolver a esas guitarras ondulantes, entrelazadas y, por encima de todo ello, surge una susurrante, desnuda y preciosa voz masculina que nos arropa y nos narra un cuento en la noche.

No perdamos la ocasión de sosegar, de tranquilizar por un momento nuestra agitada vida cotidiana; desconectar unos minutos, relajarnos, dejarnos llevar y degustar la suave miel que nos ofrece esta música.

http://www.myspace.com/atswimtwobirds
http://www.montgolfiers.co.uk/

Piano Magic - Ovations

2009-11-06T12:48:00.014+01:00

Doce años llevan Piano Magic evolucionando bajo la hegemonía de Glen Johnson, con diferentes formaciones, estilos y propuestas, pero siempre marcados por el signo de la solidez y de la calidad.

Se trata de una apuesta musical que siempre está ahí, que permanece y que muy frecuentemente está obsequiándonos con nuevos trabajos. No se trata de ese tipo de bandas que hace un buen álbum, desaparece y después resulta que la crítica trata de mítico su trabajo, musa, fuente y origen de un montón de influencias posteriores. Tampoco es ese otro tipo de banda que hace un par de discos notables seguidos de un montón de discos más mediocres, pero que igualmente triunfan, un poco por la inercia de sus primeros trabajos, un poco viviendo de las rentas anteriores. Ni tampoco es, en fin, una banda de las que aparecen al calor de fugaces y repentinas modas, de agresivos booms agitados por el mejor marketing, que parecieran comerse el mundo, ser los nuevos Beatles o similares y que, sin que nadie sepa bien la razón, desaparecen tan rápido como vinieron y ya nadie se acuerda de ellos.

Piano Magic siempre está ahí y siempre tiene un buen disco que ofrecernos. Puede estar más o menos inspirado, o puede estar más o menos acorde con nuestra concepción musical –que ellos mismos a menudo también varían- pero ellos siempre están ahí con un trabajo de calidad.

Piano Magic, como algunos otros grupos coetáneos, hubiera sido uno de los otrora denominados “super-grupos” si hubiera actuado en los 70-80. pero como quiera que empezaron a despuntar cuando ya morían los 90 y el mismo siglo, se conformó con convertirse en uno de los fenómenos más destacados del llamado post-rock de finales de los noventa, cuando nos dejó literalmente paralizados con aquel Low Birth Weight (1999), que ya era su tercer disco.

Desde entonces han transitado un gran abanico de estilos, pero si hemos de definir su música, se puede hablar de una propuesta bastante ecléctica, mística y etérea, a veces algo fantasmagórica, con tonalidades claro-oscuras, mutando constantemente desde los sonidos electrónicos a los eléctricos, pasando por momentos etéreos y melancólicos del dream-pop, de las bellas melodías, a los sonidos oscuros del dark-wave, gótico y barroco. En fin, tan sólo son etiquetas, definiciones, que estamos obligados a dar para que podamos hacernos una idea de su amplio universo.

Pero, siempre, lo mejor es sumergirse en alguno de sus discos y dejarse llevar, perderse en su atmósfera, unas veces más densa que otras.Y para ello, nuestro consejo es empezar por cualquiera de sus dos anteriores trabajos Disaffected (2005) o Part-Monster (2007), aunque igualmente podemos ir directamente a su nuevo disco Ovations (2009), donde vuelven un poco a esos ambientes más siniestros, y donde además colaboran Peter Ulrich y Brendan Perry, de Dead Can Dance.

Escucha como comienza cualquiera de los tres discos que hemos mencionado. Te puedo asegurar que los pasajes instrumentales son totalmente vivos, emocionantes y perfectos en instrumentación. El sonido es implecable: en un buen equipo de música, te quedas sin habla cuando súbitamente acaba la canción... y tardas luego un tiempo en reaccionar y en volver de nuevo a la cotidiana vida de la que partiste cuando le diste al play. Cuando logras recuperarte, una bella melodía muy arreglada te envuelve, se mete dentro de tí; después, te abraza con esos brazos que surgen de la nada, y te lleva a realizar un viaje a través de paisajes improbables.

Piano Magic está formado por dos palabras: piano y magic. El piano puede representar la música en estado puro y, realmente, su música, puede ser la simbiótica banda sonora de la magia…

http://www.piano-magic.co.uk/
http://www.myspace.com/lowbirthweight

Taken By Trees - East Of Eden

2009-11-02T13:26:00.016+01:00

Hoy os proponemos hacer un viaje al Este del Edén. Preparad vuestra imaginación, limpiad vuestra mente de prejuicios, aparcad por un momento las noticias de la prensa y de los telediarios, subios a vuestra alfombra mágica virtual y preparaos para viajar al “país de las mil y una noches”. Hemos de admitir que este es uno de los discos que mayor sorpresa nos ha causado en los últimos meses, quizá por que no lo esperábamos de esta guisa; por su valentía, su esencia y su originalidad nos parece uno de los mejores de este año.

Hay que decir, no obstante, que siempre tenemos grandes expectativas por lo que pueda hacer alguien con la personalidad y el carisma de la sueca Victoria Bergsman, a la que seguimos desde su etapa en The Concretes. Que bello aquel Warm Night, uno de los himnos de EL BOSQUE de siempre.

Cuando llevaba grabados dos discos con The Concretes, en su mejor etapa, Victoria se cansó -prácticamente abandonó al grupo en plena gira- y creó un nuevo proyecto llamado Taken By Trees. En la transición, participó en una canción que dio la vuelta al mundo: Young Folks, con Peter, Bjorn And John, quienes además produjeron y participaron en la construcción de ese primer disco Open Field (2007) de Taken By Trees.

La escocesa Tracyanne Campbell (Camera Osbscura) –otra de nuestras favoritas aquí- siempre tuvo muy buena relación con Victoria Bergsman y, dado que incluso sus timbres de voz se parecen mucho, en alguna gira Tracyanne ha sustituido a Victoria en la interpretación de ese archi-conocido tema Young Folks al que antes hacíamos referencia. E incluso una de las mejores canciones de ese primer trabajo de Taken By Trees (Lost And Found) era un regalo suyo.

Y ahora seguimos con nuestro viaje a Este del Edén, pues así se llama el segundo trabajo de Victoria Bergsman con su proyecto Taken By Trees, grabado en Pakistán, con aventuras de por medio y hasta con mini-documental del National Geographic...

El disco está impregnado de una atmósfera barnizada por finísimos tintes orientales, lo que se nota en general en toda la muy buena instrumentación de este trabajo, pero ahí está la melosa y delicada voz de Victoria, que se hace con el nuevo contexto y resulta totalmente creíble. Grandes ideas, imaginación, detalles, excelente sonido y muy buena música.

El disco suena de maravilla, se percibe que en su concepción han participado excelentes músicos locales que le dan una connotación especial. Cuenta, además, con la contribución de Noah Lennox, uno de los mejores músicos de vanguardia que existen en la actualidad. Forma parta de la exitosa banda Animal Collective y, en solitario, lidera un gran proyecto denominado Panda Bear. Esa contribución se llama “Anna” y es una canción increíble, distinta, hipnotizante. Tiene este artista un peculiar don para hacer canciones que son tremendas y las dota de una ornamentación que las hace parecer frescas, nuevas, a pesar de usar bases de pop clásico. Otro ejemplo podría ser ese "Walkabout" que aparece en el último disco de los Atlas Sound, otro de los discos del año.

Victoria, también hace una excelente versión de tema My Girls (aquí lo llama My Boys) de Aninal Collective y la hace más pop, más directa, más ligera, pero aún excelente.

En este pequeño, aunque denso trabajo, hay muchas ideas, mucha creatividad, mucha música, toques étnicos, pop-folk del bueno y una excelente grabación. Un disco disfrutable y muy recomendable:: lástima que sólo tenga 9 canciones, pues nos quedamos un poco con la miel en los labios…

http://www.myspace.com/takenbytreesmusic
http://www.takenbytrees.com/

Grand ArchivesKeep in Mind Frankenstein

2009-10-28T22:42:00.008+01:00

Keep In Mind Frankenstein es el segundo disco grande de Grand Archives, los cuales ya son unos viejos conocidos de este espacio, a pesar de su todavía corta carrera musical. Son el proyecto musical de Mat Brooke, miembro además de Carissa ‘s Wierd y que abandonara Band Of Horses, aquella banda que tan buena crítica generalizada obtuvo por su disco de debut.

El contenido del álbum es muy similar al ofrecido en su primer disco homónimo de 2008 del que ya nos hacíamos eco en su día aquí en EL BOSQUE.

Como aquél, es un disco muy bueno para aquellos amantes del pop con armonías vocales y con toques folk. Una colección de gratas melodías de base acústica y tono agridulce, con tiempos más bien tranquilos. Piezas pop bien construidas, delicadas, algún toque psicodélico, con cierto sonido otoñal y melancólico en la entrada de un otoño que sigue sin querer llegar.

El disco empieza magistralmente, pero necesitaría algo más de nervio, de empuje, de pegada…quizá algo más de alternancia rítmica, sobre todo en su segunda mitad.

Pero definitivamente, un gran álbum, de placentera escucha, muy bien construido y uno de los discos mágicos de este 2009, que ya lleva unos cuantos…

http://www.grandarchives.com/
http://www.myspace.com/grandarchives

Richard Hawley - Truelove’s Gutter

2009-10-23T10:47:00.010+02:00

Hace poco más de un año os presentábamos a uno de nuestros personajes favoritos aquí en EL BOSQUE: Richard Hawley.

Ya lo decíamos entonces: si le conoces, es muy probable que, entre tus canciones favoritas de siempre, incluyas unas cuantas de este artista que compone a las mil maravillas y cuyo trabajo es pura orfebrería pop.

Su música es sentimental, cálida, romántica, profunda, llena de detalles; escuchar a Richard Hawley siempre es una experiencia absolutamente emocionante y que te hace sentir vivo, porque te toca directamente en el corazón. No te cansa, no se desgasta, por más que la escuchemos una y otra vez. Los arreglos, la cuidadísima instrumentación, la relajante voz… son un paraíso, un bálsamo, un remanso de paz para nuestro espíritu.

Si estás triste, puede ayudarte a ver que las cosas no siempre son tan negativas como te parecen, que la vida no tiene por qué ser siempre como ahora, que todo ha sido un pasajero bache, una mala racha: las cosas van a mejorar a buen seguro en los próximos días.

Si estás en un buen momento, nada mejor que esta música: te seducirá, te llegará muy dentro y te hará sentir que estás haciendo lo mejor que puedes hacer o, por lo menos, lo estás intentando. Su música puede hacerte ver la vida de otro color o desde otra perspectiva.

Richard Hawley acaba de estrenar un nuevo disco que lleva por nombre Truelove’s Gutter. No es un disco tan ligero, asequible y comercial como sus anteriores trabajos: tiene sólo ocho temas y hay dos que duran alrededor de los diez minutos y pueden otorgar densidad a este trabajo. Pero también tenemos joyas que están más en la línea habitual como Open Up The Door (que gran final) o For Your Lover, Give Some Time que, además, podrían estar entre las mejores canciones que ha compuesto en su ya larga trayectoria. Es curioso además comprobar como esas canciones nuevas más largas tampoco llegar a cansar; podemos pasar mucho tiempo absortos buceando en la magia de las melodías y los detalles y matices que ofrecen.

Y es que yo creo que la calidad compositiva e interpretativa aún sube más en este disco y demuestra que es un gran compositor con una gran personalidad interpretativa. La instrumentación es perfecta y es que la virtuosidad no sólo son punteos rápidos recorriendo escalas megapentatónicas o virguerías por el estilo, también cuenta –y mucho- lo que se es capaz de transmitir con los instrumentos y ese momento justo y preciso en que es colocado cada uno.

La música de Richard Hawley siempre es especial. A mí siempre me crea gran expectación un nuevo disco suyo, me pregunto: ¿con qué me va romper el corazón ahora?... Crea un clima en el que hace fácil, obvio y evidente lo que no es tan sencillo como parece. Si queremos evadirnos, nos transporta un paisajes lejanos; si preferimos quedarnos con las cosas cotidianas, nos edulcora la vida, nos acompaña en todo aquellos retos que afrontemos.

Sigue siendo una música asombrosa, aunque que no sea innovadora… pero no siempre todo tiene que serlo.

Open Up Your Door aún no tinene vídeo oficial, pero es tan maravillosa que tenemos que ponerla (probablemente sea el siguiente sencillo)...

http://www.richardhawley.co.uk
http://www.myspace.com/richardhawley

Venice Is Sinking - AZAR

2009-10-15T23:10:00.010+02:00

Nos ponemos cómodos y nos relajamos ahora con una propuesta musical que se nos antoja más propia de este tiempo otoñal que se resiste denodadamente a llegar, pero que debe estar a punto de llamar a nuestras puertas.

Se trata de una banda llamada Venice Is Sinking y su último disco AZAR. Esta vez nuestros visitantes son norteamericanos, vienen de Athens (Georgia) y han facturado un disco que es una pura delicia.

La música desplegada en este álbum es una suerte de pop sinfónico y orquestal, preciosista, pero sin grandes barroquismos ni sobrecargas. La delicada y cuidada producción es una parte importante, pero yo no diría que es la única protagonista. El contenido también es capaz de transmitir un montón de sensaciones; la creatividad, las ideas, las emociones, las canciones en definitiva, se dejan ver a través de esas atmósferas, irrumpiendo de atinada forma y emergiendo de esos pasajes instrumentales llamados Azar (partes 1 a 4).

La música que escuchamos nos hace visualizar un tiempo de otoño, con algunas nubes algodonosas salpicando el cielo, moviéndose rápidas a merced del viento, formando infantiles y caprichosas figuras. De repente, una de esas nubes tapa temporalmente la luz del sol, aunque de forma muy gradual; se mece una suave brisa, comienza a caer la lluvia: primero despacio, tímidamente; luego, más deprisa. El campo que se empapa ligeramente y se desprende ese olor a tierra mojada… Es el tiempo de los pasajes instrumentales.

Después, el sol se libera lentamente de la prisión de su nube y abre un claro a través del cual hace asomar de forma muy paulatina su tímida pero aún brillante luz; la fina capa de lluvia recién caída comienza a secarse, pero aún se moja la mano al pasarla con fuerza por la fina hierba que empieza ya a cubrir el campo… En ese momento, irrumpe in crescendo una suave pero tenaz melodía que se va apoderando del escenario y, poco a poco, la luz vuelve a reinar y todo se inunda de esa melodía, teclado, bajo, esas armonías vocales, atinados coros y con el aderezo de sutiles toques psicodélicos. Es el tiempo de las canciones.

Ya nadie recuerda que antes hubiera llovido…

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http://www.veniceissinking.net/
http://www.myspace.com/veniceissinking

Fanfarlo – Reservoir

2009-10-14T15:29:00.009+02:00

Estamos ante uno de los mejores discos de este 2009. Buenas canciones, gran vigor y un sonido que parece muy seguro de si mismo. Se hacen llamar Fanfarlo.

El grupo está afincado en Londres, aunque su líder Simon Balthazar es sueco. Han venido publicando singles desde 2006 que han armado mucho revuelo en Internet y, por fin, tienen su disco de debut que lleva por nombre Reservoir.

Un trabajo sólido, consistente, con un sonido directo y sin complejos; con picos que están rozando lo lírico y lo épico. No es lento, ni especialmente romántico al uso –es más bien vigoroso- pero es seductor. Los arreglos de cuerda y viento están muy cuidados; buena instrumentación en general, buenas voces y la verdad es que el disco tiene momentos muy logrados y memorables estribillos.

No se pueden negar las reminiscencias a Aracde Fire aunque, a nuestro entender, Fanfarlo resultan algo más frescos y ligeros de escuchar. Algunos de sus pasajes musicales también tienen mucho parecido con la forma desenfadada de musicar las canciones que tiene una banda llamada Beirut.

En un gran disco, entra rápido, es emocionante a la par que trepidante y puede servir muy bien de banda sonora para acompañar aquellas de nuestras acciones en las que hemos de tomar alguna decisión. Curioso sentimiento éste el que nos produce su música…

Estoy escuchándolo ahora, mientras escribo estas líneas y, en eso, que acabo de leer una frase que nos envía un buen amigo de EL BOSQUE. No sé si por la belleza de la misiva o por la embriaguez lírica de Fanfarlo, creo que el escenario encaja a la perfección:

“cambié mis versos por tus besos una noche, y viví entre tus besos como un verso camuflado..." (1)

Gran simbiosis. Esperamos que lo disfrutes igual que nosotros…

http://www.fanfarlo.com/
http://www.myspace.com/fanfarlo

(1) El Último De La Fila. Pedir tu mano - La revelión de los hombres rana (1995).

Jason LytleYours Truly, The Commuter

2009-10-01T13:20:00.004+02:00

Hace tiempo que queríamos traer a este espacio a una banda tan especial como Grandaddy. Ha sido sin lugar a dudas una de las mejores y fundamentales bandas de finales de los noventa y principios de este siglo. De hecho, y aunque tienen otros discos igualmente notables, su disco The Sophtware Slump (2000) está considerado unánimemente por casi toda la crítica especializada como una de las obras maestras del pop de la última década.

Grandaddy se disolvía tras entregar su último disco allá por 2006. Aquel Just Like the Fambly Cat, si bien no fue un mal disco en absoluto, nos dejó a todos un poco fríos. Quizá por la rabia contenida de saber que algo tan especial tocaba a su fin, o quizá porque esperábamos más en el epílogo de un gran grupo como Grandaddy.

Jason Lytle, ex-lider de la banda, acaba de estrenar nuevo trabajo en solitario y ha venido con él a redimir nuestras atormentadas almas por la falta de su talento, el cual hemos recuperado con creces, a lo que se puede escuchar en este gran trabajo llamado Yours Truly, The Commuter (2009).

El “espíritu Grandaddy” no ha muerto y Jason Lytle acaba de entregar un trabajo grandioso, que va en la misma línea de los mejores Grandaddy, totalmente inspirado, continuista y fiel a su estilo.

Volvemos a escuchar su particular voz quebradiza, frágil, algo escondida tras la catarsis sonora que la que se hace arropar. Nos transmite melancolía a la par que luminosidad, en un paradójico duelo de sentimientos. Pero también nos hace sentir que esa clase de música pop bien construida, cuidando mucho los arreglos, tirando en ocasiones a lo sinfónico y con un sonido en apariencia analógico, se puede seguir haciendo siempre y nunca va a dejar de hacerse.

Jason Lytle sigue haciendo algo parecido a un pop-rock suave, escondido en un universo algo espacial. Electrónica inocente flota sobre las atmósferas acústicas, a menudo acompañadas de mágicos coros. Me recuerdan a una Electric Light Orchestra actualizada, con toques que nos pueden llevar a la sutileza sinfónica de Mercury Rev, aunque a veces aparecen pasajes más enérgicos, más cercanos a la parte rock de la genérica, ambigua y un tanto insulsa palabra “pop-rock”.

El disco no aburre para nada y tiene un variado repertorio: pop, rock, country, baladas, folk son los diversos caminos que va siguiendo. Pero todas las canciones son muy buenas; están arropadas bajo un manto cohesivo y unificador que les otorga carisma, solidez y mucha personalidad. Totalmente reconocible a varios años luz de distancia. La producción es meticulosa y el sonido es excelente. Todas estas cualidades siempre han sido marca de la casa, del estilo inconfundible de Jason Lytle.

En fin, nos visita hoy en EL BOSQUE uno de los mayores talentos musicales en su estilo que conocemos. Su obra musical es muy buena, muy bien construida y encima es fácil de digerir. Jason Lytle y su obra deberían estar en boca y conocimiento de muchos pero, por las razones que sean, no es así.

Aquí está nuestra modesta y pequeña contribución a que eso cambie y te ofrecemos la oportunidad de que disfrutes de este universo particular que sólo Jason Lytle sabe crear y que, cuando habíamos llorado su desaparición, regresa de nuevo con todos nosotros.

http://www.jasonlytle.com/
http://www.myspace.com/jasonlytle

Butcher Boy - React or Die

2009-07-30T14:07:00.003+02:00

Es realmente emocionante y gratificante toparse de repente con un sonido pop tan directo y que es capaz de dar tanto en la diana como el que practican estos chicos que se hacen llamar Butcher Boy. Su música es de un tremendo vitalismo, colorido y está interpretada con una gran definición. Hacen unas canciones muy generosas, que se nos antojan muy definidas y totalmente faltas de complejos.

No comprendemos como joyas como este React or Die (2009) o su anterior trabajo Profit in Your Poetry (2007) no están al alcance de todos y difundidas por todos los medios. Menos mal que, aquí en EL BOSQUE, los hemos descubierto mirando debajo de las piedras y aquí estamos para divulgarlos a bombo y platillo.

Detrás de este grupo está John Hunt, el responsable de uno de los clubs indies más famosos de Glasgow, el National Pop League. Butcher Boy comenzó en 1998 cuando John enviaba poemas al periódico local bajo esa firma: “el niño carnicero”. Posteriormente, comenzó a tocar y componer canciones, hasta que formó la banda en 2005.

Me tengo que remontar bastante tiempo atrás para recordar un disco que entre tan a la primera. Sólo con escuchar las dos primeras canciones When I'm Asleep y Carve a Pattern entras en una especie de “climax pop”, que nos viene a explicar un poco el por qué nos gusta esto y le dedicamos tantas horas.

Es cierto que no se le pueden pedir innovaciones creativas, pero esto no es siempre necesario. Tienen una base tipo folk/pop muy bien construida y que nos puede sonar a algo ya escuchado en determinados pasajes, pero es indudable que saben hacer muy buenas canciones que logran enganchar, atrapar y emocionar. Toda una joya, con ciertos momentos más álgidos que otros, pero que no tiene ni un solo segundo de desperdicio.

http://www.myspace.com/butcherboymusic

My Latest Novel - Deaths And Entrances

2009-07-24T14:36:00.007+02:00

Nos gusta ofrecer y compartir buena música con todos vosotros y, cuando traemos algo por aquí, podéis estar seguros que se trata de una decisión muy meditada, que lo hemos escuchado muchas veces y que, a nuestro juicio, merece mucho la pena. No traemos cualquier cosa “a la ligera” ni nada que no haya sido convenientemente digerido y, por ello, a veces nos podemos demorar un poco en nuestras selecciones, las cuales a veces toman su tiempo.

Esperábamos ya con vehemencia este segundo trabajo de los escoceses My Latest Novel, después de aquel buen sabor de boca que nos dejaron con aquel excelente y sorpresivo -por lo creativo- debut llamado Wolves (2006). Siempre es difícil superar ese listón del segundo disco y más aún con el sólido y buen trabajo que hicieron entonces. Pero podemos decir que no nos han decepcionado, continuando en una línea muy similar, algo más evolucionada, pero igualmente evocadora e impresionante en este nuevo trabajo que han dado en llamar Deaths and Entrances (2009), el cual está entre los mejores discos que hayamos podido escuchar en lo que va de año.

No es una música para escuchar a la ligera, a modo de divertimento, pero no quiere decir ello que sea complicada o sofisticada. Simplemente es que tiene un montón de matices y que, cuando escuchamos atentamente los pasajes que componen cada pieza, se translucen muchas cualidades: intensidad, riesgo, creatividad y torrente sónico. Nada de canciones pop políticamente perfectas, con estructuras al uso o tirando de manual, sino temas con momentos ora intoxicados de dolor y rabia, ora destilando belleza y dulzura flotando en las cuerdas florales de sus instrumentos. Realmente hay partes en que llegas a pensar que realmente lo clavan. Sólo hay que escuchar temas como Sister Sneaker Sister Soul o The Hope Edition en el disco anterior o Lacklustre de este nuevo disco, para saber a que nos referimos.

La música de My Latest Novel tiene una marcada personalidad y no parece seguir manual ni guía de estilos alguna. Es de esos grupos que suenan a sí mismos y que pueden crear escuela. En sus canciones imperan los juegos de voces altamente trabajados para que casen de forma casi perfecta con sus brillantes arreglos de guitarra y las sutiles entradas de los violines en perfecta simbiosis con las melodías.

Las canciones forman un coherente y consistente collage, a veces un tanto bizarro, pero siempre con una música homogénea, construida con mucho talento y una auténtica apología a la melodía que, a veces, se inmiscuye en una ligera niebla que no oscurece ni emborrona el panorama que se divisa, porque hay chispa y hay innumerables bocanadas de aire fresco, de sol radiante y aparecen arco-iris por doquier.

Es una maravilla encontrar discos así, bien trabajados, hechos con ideas, con estilo y con ganas. My Latest Novel ofrecen una propuesta de pop que nos hacen seguir creyendo en esto.

http://www.mylatestnovel.com/
http://www.myspace.com/mylatestnovel

Cats On FireOur Temperance Movement

2009-07-16T12:31:00.019+02:00

En estos días hemos estado escudriñando entre las novedades más interesantes aparecidas este año, tratando de seleccionar lo mejor del pop actual para todos vosotros, de forma acorde con nuestro lema. Y, si nos queréis acompañar, os vamos a ir presentando aquí discos realmente majos en los próximos días.

Empezamos con el descubrimiento de una banda de POP directo y con mayúsculas: se llaman Cats On Fire y vienen al BOSQUE desde las nórdicas y lejanas tierras de Finlandia, lo que para nada hace fría su música.

Aunque en 2007 ya editaron un primer disco llamado The Province Complains (muy bueno también), nosotros los hemos conocido y nos han sorprendido más que gratamente con este nuevo Our Temperance Movement (2009).

Diez efectivos temas llenos de bonitas melodías flotando en una base de guitarras (incluso mandolina en el primer tema), adornados con la presencia de marcados bajos, teclados, coros pop al uso y la singular voz de su cantante, con un sonido que tiene ciertas e innegables reminiscencias ochenteras, si bien beben de todas las fuentes pop-rock más clásicas.

Magníficas canciones, llenas de inspiración y un variado repertorio que hacen que el disco no aburra en absoluto y que se escuche sin apenas darnos cuenta, teniendo que irremediablemente volverlo a escuchar una y otra vez. Pareciera que fabrican un pop-rock de manual, pero no por ello carente se sentimientos y multitud de sentimientos por transmitir.

En el capítulo de nuestras sensaciones subjetivas, nos transmiten ritmo, viveza, colores cálidos, alegría y ganas de hacer cosas. Son ideales para escucharlos en situaciones en las que estamos haciendo alguna actividad, por ejemplo alguna chapuza en casa, alguna labor rutinaria o entretenida y muy especialmente se nos antojan excelentes para escucharlos cuando estamos en carretera.

Dales una oportunidad. Si te gusta el buen pop de siempre, no te van a dejar indiferente…

http://www.myspace.com/catsonfiremusic
http://www.netikka.net/catsonfire/

Descubriendo a Acid House Kings

2009-06-01T14:51:00.015+02:00

Un buen día

Andaba yo escudriñando, hace ya algunos años, por los music blogs que empezaban a proliferar y a ponerse de moda por entonces. Era una forma real y, a la vez, impresionante para conocer una música que, de otra forma, nunca hubiera conocido ya que no se solía presentar en los medios más habituales como tv, radio, prensa, tiendas, etc.

En mi devenir por aquellos mundos, coleccioné una serie de canciones que me parecían interesantes, con el fin de escucharlas, desgranarlas, tranquilamente después todas juntas y con la esperanza de descubrir nuevas cosas. Un buen día, cuando por fin tuve un rato para dedicarles una primera audición, fui escuchando una tras otra, tomando mentales notas sobre este detalle de aquí o este otro de acá. Había cosas muy interesantes, que me invitaban a la búsqueda de nuevas informaciones sobre los artistas, pero…de repente, dos de esas canciones me dejaron sin habla. Las volví a escuchar: se llamaban Sunday Morning y This Herat Is A Stone. Eran pegadizas a rabiar, alegres, directas, sin barroquismos, sin complicados arreglos, sin “nada que entender” para disfrutarlas; eran simplemente fascinantes. Ese tipo de canción pop clásica, aparentemente sencilla, envuelta en una atmósfera de guitarra y piano, marcados bajos, ocasionales arreglos orquestales, coros precisos en un segundo plano, algún xilófono juguetón, percusión inquieta; bases sobre las que planea una delicada, sugerente, fresca y sutil voz femenina.

Comprobé de inmediato que esas dos canciones eran, en efecto, del mismo grupo: unos tal Acid House Kings. Estuve investigando un rato, a ver que información encontraba de ellos por ahí…no me gustaba mucho ese nombre, ni las poses de las portadas de sus discos, ni el diseño o las fotos que hay en su página Web… ¡Malditos prejuicios!, estuve a punto de abandonar y perdérmelos… pero aquellas melodías seguían brillando con luz propia y no se apartaban de mi mente, las escuchaba una y otra vez y no sufrían el consabido desgaste que esto produce. Al contrario, siempre me lograban emocionar y contagiar esa alegría de la melodía perfecta.

De modo que seguí escuchando cosas de estos chicos, escudriñando en su historia y en su música y estoy encantado de haberlo hecho. Empezaba una investigación que, afortunadamente, gracias a Internet podemos hacer hoy, sin esperar a que nadie te los vaya a dar a conocer en ningún medio, donde normalmente exponen como bueno aquellos productos que hay que vender.

A día de hoy aún sigo escuchando esas canciones y, cuando quiero alegrarme la vida o deseo una buena banda sonora ante algún reto que voy a acometer, son mis fieles compañeras. Y no sólo ellas, sino un buen puñado de muchas otras canciones casi perfectas que Acid House Kings despliegan en sus dos últimos discos. Vosotros también podéis escuchar ahora mismo una de estas canciones (Sunday Morning), pues es nuestra invitada en la sección UNA CANCIÓN, situada en la parte superior izquierda de nuestro blog. Sube, dale al play y déjate llevar mientras sigues leyendo.

Y queremos compartir en EL BOSQUE, como es habitual, nuestras mejores experiencias musicales y, entre ellas, no podíamos obviar a Acid House Kings.

¿Quién hay detrás de todo esto?

En primer lugar parece estar el origen: Suecia. Desde luego, el aspecto les delata. Ya son los muchos los artistas geniales que proceden de allí con un pop bonito, alegre, paradójicamente cálido, y con una tremenda inspiración para la melodía.

En segundo lugar, un tal Johan Angergård. (Club 8, The Legends, Poprace)... Dicen por ahí que es uno de los compositores pop clásico más inteligentes desde el punto de vista de las canciones directas y las melodías. Además, me encanta la instrumentación que pone como base, sencilla en apariencia, pero que le da una vida especial. A veces, aunque estés sentado escuchando esta música, descubres con asombro que tu cuerpo está allí, unos pasos más adelante, alegre, despreocupado, moviéndose rítmicamente.

De modo que Johan Angergård es el mismo que está en Club 8, junto a Karolina Komstedt… Ya decía yo, este dúo también me gustaba mucho y tiene varios discos realmente buenos. Sin embargo, es una propuesta algo distinta: más creación de atmósferas, más en busca de lo evocador, más electrónica, algo de niebla, aunque igualmente sutiles e inteligentes melodías. Ver nuestra reseña de su último disco The Boy Who Couldn't Stop Dreaming (2007).

La banda la completan su hermano Niklas Angergård (firma las composiciones junto a Johan), Joakim Ödlund y Julia Lannerheim, que ya colaboró en dos canciones en el disco que AHK editaron en 1997 y se incorporó a la banda en 2001, justo antes de grabar su excelente disco Mondays Are Like Tuesdays And Tuesdays Are like Wednesdays (2002). Un gran acierto y una de sus señas de identidad, dando una gran personalidad al grupo.

En 2005 editan Sing Along With Acid House Kings, con una grabación aún más perfecta y con una pegada igual o superior a su gran anterior disco. A mí me cuesta distinguir cual de los dos es mejor. Son dos verdaderas joyas del pop y dos auténticas apologías a la melodía.

Son canciones perfectamente estructuradas, con una gran base instrumental, donde ellos y ella se alternan en la interpretación de las mismas, dando una gran cohesión de grupo y un gran dinamismo. Las canciones van cayendo una tras otra y, al final, te quedas con apetito. No tienes por más remedio que volverle a dar al play de tu reproductor.

Es una pena que AHK no se prodiguen más, pero más vale así: poco y bueno. Quizá ahí esté también parte del secreto. La buena noticia es que hemos sabido que este 2009 están trabajando en una nueva obra. Así que por ahora seguiremos teniendo alegría, sol y melodía para rato. Ya los vamos necesitando, ya los vamos echando de menos… la vida sigue y queremos nuevas bandas sonoras como estas para que nos ayuden a transitarla….

http://www.acidhousekings.com/
http://www.myspace.com/acidhousekings

Descubriendo a The Czars

2009-05-08T18:24:00.015+02:00

Llegamos con un Descubriendo a… que nos tememos que ya es a título póstumo, pues The Czars se han disuelto y parece que no vayan a volver, si bien nadie puede saber eso, pues tantos otros se han ido y luego han vuelto...

No obstante, queremos rendir el merecido homenaje a una banda que ha hecho muy buena música y a un John Grant, líder de la banda, que ha brillado a nivel compositivo y que está entre las mejores voces masculinas pop que conocemos, tanto por su timbre como por su sutileza a la hora de evocar los versos de sus canciones. Es un artista increíble. Cada tema que interpreta esta cargado de un sentimiento y una convicción emocional que sencillamente te descoloca.

Aunque The Czars ya llevaban algunos años anteriormente, los conocemos desde aquel magnífico Before... But Longer (2000), el cual era un álbum de corte algo intimista, con un pop rodeado de un halo de misterio, cierto ambiente nocturno, desprendiendo mucho carisma y sensibilidad; quizá algo pretencioso, sin centrarse en busca de una homogeneidad, tratando de tocar varios palos y queriendo resultar airoso en todos ellos. Pero, al mismo tiempo, que delicia que existan discos así, atrevidos, que deban ser escuchados con cariño, con atención, despacio, degustando, tratando de entrar en el mundillo que cada pieza propone.

Y esta es la línea general de la música de The Czars, sólo que con el tiempo se va abriendo más y se atreve cada vez con más cosas. Pero el manual para disfrutar de su música sigue siendo el mismo: escuchar, asimilar y desgranar. No utilizar como música de compañía, cual si de un hilo musical se tratara; escuchar, asimilar, digerir y disfrutar; no esperar la canción fácil…

Y en esa línea está el siguiente disco The Ugly People vs the Beautiful People (2001); la tónica es la misma, pero ahora algunas canciones brillan con más luz, te das más cuenta de su belleza en una primera escucha. La producción va mejorando y el flirteo con más instrumentos, registros y estilos es mayor. La banda parece que se asienta sobre más sólidos argumentos y aunque siguen transitando varios estilos, están muy cohesionados por la personalidad instrumental del grupo y, sobre todo, por la maravillosa voz del John Grant, que templa y manda. Sin duda, otro disco excelente y quizá algo más asequible que el anterior, con memorables canciones, con auténticos trallazos pop-rock.

Y tras dos discos tan seguidos, y tan buenos, enmudecen tres años. ¿Qué está pasando? ¿Van a seguir?, nos ponemos a husmear…quizá no sea lo deseable, pero son muchos los grupos que sacan un disco casi cada año y estos no aparecen, ¿qué estarán preparando? La verdad es que teníamos una gran expectación…

En 2004 tenemos la respuesta: nos dan en todas las narices con el grandioso Goodbye, un disco casi perfecto en composición e interpretación, sin complejos ni pasajes oscuros, atrevido, maduro, directo.

Con Goodbye finalmente encuentran su sitio en el espectro musical; es su obra cumbre sin duda y un disco que debería estar en los estantes de cualquier aficionado al pop de todos los tiempos. Siempre les adornó un romanticismo que, a veces, pudo leerse como decadente, pero esta vez han encontrado sus mejores momentos, jugando con los interludios electrónicos, con el folk, country-rock, con el soul, con el academicismo jazz, con los pasajes agridulces, sin aromas turbios, haciendo una música atemporal, impregnada de un clasicismo heredero de la mejor tradición pop-rock de siempre.

Y en 2006, llega la despedida (parece que definitiva)… editan Sorry, I Made You Cry y es cuando ya nuestro corazón no lo puede resistir y estalla. Un conglomerado de versiones, rarities o covers de temas muy bellos, deliciosamente escogidos e interpretados gloriosamente, con el toque personal que sólo la voz de John Grant puede dar. Tiene razón el título de este disco: “Cuidado…puedo hacerte llorar”. Y tanto. Debería tener una pegatina que lo advirtiera fuera, en la carátula del disco. Un disco excelente y evocador, delicado, a la par que sencillo y sin artificio. Un disco que te hace llorar, reír, soñar y que te levanta en esos momentos oscuros que todos tenemos.

En una pena que The Czars nos hayan dejado y que ya no hayan más discos, ahora que habíamos llegado al climax musical gracias a ellos y ahora que se encontraban en su mejor momento. Y es totalmente injusto que un grupo como este, con una música como esta, no se conozca y que ni siquiera se pueda encontrar apenas información sobre ellos en Internet, ni en casi ninguna parte.

Han desaparecido del panorama musical, ni siquiera ya tienen página Web… se han difuminado, ¿es para siempre? ¿dónde están ahora?... es como si un halo de misterio les envolviera…

http://www.myspace.com/theczars

Camera Obscura - My Maudlin Career

2009-04-23T10:40:00.017+02:00

Teníamos en mente hacer un “Descubriendo a…” dedicado a Camera Obscura aquí en EL BOSQUE, cuando nos ha sorprendido la salida de su último trabajo, excusa perfecta para inmiscuirnos de pleno en el mundo de esta banda ya sin más demora. De modo que…vamos allá.

Conocemos a Camera Obscura desde aquel primer y excelente disco llamado Biggest Bluest Hi-Fi (2002), con el que llenó de aire fresco los primeros compases de este siglo. Desde entonces, siempre ha sido una banda muy querida y muy seguida por nosotros y cuyos trabajos hemos esperado con vehemencia. Nuestras expectativas siempre han sido grandes ante sus nuevos discos; la impaciencia flirteaba con la ilusión a la espera de cada nuevo proyecto.

Cuantas veces habremos oído todos sus discos… da igual el estado de ánimo en que nos encontráramos: si estás anodino, cobras fuerza; si estás triste, lloras; si estás alegre, se te dibuja una sonrisa. Y, sin apenas darnos cuenta, muchas veces sorprendemos a nuestros pies que, independizados de nuestro cuerpo, se mueven rítmicamente a su aire, sin que aparentemente se lo hayamos ordenado. La vida merece mucho más la pena si tenemos para ella una banda sonora como esta.

Tras su excelente primer disco, pasaron con muy buena nota la etapa crítica del esperado segundo trabajo, aquel Underachievers Please Try Harder (2003). Recuerdo que pudimos adquirirlo aquel año en el FIB, festival en el que actuaban ese verano, antes de que el disco viera la luz. Esto era en agosto y, a primeros de septiembre, ya estábamos en la cola de la sala Clamores de Madrid para volverles a ver de nuevo. Tal era nuestro amor, cariño y casi devoción por la propuesta musical liderada por Tracyanne Campbell.

Este proyecto llamado Camera Obscura sin duda prometía, se hacía respetar y seguía sin defraudar. Iban ganando terreno poco a poco y, en nuestro país, se les tenía un especial cariño; ellos prodigaban sus actuaciones por estos lares y era fácil encontrar sus discos y EPs, pues pertenecían al sello independiente español Elefant Records.

Dejan pasar tres años y en 2006 Camera Obscura resistía también la prueba de fuego que siempre supone el tercer álbum, experiencia a la que muchos ya no sobreviven. Aquel esperadísimo Let's Get Out of This Country (2006) pasó con sobresaliente y les consagró definitivamente ante la crítica, si es que quedaba algún atisbo o sombra de duda, que por fin se rindió ante el talento de Tracyanne Campbell.

Algún día habría que hacer justicia y alguien tendría que colocar a esta enorme compositora en el lugar que se merece. No sólo canta muy bien, dotada de una voz sensual, dulce y personal, sino que compone a las mil maravillas y ya lo ha demostrado en innumerables ocasiones. Talento, ideas claras, profesionalidad, seriedad y calidad a raudales. Y cada vez lo hace mejor; sin perder la frescura incial sus composiciones van madurando con el tiempo. Sin temor a exagerar, podemos decir que es uno de los mejores talentos musicales pop acaecidos en lo que va de siglo.

Y nos llega ahora este My Maudlin Career (2009) y con él ya van cuatro dianas. Ahora, de la mano del sello independiente inglés 4AD. Tanto da. Demostraron ya hace tiempo que lo suyo no era pasajero, que no se casaban con las modas, que sabían hacer las cosas muy bien y han seguido siempre haciendo la música que les gusta hasta ahora mismo.

Hoy por hoy, existen muy pocos grupos en el mundo a su altura en este estilo, y que sean capaces de grabar discos tan fantásticos como los que nos entregan ellos una y otra vez. Y todo ello, salpicado con un sin fin de EPs con canciones nuevas que han elaborado siempre entre disco y disco a lo largo de su ya extensa carrera.

No, no se trata de sacar un disco al año por narices; es mejor sacar cuatro discos por década si así se mantiene el nivel de calidad, la filosofía y se mantiene fresco el espíritu del proyecto. En My Maudlin Career encontramos otros 11 temas de tinte predominantemente alegre, elegante, atemporal, pero con estilo propio, reconocible, sin perder su característica personalidad. Se combinan estos pasajes con otros más lentos y emocionantes, con impresionantes arreglos de cuerda y, otras veces, tiran más a una especie pop-folk más ingenuo, más jovial. Siempre buscando esa simbiosis entre lo más elaborado y lo más sencillo, colocando las canciones en el orden adecuado.

Indudablemente hay influencias, pero… ¿quién no las tiene?. Creemos que es totalmente lícito beber en las fuentes que se crean más afines, más idóneas o más acordes a los gustos o a la concepción musical de cada uno. Y está claro que los manantiales donde se sacia Camera Obscura son de aguas puras y cristalinas. Pero esto no es nada malo y no se trata de imitar a a nadie; más pronto ellos serían un modelo a seguir.

Foto tomada de su página web oficial

En todo el decurso de una obra de Tracyanne Campbell se mantiene una cohesión, una uniformidad y una solidez admirable. Lo cojas por donde lo cojas, pinches por donde pinches, hay calidad, hay esmero y hay un buen trabajo. Es una música que puedes oírla mil veces y no sufre desgaste, más aún pareciera crecer con cada escucha.

Y es que estamos, a pesar de su aparente sencillez –o quizá por ella-, ante uno de los grandes talentos pop que existen en la actualidad.

Camera Obscura, paradójicamente, llenan de luz nuestras vidas...

http://myspace.com/cameraobscuraband
http://www.camera-obscura.net/

Sara Lov - Seasoned Eyes were Beaming

2009-04-05T18:39:00.029+02:00

Ni que decir tiene que Sara Lov es una de nuestras artistas favoritas desde siempre aquí en EL BOSQUE, donde durante much0 tiempo ha figurado como cabecera esa excelente versión que realiza del tema My Body Is a Cage, de Arcade Fire, casi ya un himno de nuestro blog. Sara le da un toque muy personal a esta canción y hacer parecer que ha sido compuesta para ella.

Para no repetir su historia, os invitamos a visitar la reseña que hicimos en su momento sobre Devics, el grupo de Sara Lov, junto a Dustin O’Halloran, un auténtico músico y pianista clásico que se ha dado a las composiciones de piano y orquesta y que, aunque no lo sepamos, ya le conocemos. Por ejemplo ha compuesto música para la banda sonora de la película María Antonieta, Lost in Translation o para el anuncio del Audi A5.

Y mientras tanto, Sara Lov, inciaba su carrera en solitario con un EP titulado Three Songs (2007), al que siguió The Young Eyes (2008), mientras finalizaba su primer disco grande Seasoned Eyes were Beaming (2009).

Aunque Dustin sigue ahí detrás componiendo alguna de las canciones de este nuevo disco, la producción corre a cargo de Zac Rae y ahora la música se aleja –aunque no en demasía- de ese aire sinfónico, nocturno y de cabaret característico de Devics, y transita y se inmiscuye un poco más en territorios pop-folk algo más frescos.

No sabemos si podrá conseguir algo más de repercusión en la crítica con este pequeño viraje. Ojalá que así sea.

Hay que reparar en la belleza de la voz de Sara, en sí misma un instrumento más y que, sin ser extremadamente potente, con sólo su prodigioso timbre todo lo arrasa y su plano flota y predomina sobre la ya rica instrumentación. No se come el instrumento a la voz; es ésta quien devoraría al instrumento, si éste no está listo y se descuida. Y esa simbiosis perfecta de esta voz y la rica base musical sobre la que se apoya, nos sigue poniendo los pelos como escarpias y nos parte el corazón. Es de una belleza inconmensurable y se nos antoja prácticamente insuperable, dando de lleno en nuestro concepto de cómo debe ser una canción pop cuando, como éstas, están en busca de la perfección.

Suena como la miel, lírica, conceptual, llena de poética tristeza, pero a la vez resulta aparentemente simple. Cuando algo parece tan fácil y es a la vez es tan bonito, reconocemos al genio de la lámpara y empezamos a creer en las brujas que puedan haber creado esta magia. Que lo fácil parezca tan obvio, nos hace pensar que algún duende se esconde detrás.

La única pega que le encontramos es que ha tardado demasiado en salir este disco. Desde el último trabajo de Devics (Push The Heart, 2006), tras el cual ya se anunciaba que Sara lo intentaría en solitario, ha pasado demasiado tiempo. Se nos ha hecho eterna la espera y además, en el camino, Sara ha ido goteando canciones en su Web, vídeos en Youtube con actuaciones donde estaban estas muevas canciones, varios EPs de adelanto… y cuando por fin ha llegado su nuevo disco Seasoned Eyes were Beaming, pocas canciones nos faltaban por conocer de las 10 (que se nos antojan pocas) que presenta el disco. Así las cosas, el impacto ha sido menor, y gracias a eso aún nos podemos todavía levantar de la silla después de su audición.

El disco es una joya donde las haya y nos tememos que pasará desapercibido, como tantas otras, pero para eso estamos aquí en EL BOSQUE, para descubriros y para desempolvaros este tipo de tesoros...

Los dibujos que podemos encontrar en el arte (cubierta e interior) de este disco son obra también de Sara. Son una preciosidad, muy armónicos y muy sensuales. Dentro, el diseño es original, salpicado de estos dibujos, incluso serigrafiados en el propio CD, y contiene un libreto con las letras de las canciones, el detalle de compositores e intérpretes y todo ese tipo de información que esperamos y que, muchos artistas, ya no cuidan y se limitan a un parco CD en un cartón.

Os dejamos con la canción que da título a este disco Seasoned Eyes were Beaming, en una versión simplista y casera, con Zac Rae al piano y probablemente grabada a micrófono desnudo, sin nigún tipo de arreglo. A pesar de ser totalmente minimalista, nos damos cuenta de la belleza de la composición y de lo que la voz de Sara puede llenar un espacio semi-vacío. Realmente precioso.

Sara Lov ya tiene listo el vídeo de A Thousand of Bees

Sara Lov:

http://www.saralov.com/
http://www.myspace.com/saralov

Precioso documento:

Sara Lov en KCRW (30 de Marzo de 2009)

Dustin O'Halloran:

http://www.dustinohalloran.com/
http://www.myspace.com/dustinohalloran

Devics:

http://www.devics.com/
http://www.myspace.com/devics

Antony and the Johnsons - Crying Light

2009-03-17T16:16:00.012+01:00

Antony Hegarty, Antony And The Johnsons, es uno de esos artistas que pueden calificarse de especiales. Podríamos tratar de buscar reminiscencias y seguramente algunas encontraríamos, pero no sería justo. Su personalidad musical compositiva e interpretativa está fuera de toda duda; es sencillamente aplastante y, al contrario que buscar comparaciones, es él quien nos deja su personalidad, su impronta, su aplomo, su referencia y su sello personal.

Han pasado ya más de tres años desde que nos cautivara a todos –propios y extraños- con aquel fantástico I Am a Bird Now (2005), ganador del premio Mercury Music Prize. Además, uno de los temas de este disco (Hope there’s someone) aparecía en la banda sonora de la película “La vida secreta de las palabras” de Isabel Coixet.

Y ahora, en 2009, The Crying Light es uno de los discos más anhelados del año. No hay que buscar muchas innovaciones en este nuevo disco, pero tampoco las esperábamos. Ahí está su personal registro vocal, sus íntimos lamentos; canciones de tono melancólico, emocional, llenas de alevosa nocturnidad; canciones atormentadas, líricas, a veces oníricas, a veces con esa luz que sale de una densa niebla que, poco a poco, se va disipando. Canciones, en fin, marcadas por su peculiar voz, sobre una rica instrumentación siempre con ese aderezo de cuerdas envolvente y siempre arquitectónicamente sustentada por un armazón de piano.

En la portada del disco nos encontramos con una impresionante imagen del bailarín de Butoh (danza de la oscuridad), Kazuo Ohno, tomada por Naoya Ikegami en Tokio en 1977. Su llamativo rostro y postura reclinada dicen que invoca simultáneamente la cuna, la sepultura y la trascendencia. El propio Antony comenta que, viendo actuar al bailarín, le vio emitir un círculo de luz sobre el escenario, meterse en el círculo, y revelar los sueños y meditaciones de su corazón. Parecía bailar en el foco de algo misterioso y creativo. Así pensó en llamar al disco The Crying Light.

Antony And The Johnsons puede gustar más o menos y hasta es posible que debamos requerir un especial estado de ánimo para disfrutar más de su música. Podemos incluso alegar que trabaja siempre los mismos recursos para construir sus canciones o que a, a veces, pudiera parecer repetir una misma escena tomada desde otro ángulo distinto.

Pero nadie puede negar, como decíamos al principio de esta reseña, que se trata de uno de los artistas más especiales que existen, actualmente sin rival ni parangón alguno.

http://www.antonyandthejohnsons.com/
http://www.myspace.com/antonyandthejohnsons

Trembling Blue Stars - Last Holy Writer

2009-03-14T13:25:00.008+01:00

Nos gustan los artistas valientes, aquellos que no se ciñen al manual, que no son artistas de libro, los que son capaces de crear atmósferas en las que, cuando te sumerges y te dejas llevar, te pierdes en ellas por un buen rato. Nos gustan las obras en las que cada canción no es previsible a priori y requiere una escucha atenta para tratar de imaginar lo que el artista nos quiere transmitir.

Bobby Wratten, líder de Trembling Blue Stars, es uno de ellos. Nos encantó aquel maravilloso The Seven Autumn Flowers (2004) y volvimos a quedar prendados con el siguiente disco, su más reciente trabajo The Last Holy Writer (2007). Va a ser cuestión de investigar su discografía entera…

Los pasajes de su música son excelentes desde el punto de vista de la creatividad y de la composición musical. Su producción muy cuidada, muy delicada, con arreglos y efectos electrónicos, pero en su justa medida.

El disco pasa por pasajes de una latente oscuridad, para en otros dejar espacio al optimismo y a la luz. Piezas a veces desoladas, a veces evocadoras; pasajes melancólicos, intimistas; otras veces simplemente preciosos, rozando la perfección. Hay electrónica, si, pero hay también excelentes arreglos de guitarras (acústicas y eléctricas), espléndidas líneas de bajo, órganos, partes instrumentales, arreglos de cuerda, coros…

Perfectos ingredientes cuando además se saben cocinar con la maestría de Bobby Wratten, que deja planear su sugerente voz sobre ellos, relevado en algunos por la dulce voz de Beth Arzy, lo que le da aún más sensación de cohesión de grupo al disco.

http://www.myspace.com/tremblingbluestars

Deerhunter - Microcastle

2009-03-10T14:55:00.011+01:00

Deerhunter nacen en el año 2001, fundados por Bradford Cox y Moses Archuleta. Son originarios de Atlanta y es una banda que hace una música muy interesante, con un estilo que se mueve entre el shoegazing (esa música con un barniz de guitarras de trasfondo), el post-punk , el post-rock, la psicodelia, lo experimental y un poco en ese ambiente que llaman Noise. Etiquetas siempre subjetivas y frías, pero que hemos de comentar a título orientativo para que sepamos un poco de que estamos hablando.

Pareciera, pues, un poco lejos de la onda habitual de EL BOSQUE, pero no es así. POP -y de ahí su magia- es un amplio concepto que permite la confluencia de una gran variedad de músicas o estilos en torno a él. Corresponde al artista el hacerlos o no creíbles juntos.

Brad Cox, cantante, guitarrista y alma de Deerhunter, a buen seguro ha escuchado mucho a artistas como Sonic Youth, Pavement o Syd Barret.

Microcastle (2008) constituye el tercer disco del grupo y en él parece que han cuajado los esfuerzos experimentales desarrollados a lo largo de su trayectoria. Yo veo aquí simplemente grandes canciones; menos arduo, menos nieblas sónicas, más accesible y mucho más luminoso que experiencias anteriores. Definitivamente se nota ese menos jugar con el sonido –sin dejar de hacerlo- y una mayor decisión a la hora de hacer temas enormes como son los que se facturan en este disco.

Si alguien tiene dudas, que se apreste a oír la maravillosa Agoraphobia. Que maravilla de canción, que perfección y refleja mucho el espíritu de este disco.

Microcastle es para mí un muy buen disco, uno de los mejores del pasado año 2008, y muy audible cuando nos encontramos con el estado de ánimo oportuno. En fin, todo un descubrimiento positivo y, como todos ellos, lo traemos aquí para compartirlo con vosotros.

http://www.myspace.com/deerhunter

http://www.lastfm.es/music/Deerhunter/_/Agoraphobia

Dibujos animados

2009-02-12T17:40:00.002+01:00

En esta ocasión, os traemos un regalo tanto para el oído como para la vista. Porque si los vídeos están muy logrados, las canciones son también muy bellas. Hemos seleccionado -con cariño- tres vídeos musicales basados en dibujos animados.

Esperamos que os gusten y que os acompañen…

Sara Lov – New York

Dustin O'Halloran - Opus 23

Concretes - Warm Night.

Patty Griffin- Rain

The WhitSundays

2009-01-19T16:39:00.013+01:00

Sin abandonar la onda psicodélica, os queremos presentar a los canadienses The WhitSundays con su homónimo disco de debut. Un más que aceptable disco que salió a primeros del pasado año 2008 y quizá por ello ha sido olvidado en las listas de lo mejor del pasado año.

Nos presentan temas de pop barroco, psicodelia, garage y toques de power pop. Bellos pasajes con coros, voces perfectamente sincronizadas, guitarras y órganos vintage se dan cita en los parajes de su música. La envoltura es un guiño claro a ese pop de finales de los 60's, directamente sonado a Zombies, Syd Barret, Animals, Beach Boys, Kinks, Beatles, etc. Ahí es nada, con la sola mención de todos estos nombres juntos algunos ya nos habríamos caído de la silla o perdido la cabeza como el señor de la portada del disco...

Avalado por esas referencias, estamos decididamente ante un gran disco. Canciones bien construidas y políticamente correctas dentro de su estilo, pero en mi opinión puede que le falte algo de chispa, algo de pegada, algo que lleve a la adicción. Quizá es que sea demasiado fiel a sus reminiscencias, pero no deja de ser una apreciación subjetiva, porque el disco nos parece tremendamente bueno y es por ello que lo traemos aquí.

http://www.myspace.com/thewhitsundays

Sorry James

Y si te gustan The WithSundays, no dejes de escuchar a The Heavy Blinkers, otra banda muy en esa misma línea. Su disco The Night and I Are Still So Young (2004) es también una auténtica joya en el género.

Helio Sequence - Keep Your Eyes Ahead

2009-01-13T15:43:00.007+01:00

Tras unos días de vacaciones, iniciamos este 2009 con fuerzas renovadas y con intenciones de seguir descubriendo, seleccionando, escudriñando y desempolvando ese pop de calidad que tanto nos gusta aquí.

Y tenemos un montón de propuestas nuevas por presentar y también un gran número de tesoros ocultos por descubrir aquí en EL BOSQUE, así que no dejes de visitarnos de vez en cuando.

Vamos a empezar el año presentando a un grupo formado por dos personas: se hacen llamar The Helio Sequence y su último disco Keep Your Eyes Ahead (2008) es una verdadera joya y uno de los mejores trabajos aparecidos en el pasado año.

Se trata de un dúo que nació hace ya casi diez años compuesto por Brandon Summers (vocals, guitars) y Benjamin Weikel (keyboards, drums). Atrás quedaron los tiempos en que para llevar adelante magnos proyectos se necesitaba un grupo con numerosos de integrantes. Estamos en tiempos en los que la tecnología se ha puesto al servicio del ingenio –no únicamente del buen sonido y la producción- y, si hay chispa y algo que transmitir, ya es suficiente.

Helio Sequence, pues. Algo tan sencillo y, sin embargo, la causa de la vida. La secuencia de la fusión del hidrógeno en helio; eso es lo que ocurre en el Sol, desprendiendo la energía que ha hecho y hace posible nuestra existencia.

Los hemos descubierto cuando ya llevan 4 discos en el mercado, aunque justo a tiempo cuando parecen haber alcanzado su madurez. Han acortado sus temas; ahora son más directos y más sencillos, sin dejar sus peculiaridades experimentales como es el uso de voces pregrabadas en dormitorios e incluso una guitarra cuyo sonido fue grabado dentro de un armario.

En su música hay rock psicodélico, dream pop, temas acústicos, algunos ritmos electrónicos y ambientaciones cercanas al noise-pop.

A nosotros nos parece un más que notable disco, una excelente propuesta en fin… y por ello queremos compartirla con todos vosotros.

http://www.theheliosequence.com/
http://www.myspace.com/theheliosequence

I Am Kloot - Play Moolah Rouge

2008-12-17T15:20:00.018+01:00

I Am Kloot se funda en 1999 en Manchester en el club Night&Day. John Bramwell trabajaba allí como organizador de conciertos y en este lugar conoció a los otros dos miembros del grupo: Andy Hargreaves y Pete Jobson.

Su música tiene una gran personalidad y un estilo muy definido, de forma que si buscas en el baúl de las reminiscencias, ves que no suena de forma muy similar a nadie en concreto; más bien al contrario, tiene una voz y un estilo tan peculiar que podríamos llegar a utilizar en alguna ocasión el “esto suena a I am Kloot”.

I am Kloot es una de esas joyas que uno guarda como oro en paño y por la que tiene cierta debilidad desde hace muchos años. Es uno de esos “tesoros ocultos” que ha llegado la hora de desempolvar aquí en EL BOSQUE.

Yo veo a Bramwell como uno de los mejores escritores e intérpretes de canciones de esta década, modestamente camuflado bajo el telón que proporciona el nombre de una banda llamada I am Kloot.

Tiene el talento y carisma necesario para no parecer pesado o monótono, a pasar de su marcado estilo personal, y tiene la magia necesaria para no ser un cantautor al uso, que quizá a muchos pudiera aburrir. En un disco de I am Kloot hay excelentes canciones siempre, pero es que te encuentras con 3 ó 4 obras de arte compositivas que enseguida te das cuenta que están al alcance de muy pocos: no sabemos cómo tanta sencillez puede desgranar tanta pasión. Y no, tampoco son baladas al uso. Realmente, no sabemos lo que es… es I Am Kloot.

Su primer album Natural History apareció 2001, y el segundo homónimo I Am Kloot dos años después. Vaya señor discazo que es este último. Después vino Gods and Monsters (2005) y ahora nos han vuelto a dar de lleno en el corazón con Play Moolah Rouge (2008). No hace mucho que lo estoy oyendo, pero engancha cada vez más en cada escucha. Deseo que llegue el momento de poderlo volver a escuchar y lo único que lamento es que sólo tenga 10 canciones, como los discos de antes.

Aunque acabo de entrar en contacto con él, es lo suficiente para tenerlo entre los 5 mejores discos de este año 2008 que ya comienza su despedida.

He visto por ahí una definición de este disco Play Moolah Rouge, que yo extendería al resto de su discografía. La hace Mycroft_Barret en Rate Your Music y no me resisto a transcribirla aquí, porque por más vueltas que le diera, no me veo capaz de definirlo mejor:

"Discazo, emoción a flor de piel, lirismo, romanticismo épico, un torbellino de dolientes quejidos, de armas afiladas que se clavan contra el alma de uno, contradicciones del corazón, fuerza hecha carne, carne hecha fuerza, desvaríos y otro tipo de canciones más o menos afectadas".

No se puede decir más con menos.

Pero, ¿a qué suenan realmente estos I Am Kloot?

Suenan a… I Am Kloot.

http://www.iamkloot.com/
http://www.myspace.com/iamklootmusic

Elbow - The Seldom Seen Kid

2008-11-27T15:20:00.010+01:00

Volvemos a la actualidad y lo vamos a hacer con el que puede ser el mejor disco de este año 2008. Se trata de The Seldom Seen Kid del grupo Elbow.

Llegan procedentes de Manchester con un sonido siempre innovador -inevitables reminiscencias aparte- que se ha ganado la admiración tanto de la crítica especializada como la de otros artistas de renombre como REM, U2, John Cale o Blur, entre otros.

El quinteto se conoció en el colegio y empezaron a hacer música bajo el nombre de Mr. Soft, para más tarde pasar a llamarse Elbow. Hicieron 3 EP's de gran éxito y poco después debutaron en el mercado discográfico de la mano de V2 con su álbum Asleep In The Back (2001). ¡Qué gran disco! No os lo perdáis, si tenéis oportunidad de conseguirlo.

Más tarde editaron su segundo y tercer álbum Cast of Thousands (2003) y Leaders Of The Free World (2005) y ahora en 2008 nos han presentado su último trabajo The Seldom Seen Kid, que está llamado a figurar entre los mejores del año y no podíamos dejar de presentar aquí en EL BOSQUE.

La música que realiza Elbow está definida como Dream pop, aunque las etiquetas en si mismas son algo injustas, y más en el caso de una música con tantos matices como esta. Lo mejor que podemos hacer es hacernos con su último disco The Seldom Seen Kid y disponernos a degustarlo y desgranarlo pieza por pieza. Además, el arte de la portada y el libreto que incluye el disco son muy buenos y acompañan mucho en dicha tarea. Os aseguramos que no os va a defraudar.

La base de la música de Elbow es una atmósfera rock, pero muy apoyada en elementos orquestales y con una muy cuidada producción, muy al detalle. A menudo aparecen voces suaves o susurrantes, guitarras con ecos, coros y sonidos de sintetizadores, sin abusar y en su justa medida. Muy buena la instrumentación en general. La música que realizan es difícil de explicar y se nos hace arduo definirla. Sólo podemos añadir que es un grupo que suena de maravilla. Los altavoces del equipo HI-FI casi no pueden digerir tan rico, lleno y rebosante sonido. Su música tiene muchos recursos, mucha solidez; suenan con clase y a clásico. Elbow es la antítesis de lo mediocre.

Mucho me recuerda la voz del cantante Guy Garvey a la de Peter Gabriel y la música que hacen en muchos pasajes (y quizá incoscientemente por ende) a aquellos maravillosos primeros discos de Génesis. También hay algo de reminiscencias a Radiohead, con quienes disputaron (y ganaron) el premio Mercury Music Prize, que se otorga al mejor disco británico o irlandés del año.

Y es que, para nosotros, realmente lo es…

http://www.elbow.co.uk/
http://www.myspace.com/elbowmusic
http://www.lastfm.es/music/Elbow