Joanna Newsom – Have One On Me

  

Joanna Newsom ya nos dejó un gran recuerdo con Ys, aquel maravilloso y peculiar disco que se marcó allá por 2006. Aquella grácil y enigmática chica de una belleza un tanto especial,  aquella chica pegada a su arpa, que desgranaba sus melodías rodeadas de grandes orquestaciones y arreglos a cargo de Van Dyke Parks. Entonces fue cuando la conocimos y nos produjo una sensación que fue de la inicial curiosidad hasta irnos quedando paulatinamente impactados, casi hipnotizados. Recuerdo que el disco causó un gran revuelo en el panorama musical independiente y que era del agrado de gente con muy distintos gustos musicales. Fue uno de los grandes discos de aquel 2006.

Un poco de historia

Joanna Newsom comenzó a tocar el arpa a los 7 años de edad. Estudió música y escritura creativa en el Mills College. También toca el piano y el clavicordio.

Nació en el seno de una familia dedicada al mundo de la música: su madre era pianista y su padre tocaba la guitarra. Joanna comenzó a tocar el piano desde muy niña hasta que se enamoró de los sonidos del arpa, convirtiéndose en su adolescencia en una gran especialista del instrumento. Su curiosidad y ansias de conocimiento musical fueron amplias ya desde su niñez, estudiando sonidos de diferentes lugares del planeta, como la música celta, senegalesa, venezolana o el folk de los Apalaches, esa importante cordillera situada en el este de Norteamérica.

Después de una gira con nada menos que Will Oldham (Bonnie Prince Billy), Joanna firmó rápidamente con el sello Drag City y lanzó su álbum de debut The Milk-Eyed Mender en 2004. Poco después, Newsom hizo una gira junto a Devendra Benhaart y Vetiver. A lo que se ve, siempre ha estado muy bien rodeada de grandes músicos y eso, a buen seguro, algún poso habrá dejado en ella.

¿Cómo es su música?

Pues la verdad es que es difícil de definir y más para alguien que se enfrente a ella por primera vez. Es una especie de folk naif y poético, transcrito inocentemente con su voz aniñada, enriquecido con trazas bluegrass, jazz, sonidos celtas, africanos y otros tradicionales americanos. Delicados y sutiles contrapuntos que flotan sobre el mar de notas que emana de su arpa, sobre armonías de piano o sobre alfombras tejidas en base a arreglos cuerdas.

Los temas suelen ser largos, muy elaborados, y algunos se tornan bastante oscuros. Otros se esconden bajo patrones de melancolía, la cual es expresada a través de los bajos sonidos del arpa. Cascadas de notas, momentos más delicados y bellos, -hechizantes melodías, capaces de atraparte desde el primer segundo- conviven en su obra con otros momentos más animados y, con otros, que son hermosos cuentos de hadas que se vuelven tenebrosos…

Pero… ¿y la voz de Joanna? Podemos contar lo que queramos para tratar de describir su música (y a fé que lo estamos intentando) pero difícilmente hemos escuchado una voz como la suya. Inocente vocecilla, casi infantil, que trasmite lírica y poesía por doquier, como si de un juglar del pop se tratase. Ambiente campesino que evoca hermosas imágenes visuales.

Su nuevo disco

Desde aquel Ys, Joanna ha tardado varios años en obsequiar a nuestros sentidos con un nuevo trabajo, pero por fin está aquí.: Have One On Me (2010) que se descuelga, nada más y nada menos, que con un triple disco, 18 temas en total.

Es posible que la música de Joanna Newsom no entre a la primera, requerirá varias escuchas y es posible que su medicina tenga que ser tomada en pequeñas dosis. Pero no tiréis la toalla a las primeras de cambio. Dadle el tiempo que se merece y estamos seguros de que vais a descubrir poco a poco su maravilloso mundo.

Have One On Me es un disco denso y que requiere dedicación; no se trata de canciones folk comerciales o de baladas facilonas que entran enseguida. Es un trabajo hecho a conciencia, realmente un muy profundo viaje donde una joven proyecta sus emociones en un montón de historias y lugares bastante distantes de lo real. Estamos en unos tiempos donde solemos ir acelerados, sobrepasados, sin paladear muchas situaciones ni aún menos vivirlas intensamente; no nos damos cuenta de las muchas cosas buenas que están ahí y no reparamos en su belleza. Detengámonos a obsequiarle a esta doncella un poco de nuestro tiempo para apreciar su obra. Uno de los mejores discos del año sin duda...

 

http://www.dragcity.com/artists/joanna-newsom

http://www.myspace.com/joannanewsomallalive

Belle & Sebastian - Write About Love

A mediados de los años 90 comenzaban su andadura una de las bandas pop más carismáticas, respetadas y sólidas del panorama actual. Tienen un estilo inconfundible que ha influenciado a muchas otras. Su música ha sido tremendamente valorada por todos aquellos amantes del buen pop, pero también por quienes están en otra onda. En la enciclopedia del pop, se han ganado una página completa y a todo color con todo merecimiento. Si es que hay "jefes" en este mundillo, como les gusta decir a muchos, éstos son uno de ellos.

Los escoceses Belle & Sebastian nos sorprendían en 1996 con aquel par de enormes discos: Tigermilk y If You're Feeling Sinister. Que tremendos discazos, que no deberían faltar en la discografía de ningún aficionado al buen pop de todos los tiempos. Su sola mención nos hace aún temblar: ¡que tremendos! Nos hacían sentir seguros de que nuestro arte favorito no iba a morir, que no iba a pasar de moda y podíamos ratificar que el buen pop no era sólo cosa de los 60 ó 70, sino que se iba a seguir haciendo por mucho tiempo, como así ha sido.

Y, como es normal, la música de Belle & Sebastian fué evolucionando desde que aparecieron por primera vez en la escena: la percusión se fue haciendo más dinámica, las líneas de bajo funky más sólidas y marcadas, las guitarras y los arreglos adquirían nuevos matices… pero nunca han perdido la esencia, la coherencia y el buen gusto; sus canciones perfectamente reconocibles, personales y siempre se nos escapa aquello de “esto suena a Belle & Sebastian…”.

A aquellos mencionados dos tremendos discazos iniciales le siguieron otros y la calidad no disminuía un ápice. A lo largo de su ya dilatada historia nos han dejado tremendas canciones, sutiles, cadenciosas, dulces y generalmente fáciles de escuchar. Yo creo que es un buen momento para darnos una vuelta por toda su discografía que es excelente. Vais a descubrir infinidad de tesoros.

Y en este décimo álbum en estudio Write About Love (2010) lo bordan de nuevo. El estilo de Stuart Murdoch de nuevo inconfundible, demostrando que es uno de los mejores compositores que exsten y siempre dejando huella, siempre dejando auténticas joyas.

Belle & Sebastian siempre fue uno de mis grupos favoritos desde “siempre” y me han acompañado muchos años en numerosas etapas y decisiones de mi vida. Los tengo totalmente interiorizados y la banda se ha llegado a convertir en una gran amiga, de esas que amas y no hace falta saber más ni preguntar por qué… simplemente le amas sin más y quieres que esté contigo.

Han pasado ya cuatro años desde su anterior disco The Life Pursuit (2006) y ya los extrañábamos un montón. En esta entrega se han vuelto a apoyar en Tony Hoffer como productor. Para reemplazar la voz femenina de Isobel Campbell en este disco toma el relevo Sarah Martin, componente de la banda, y dos invitadas especiales: la popular Norah Jones y la actriz Carey Mulligan (An education).

Write About Love es en conjunto un disco alegre y luminoso. Pop de cámara humilde y agridulce, pues tan pronto va perfecto para una tarde de lluvia como para un día soleado en el que tenemos un montón de planes.

No hay grandes sorpresas, pues transita senderos ya conocidos. Once canciones con mucho oficio (algunas son lecciones magistrales) y basadas en su clásica instrumentación: guitarras de sonido limpio, secciones de viento y cuerda, sintetizadores analógicos, coros y voces… Las letras hablan de la rutina de lo cotidiano, de oficinas, de vida urbana. Y por supuesto, del amor, como no podía ser de otra forma con ese título.

Y es que dicen que el amor mueve montañas… Yo hace tiempo que estoy enamorado de Belle & Sebastian,  los amo, los tengo dentro de mí y, como quiero ofreceros lo mejor que tengo, me atrevo a compartirlos contigo.

 http://www.belleandsebastian.com/home.phphttp://www.myspace.com/thebandbelleandsebastianhttp://rateyourmusic.com/artist/belle_and_sebastianhttp://www.allmusic.com/artist/belle--sebastian-p203358

Arcade Fire – The Suburbs

Por fin recibimos la visita de una de las bandas de pop-rock más trascendentales de los últimos tiempos, a pesar de su todavía corta trayectoria. Estamos hablando de los canadienses Arcade Fire.

Su primer disco Funeral (2004) sorprendió a todo el mundo y es uno de los mejores discos de la década sin lugar a dudas. De vez en cuando es necesario un disco así para dar un nuevo salto evolutivo en la trayectoria de la música pop. Funeral fue, más que una bocanada de aire fresco, todo un vendaval de ideas y sonido que dio mucho que hablar. Sólo tenemos que buscar un poquillo por la red o leer las revistas y magazines musicales más populares para darnos cuenta de la unanimidad que existe en torno a este primer trabajo del grupo y, en general, en toda su obra.

Sus trabajos son siempre originales, aguerridos y siempre están impregandos de una fuerza especial. Y, aunque tocan varios estilos y tempos, saben conceptualizar y homogeneizar mucho el contenido musical de sus discos. Saben como utilizar el pegamento mágico y necesario para ello. En sus canciones siempre hay un poco de oscuridad, existencialismo, cierto barroquismo, algunas pinceladas de estridencia... pero siempre sonando muy sobrios, con grandes dosis de lirismo y con la mejor instrumentación y arreglos que se nos puedan ocurrir.

Quizá es pronto para decirlo, pero probablemente Arcade Fire se mencionen en las enciclopedias de la historia de la música pop en las páginas dedicadas al inicio del siglo XXI, pues su estilo es ya un clásico de nuestro siglo e indudablemente crea escuela y es reconocible a las mil leguas. Y seguramente serán una de esas bandas influyentes en los trabajos de posteriores generaciones.

Y desde su segundo trabajo Neon Blible (2007) -también muy aclamado por la crítica- se había generado una gran expectación con el lanzamiento del nuevo disco de Arcade Fire, el tercero de su carrera, lo cual parece no haber sido un obstáculo para que los canadienses hayan firmado otra soberbia obra musical.

Llevan sólo tres discos y seis años con nosotros y parece que lleven mucho más por el alboroto que se forma cada vez que sacan un nuevo disco, como les ocurre a los grupos grandes y míticos que llevan un montón de discos a sus espaldas. Y como les sucede a éstos, tienen sus sectores de admiradores, para los que son dioses, y de detractores, a los que no les parece para tanto la cosa.

No sé si este nuevo disco The Suburbs (2010) supera a sus anteriores trabajos, pero no hay duda de que es un gran disco, a pesar de que, en una primera impresión, puede parecernos algo largo (16 temas).

Es un disco semi-conceptual, que toca muchos palos y que está magistralmente ensamblado. Un disco que mejora con las escuchas, dada su densidad, y con una cosa curiosa: si tratas de hacerte una lista de las mejores canciones, observarás que ésta varía cada vez que vuelves a escuchar el disco. Las canciones que ahora te parecen las mejores, de repente, dejan paso a otra que antes no te había parecido para tanto y, en cambio, ahora está entre tus favoritas.

Esto sólo puede significar que realmente todas las canciones son muy buenas y que, depende del estado de ánimo en que te encuentres o el ambiente bajo el que lo escuchas, pueden ir mejor unas canciones que otras.

Arcade Fire han vuelto, y vamos a oír hablar de ellos, pues no van a dejar indiferente a nadie.

 

En nuestra sección UNA CANCIÓN (parte superior izquierda del blog) podemos escuchar la canción My Body Is A Cage, la que cierra su segundo disco Neon Bible, en la magnífica versión de Sara Lov.

http://www.arcadefire.com/
http://www.myspace.com/arcadefireofficial 

Divine Comedy - Bang Goes The Knighthood

Y ahora vamos a traer a uno de los platos más fuertes del panorama del pop de las últimas décadas. Llevan con nosotros prácticamente 20 años y ha llegado el momento de rendir culto a tamaña obra de la orfebrería pop aquí en EL BOSQUE, aprovechando que están de actualidad con su nuevo y magnífico disco Band Goes The Knighthood.

Nos visitan The Divine Comedy, proyecto del irlandés Neil Hannon, uno de los grandes genios que ha dado este arte llamado pop en los últimos tiempos. Es sin duda uno de los grupos más originales que existen y esto es lo primero que yo destacaría. No es una música predecible, de manual, con un estilo definido, sin apenas diferencias entre un tema y otro. Muy al contrario, con The Divine Comedy siempre vamos a tener sorpresas, elaboración, nuevas ideas y, sólo por eso, es un placer descubrir cada disco y, dentro de cada uno de ellos, cada canción, cada detalle…

Neil Hannon es un artista completo, que compone tan bien como interpreta su arte. Mucho humor, mucha sensibilidad y una música espectacular en un mismo paquete; clase, elegancia, instrumentación cuidada y grandes armonías vocales. Atemporales viñetas poéticas, dulces ironías, teatralidad, melodías a veces operísticas y ampuloso romanticismo. Buen coctail, música difícil de describir, la verdad es que es mejor oírla…

El arte debe transmitir algo y vaya como lo hacen The Divine Comedy: si estás de bajón, no hay mejor remedio para combatir el mal humor y, si estás alegre por alguna circunstancia o si estás enamorado, melodías y canciones de amor que te logran conmover. No puede negarse que todos sus discos son altamente trabajados, refinados, originales, sobresalientes, distintos.

Normalmente. a casi todos los grupos que llevan ya un cierto tiempo siempre se les respeta más por la línea de sus discos anteriores que por los más actuales, pues se le presupone un desgaste, una repetición o una merma en la capacidad de inspiración. No sucede así con este Bang Goes to Knighthood, su último trabajo, que para nosotros es un auténtico discazo y además personalmente creo que de corte más pop fresco y directo que los anteriores, si bien conserva esa magia y el carisma de siempre.

Hay tanto temas melódicos y románticos como canciones más espontáneas y divertidas, sin dejar de lado esa faceta suya más oscura y misteriosa, en la que casi te ves inmerso en el ambiente de una vieja película de amor en blanco y negro.

Yo los estoy redescubriendo de nuevo y hay cosas buenísimas que no recordaba o no conocía. Hay que tomarse su tiempo, pero os recomendamos hacer una ruta turística por su discografía completa, una vez abierto el apetito con este magnífico Bang Goes to Knighthood.

La trilogía compuesta por sus primeros discos (Liberation, Promenade y Casanova) es absoluntamente insuperable (¡qué barbaridad!). Y que decir del siguiente Fin de Siècle, una obra de arte más para acabar con el siglo y con cualquiera que la escuche... Después hay un corte o intermedio con Regeneration (2001) que es distinto de lo que venían haciendo hasta el momento. Es muy bueno, no lo vamos a negar, pero no es tanto "made in Hannon", es más bien una suerte de mezcla Radiohead-Travis. De modo que Hannon vuelve un poco por sus fueros a partir de su siguiente disco Absolute Friends donde se inicia una segunda etapa que llega hasta nuestros días, con el reseñado Bang Goes to Knighthood.

En cualquier caso, darse una vuelta por la discografía completa de The Divine Comedy es un absoluto lujo y no te cansas nunca de escucharlos. Os lo recomendamos sin lugar a dudas.
 

Selección de vídeos y canciones








http://www.thedivinecomedy.com/
http://www.myspace.com/thedivinecomedy

John Grant - Queen of Denmark

Nos visita una verdadera joya, que se ha convertido en uno de mis discos favoritos en este verano y probablemente sea uno de los mejores del año, tenga o no relevancia en los medios. Se trata del John Grant y Queen of Denmark, su primer disco en solitario tras la disolución de The Czars, uno de nuestros tesoros o debilidades aquí en el EL BOSQUE.

Seguimos pensando que la de John Grant es una de las voces masculinas más bonitas y mejor moduladas del pop actual. Y, por si fuera poco, en este disco se hace acompañar en alguno de los temas por una banda llamada Midlake, que hace una especie de pop-folk psicodélico que nos encanta y que ya nos dejó de piedra con aquel discazo llamado The Trials of Van Occupanther (2006).

Así pues, ante nosotros este Queen of Denmark, un disco lleno de colores, matices y paisajes por explorar. No sé si atreverme a tildar de discazo a todo el conjunto, porque hay temas de diverso porte y estilo, de subjetivo logro y convencimiento, pero está muy claro que este disco tiene grandísimas canciones. El comienzo es realmente soberbio, de lo mejor que hemos oído en mucho tiempo. Dudo que volvamos a escuchar otra trilogía con la solidez melódica y compositiva de las tres primeras canciones del álbum, en un prodigioso ascenso emocional.

Es más, cuando escuches esas tres primeras canciones, querrás investigar y escuchar toda la discografía de The Czars que caiga en tus manos. Quién así lo sienta, le recomendamos que empiece por el álbum Goodbye (2006) y la excelente compilación de versiones llamada Sorry I Made You Cry (2006), con la que hasta las rocas se enamoran de los cangrejos que pululan por ellas.

En definitva, un álbum excelente, precioso, lleno de buenas canciones pop -algunas realmente fantásticas- rebosante de maestría y clase y que os recomendamos como un poco de aire fresco en estos calores veraniegos. Un disco perfecto para escuchar al amanecer cuando aclara el nuevo día, cuando todo empieza o, al atardecer, coloreado por los naranjas del ocaso que, no se ven así como un final, sino como una reflexión, una recapitulación que dará paso a un nuevo y gran día, donde viven las nuevas ilusiones.

Vídeos

John Grant: How I wrote Where Dreams Go To Die en The Guardian
http://www.guardian.co.uk/music/video/2010/jun/17/john-grant-where-dreams-go-to-die(Sólo voz y piano, pero igualmente una maravilla)

http://www.myspace.com/johnwilliamgrant

Descubriendo a The Lodger

Hoy no nos apetece pensar, queremos dejar que nuestra mente navegue a su libre albedrío y que, por unas horas, la vida se muestre ante nosotros como le apetezca, como una obra de teatro de la que queremos ser meros espectadores y a la que tan solo nos permitiremos el lujo de ponerle una banda sonora.

No queremos meternos dentro de músicas conceptuales, explorar paisajes intrincados… o bosques frondosos. No nos apetece escudriñar en grandes arreglos ni en detalles sutilmente rebuscados, aquellos que parecen salir más de la tecla del ingeniero que del pentagrama del músico.

Nuestra mente hoy esta cansada y quizá la mejor receta sea pop con las viejas fórmulas: guitarra, bajo, batería y, si acaso, algún flirteo ocasional con algún pequeño toque de cuerda o teclado. Algo sencillo, si, pero no por ello facilón, carente de calidad, o que responda a la clásica radio-fórmula. Ese no es nuestro espíritu, creo que lo hemos demostrado en la ya larga singladura de este blog… ¿qué podríamos escuchar hoy?

Ya lo tengo: The Lodger. Canciones tarareables, soleadas, brillantes; coros maravillosos, elegantes bases de guitarra; temas directos, cortos, sin complejos y sin complicaciones. Vamos a buscar sus discos, a ver donde los teníamos... Bien, aquí están.

Hasta hora han editado tres discos: Grown-ups (2007), Life Is Sweet (2008) y Flashbacks (2010). Aunque los tres siguen la misma línea, recomendamos empezar por el segundo Life Is Sweet que es una pura delicia y seguir por el primero Grown-ups. En nuestra opinión, es algo más flojo Flashbacks, el último que han editado este año.

Que bien construidos están determinados pasajes de estas canciones… necesitábamos algo de frescura en esta resacosa y cálida mañana de julio… Nuestra sensación cambia, ahora estamos mucho mejor, nos sentimos vivos; tenemos toda la vida por delante y, en su largo y curvo camino, nos esperan cosas maravillosas.

Creo que vamos a estar unos días escuchando a The Lodger: lo necesitábamos. Esperamos que a tí te gusten tanto como a nosotros...

http://www.myspace.com/thelodgerleeds
http://www.thelodgermusic.co.uk/

The New Pornographers – Together

The New Pornographers son un grupo canadiense formado en 1997 en Vancouver. Suele ser referida como una superbanda, ya que casi todos sus miembros tienen sus propios proyectos en solitario o con otras bandas, como los excelentes trabajos de Neko Case, de Carl Newman o el excelente grupo de Dan Bejar, llamado Destroyer que, por cierto, fue la primera reseña que inauguraba este blog.

Se dice que el líder de la banda, Carl Newman, seleccionó el nombre de la misma haciendo eco del predicador de televisión Jimmy Swaggart, quien aparentemente dijo que "la música era la nueva pornografía", si bien otra versión indica que en realidad el nombre salió después de ver la película de culto The Pornographers (1966), del director japonés Shohei Imamura.

The New Pornographers han escrito excelentes discos en su ya dilatada carrera, que empezaba con el siglo: ‘Mass Romantic’, ‘Electric Version’ o ‘Twin Cinema’, … todos denotaban un pop poderoso, imparable, musculoso, totalmente directo y fresco. Ese tipo de canciones trepidantes que quieres volver a oír una y otra vez. Su música ha sido frecuentemente clasificada como de estilo power pop pero, en mi opinión, son inclasificables; en sus canciones hay mucho más trabajo del que parece y, además de los arreglos de guitarras, existen texturas más elaboradas y complejas con las voces y con otros instrumentos. De hecho, su sonido crea escuela y son ellos los que deben tomarse como una referencia.

En este nuevo disco, Togheter, dan nuevas muestras de su cohesión, que no está reñida con los trabajos independientes de cada uno de sus miembros. Ni siquiera firman individualmente las canciones que aportan cada uno, si bien puedes adivinarlo dada su marcada personalidad a nada que conozcas un poco sus trabajos en solitario.

A la fiesta se suman, aumentando la familia de nuevos pornógrafos y aportando clase, Annie Clark (St Vincent), que aporta su guitarra a ‘My Shepherd’, Will Sheff (Okkervil River), que canta en ‘Moves’, y Zach Condon y su trompeta en ‘A Bite Out Of My Bed’ y los magníficos Dap-Kings de Sharon Jones que dan un bonito punto soul.

En definitiva, The New Pornographers nos dejan otro pildorazo pop, un disco muy notable, divertido y muy bien construido por esta banda de galácticos del pop que convencen tanto juntos como separados.

Vídeos


http://www.myspace.com/thenewpornographers
http://www.thenewpornographers.com/

Radio Dept. - Clinging To a Scheme

Estamos en 2003. Una nueva banda hace su debut. El disco se llama Lesser Matters y, de entrada, ya nos quedamos mirando con curiosidad su llamativa y algo extraña portada.

Podemos leer que los autores se hacen llamar algo así como The Radio Dept. (con un punto al final).

Nos ponemos a escucharlo y, de repente, una cascada de sonidos trepidantes y electrizantes nos abofetea la cara y nos descoloca un poco. Sin embargo, y a pesar del ímpetu desplegado, la música es bonita, intuitiva y se hace querer poco a poco. Se nos empieza a pegar a la piel y sentimos la necesidad de volverla a escuchar.

Poco a poco, su música logra enamorarnos. Descubrimos sus melodías y secretos, escarbando para ello en su externa capa compuesta por algo de ruido, niebla y motas de polvo. Predominan los samples, efectos y ritmos que se adivinan programados; los sintetizadores y teclados atmosféricos están por todas partes, pero también hay una buena base de distorsión de guitarras. Un gran regusto doméstico se deja entrever, a pesar de lo enrarecido del ambiente. En el fondo de ese panorama, entre esa densa niebla, flotan, se adivinan y sobreviven las melodías que al final son las reinas de la noche y fluye de ellas un aire melancólico que hace totalmente respirable esa atmósfera.

Ya hemos comentado en otras ocasiones que las etiquetas musicales son subjetivas e inventadas, pero nos sirven un poco a modo de referencia. Podemos hablar en este caso de la predominancia de algo llamado sohegazer, pero con dream-pop, shynt-pop, e incluso algo de punk, camuflados.

Después de aquel Lesser Matters, The Radio Dept. continuaron en esa misma o similar línea, haciendo buenos discos, aunque sin la sorpresa inicial: Pet Grief (2006) y ahora Clinging To a Scheme (2010).

Su música sigue siendo un batiburrillo de influencias, entre las que se nos vienen a la mente: Field Mice, Jeus and Mary Chain, Felt, The Cure, Pet Shop Boys, Joy Division, My Bloody Valentine, OMD, New Order, Trembling Blue Stars, Pixies, Slowdive…

Pero esto solo a nivel de cultura general y, como siempre decimos, lo mejor es ponerse manos a lo obra y sacar nuestras propias conclusiones. A lo mejor descubrimos algo que nos encanta y nos llevamos esa sorpresa y esa “bofetada” musical que recibimos nosotros cuando los descubrimos allá por 2003.

Vídeo


Where Damage Isn't Already Done


http://www.myspace.com/officialradiodept
http://theradiodept.com/

Nina Persson

Por si las 69 canciones de amor no fueron suficientes, os dejamos hoy con Communication, una bonita canción que Nina Persson interpreta con The Cardigans y que se encargará de rematarnos. Una verdadera joya.

Amor, amistad, en cualquier variante... tomemos unas dosis de esta medicina. Seguro que nos vamos a sentir mejor. No te pierdas, conéctate.

Y os dejamos también con el tema Slow, con el que queremos realizar un pequeño tributo a Nina Persson, una impresionante y carismática artista sueca, que ha escrito unas hermosas páginas en la historia del pop, realmente tremendas y emocionantes, capaces de despertar a un muerto y que todo amante del pop no debería ignorar, trabajando especialmente con The Cardigans o en su proyecto A Camp y también colaborando con otras bandas, como Sparklehorse o Manic Street Preachers.

... El DisCóBoLo ...The Magnetic Fields 69 Love Songs

Volvemos con una nueva entrega en nuestra joven sección llamada El DisCóBoLo, donde nos proponemos desempolvar discos -no excesivamente antiguos- que para nosotros hayan significado algo especial, que nos hayan dejado huella, que no podamos olvidar o que nos llevaríamos a una isla desierta… Y nuestro invitado de hoy sería, sin lugar a dudas, uno de ellos: 69 Love Songs, por The Magnetic Fields.

The Magnetic Fields es una banda neoyorquina encabezada por el compositor y cantante Stephin Merritt, sin lugar a dudas uno de los mejores compositores que ha dado el panorama pop en los últimos 15 años. Le acompañó desde siempre su amiga Claudia Gonson (percusión , piano, voz) y cierran la formación Sam Davol (violonchelo) y John Woo (banjo y guitarra).

Stephin Merritt ha estado trabajando en varios proyectos, pero no nos vamos a perder aquí en los muchos datos biográficos o discográficos que fácilmente vais a poder encontrar en la red. Nos basta con despertaros el gusanillo por la obra de este gran artista.

69 Love Songs. 1999. Terminaba uno de los siglos más significativos y, a la vez, más violentos de la humanidad. Llegada es la hora de predicar amor. Sin complejos. Disco triple: 23 canciones en cada uno. Su obra cumbre, la unánimemente más aclamada y uno de los mejores discos pop de todos los tiempos. 69 canciones de amor en las que el artista intenta comprender todos los ritmos, todos los estilos, todas las perspectivas y todas las temáticas posibles en el ámbito de las melodías amorosas. La luz de cada canción atraviesa un prisma distinto cada vez y, siempre se descompone en el espectro de colores del amor, de cualquier índole, pues el amor está en todas partes si queremos verlo.

Un proyecto tremendamente ambicioso como pocos artistas tienen la facultad de poder acometer con la solvencia con la que lo hace Stephin Merritt (quizá sólo Sufjan Stevens tiene esa capacidad).

Una obra que, en contra de lo que pudiera parecer, no llega a aburrir a pesar de ser tan extensa; cada tema es una poesía, una pincelada, una evocación, una bocanada de aire fresco y, lo mejor de todo, una sorpresa. Las canciones pasan: una, otra…diez, quince…sesenta y nueve; y no te das apenas cuenta, no te aburres y es que todas tienen algo. Casi todas son buenas y, algunas, una joya.

Prepárate a abrir tu mente y a viajar por el espacio sideral del sonido artesano, hecho con delicadeza, con amor, porque las canciones no están especialmente recargadas y son aparentemente simples, como hechas en casa. La grave, afinada y bien modulada voz de Stephen se alterna sutilmente con las interpretaciones de Claudia Gonson y con las de varios otros vocalistas invitados, que dan vida a determinados temas.

Hay una gran variedad de instrumentación por doquier: ukelele, banjo, acordeón, violonchelo, mandolina, piano, flauta, xilófono, y varios instrumentos de percusión, además de los usuales sintetizadores, guitarras y efectos. Elementos todos ellos, junto con las alternativas de las voces, los que hacen que la obra pueda ir avanzando inexorablemente sin aburrirnos y que estemos esperando con expectación e ilusión cada nueva canción.

Canciones largas, cortas, lentas, rápidas, destellos de electricidad, canciones acústicas, ritmos latinos, jazz ebrio y experimentos vocales. Toda una exhibición de talento.

En un mundo como el que vivimos, donde a veces todo se nos presenta tan materialista, tan mediatizado, tan político, tan corrupto o tan deshumanizado, Stephen Merritt nos devuelve un poco de confianza en la humanidad; nos muestra de lo que es capaz el ser humano a través del arte y además nos cuenta que todo es amor y que, sea en primer o en segundo plano, siempre ha de estar presente en nuestras vidas, como lo está en estas 69 canciones, desde la primera hasta la última.

Deja que esta maravillosa colección de canciones sean la banda sonora de tu vida por unos días, déjalas ser tus compañeras, déjalas entrar y permite que se inmiscuyan en aquellos proyectos que acometas.

1 vídeo



3 canciones







http://www.houseoftomorrow.com/
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Elizabeth & The CatapultTaller Children

En los últimos días andamos cautivados por la voz y la personalidad de Elizabeth Ziman y también por su amplio abanico musical. Lo escuchamos una y otra vez y no nos cansamos. Tras un primer EP editado en 2006, Elizabeth & The Catapult –que así se llama su proyecto musical junto a Pete Lalish y Danny Molad- han editado un gran disco llamado Taller Children (2009) y que es nuestro invitado de hoy.

Elizabeth & The Catapult nos visitan desde Brooklyn y su música combina elementos de jazz, pop y texturas acústicas. Tienen un sonido excelente y suenan perfectamente cohesionados, como si el proyecto llevara mucho más tiempo de rodaje. Como hemos dicho, cuentan con un repertorio amplio, que tan pronto te rompe en dos un tema lento, como te hace saltar de la silla con un tema de corte más rítmico o desenfadado.

Es ese tipo de pop juguetón con una introspección adulta, concepto de entender la música que tanto nos gusta por aquí en EL BOSQUE. El disco ha sido producido en su mayor parte por Mike Mogis, productor de Bright Eyes, M. Ward y Rilo Kiley, entre otros. Ahí es nada.

Taller Children (niños grandes). Si, niños grandes. El ser humano, siempre se ve insatisfecho y siempre añora lo que no tiene; anhela ser adulto para que nadie más tome las decisiones por él y, al crecer, añora volver a ser niño para evadir responsabilidades y poder hacer de la vida un juego. Queremos ser grandes, sin dejar de ser niños, y es que la etapa infantil y la de preadolescencia es muy larga en el ser humano, a diferencia de en otras especies, y eso deja sus secuelas.

La imaginación, la fantasía de los niños, que gran tesoro, que primor… Que pena que muchos adultos la pierden y muchas veces injustamente llamamos “niños” a aquellos que la conservan y la exteriorizan en demasía. No nos damos cuenta de lo “aburridos” que podemos resultar muchas veces los “mayores”.

Hay algo en la expresión, en la mirada de Elizabeth que nos cae bien, que transmite confianza, nobleza, sinceridad, algo que nos hace sentir paz… Confiamos en ella, y en su música, y no nos vamos a plantear más filosofías, tan sólo vamos a disfrutar con la música de Elizabeth & The Catapult, que seguro que es también lo que ellos quieren.

Vídeos

http://www.myspace.com/elizabethandthecatapult
http://www.elizabethandthecatapult.com/

Camera Obscura en la radio

Estábamos escribiendo la siguiente reseña para compartirla aquí en nuestro espacio habitual en EL BOSQUE cuando, navegando por ahí, nos hemos topado con este maravilloso concierto en el excelente programa Morning Becomes Eclectic de la KCRW, la emisora de radio por Internet del Santa Monica College, en Los Angeles, California. Cuantos buenos ratos hemos pasado escuchando este programa de la KCRW, que periódicamente emite conciertos de bandas actuales con un sonido totalmente excepcional.

Aunque muchas veces los artistas presentan versiones minimalistas de sus temas en este tipo de conciertos, Camera Obscura acudieron al programa con prácticamente todas sus armas y realizan una interpretación extraordinaria de muchos de los grandes temas de su último disco My Maudlin Career(2009).

Este es el cartel que desplegaron, incluida la entrevista:

1. Intro
2. Swans
3. Honey in the Sun
4. Forest and Sands
5. Interview
6. French Navy
7. James
8. Tougher Than the Rest
13. Outro
14. You Tell a Lie

Ya nos despachamos a gusto en su momento sobre este disco en particular y sobre Camara Obscura en general hace poco más de un año y, ya entonces, no dejamos lugar a dudas de que se trata de una de nuestras bandas favoritas, de nuestros buques insignia aquí en EL BOSQUE.

Eighties Fan, aquella tierna canción casi-perfecta que nos sorprendía a todos en aquel 2001...que delicia. Parece mentira que hayan pasado ya casi diez años.

Tracy Campbell, aquella tierna jovencita con aspecto inocente que surgía entre de entre las sábanas, ocultando sus ojos azules bajo el celuloide en blanco y negro, la cantaba a las mil maravillas, esa voz tan dulce, tan personal… Si, 10 años y ahí sigue, siendo una de las mejores compositoras e intérpretes de lo que llevamos de siglo y, lamentablemente, todavía habrá quien no la conozca.

Pero aquí está EL BOSQUE DEL POP al rescate, como superhéroe que cruza los cielos para salvarla, como barco que surca los mares en busca de tesoros…Hoy no nos hemos podido resistir a traeros a esta gema que os ayude a endulzar vuestras vidas.

Que maravilla. Disfrutadlo…

¡Como envidio a quién no conozca aún a Camera Obscura y los descubra ahora…!

Os dejamos con el concierto en la KCRW:

http://www.kcrw.com/music/programs/mb/mb090612camera_obscura

Lucky Soul - A Coming Of Age

Hoy tenemos con nosotros a Lucky Soul, una banda que ya nos deslumbró en 2007 con aquel fantástico The Great Unwanted. Ya teníamos ganas de presentarlos por aquí.

Lucky Soul es un quinteto de Greenwich (Inglaterra) y combina a la perfección la energía y luminosidad del pop con las vibraciones del soul, produciendo una mezcla que resulta totalmente adictiva, explosiva, y a la par, deliciosa.

Melodía, inspiración, elegancia y frescura están a la orden del día en sus composiciones. Que manera de dar en la diana una y otra vez, canción a canción. Nos quedamos impactados con esa habilidad de hacer parecer obvio y sencillo lo que no lo es tanto, con esa forma natural de resultar tan convincente.

Sencillez, inmediatez; canciones que lo dicen todo en dos o tres minutos; acordes sencillos y estribillo inolvidable; canciones que parece que hayamos oído antes por la obviedad que desprenden; canciones que nos resultan totalmente familiares. Parece fácil, pero no lo es tanto.

Pop clásico y resplandeciente, perfecto para estos coloridos días de primavera que ya se hacen notar, tratado con delicadeza, con encanto, como el que nos transmite la cantante Ali Howard, que se erige como integrante principal, pero es que detrás tenemos a una notable banda, en la que Andrew Laidlaw es el alma compositiva.

Canciones en blanco y negro, canciones en color...

Si queremos hacernos un poco idea de cómo es su música, cabría decir que tiene dos vertientes principales: por un lado, la de los grupos vocales de los sesenta, con sus coros, arreglos y excelentes melodías elaboradas hasta casi la perfección y, por otro, ese soul tipo Motown, que despliegan bandas como The Supremes.

Y ahora nos llegan con A Coming Of Age, el segundo álbum de nuestros Lucky Soul, donde vuelven a mostrar su puntería melódica, su habilidad con los arreglos y su facilidad para fabricar hits. Lleno de luces y también de contraluces; lleno de matices, pero uniforme; redondo, disfrutable y con el gran carácter de siempre: habilidad y agilidad para contactar con el oyente.

Dicen que con este disco, Lucky Soul alcanza su mayoría de edad. No creo que sea tanto así, ellos ya nacieron maduros, con tablas, con arte, con el clasicismo metido en sus venas y, a la vez, con ese sonido totalmente juvenil y fresco.

En definitiva, totalmente disfrutables, maravillosos y con una fórmula que funciona a la perfección: o te mueves sin quererlo con su ritmo o te hacen llorar con sus melodías evocadoras. Con Lucky Soul, podemos pasar fácilmente de la risa al llanto, como auténticos niños...

Vídeos

http://www.luckysoul.co.uk/videos

Enlaces

http://www.myspace.com/luckysoulluckysoul
http://www.luckysoul.co.uk/

Sambassadeur - European

Por fin podemos recibir la visita en el EL BOSQUE de una de nuestras bandas de pop favoritas de estos últimos años. Se trata de los suecos de francés nombre Sambassadeur.

Como curiosidad, decir que deben su nombre a que son fanáticos de Serge Gainsbourg y lo han sacado de una de sus canciones: ‘Les sambassadeurs’.

La música de esta banda es muy variada dentro del marco pop y, como tendréis ocasión de apreciar si investigáis un poco su obra, ha tocado varios palos y es capaz de transmitir muchas sensaciones.

En general, se desprende ese aroma lo-fi de las bandas que comienzan grabando maquetas en sus casas con precarios medios, guarecidos del frío y lluvioso clima nórdico, lo que se deja entrever en sus canciones, sobre todo en la primera etapa.

Es el genuino sabor del pop, en estado puro, y que surge de las ideas, de los intercambios, de los desvelos de noches sin dormir, de la complicidad de una sonrisa, de un gesto, de un abrazo, de los arrugados vasos de plástico desperdigados por ahí, de los papeles arrancados, de las largas charlas hasta el amanecer, de las camas sin hacer, de la niebla dentro y fuera de la habitación…

Ilusiones que se apagan y se encienden como vela mecida por el viento, sueños rotos, noches oscuras con ráfagas de luz, con atisbos de esperanza...

Fluyen los arreglos de guitarra, manan las bases e ideas electrónicas que las tecnologías actuales –por caseras que sean- ponen al alcance de los avezados jóvenes músicos y cuando hay talento, cuando hay ideas, se construyen grandes canciones.

Seguramente habrán muchas bandas que tratan de empezar así este arduo camino y tras una serie de conciertos, y un buen número de maquetas enviadas a discográficas, llega una compañía como Labrador y se interesa por ellos. Si se consigue algo así, se ha dado el primer gran paso. Es una especie de darwinaniana selección natural llevada al terreno de lo musical.

La música que hace Sambassadeur ante todo transmite ilusión, alegría, esperanza. Es música que yo disfruto mucho si viajo en tren mirando por la ventana el rápido discurrir de los árboles, las casas, los puentes, las nubes…O si voy andando por las calles a paso acelerado con una meta en la cabeza…es, en fin, una música que inyecta dentro de ti las convenientes dosis de alegría y decisión para llegar a los destinos que te marcas; surcas los mares o vuelas hacia ellos, con los ojos humedecidos por la emoción.

Y después de los aclamados Sambassadeur (2005) y Migration (2007), regresan ahora con European, su tercer disco, y es un trabajo aún más extrovertido. Se les ve seguros de si mismos, con un sonido ya consolidado, del que sigue emanando esa alegría por llegar a una meta, esa emoción que te invade ante una emocionante melodía, bien aderezada y pertrechada por grandes arreglos y texturas orquestales, adornadas por la carismática y sugerente voz de Anna Persson.

Lo importante es que consiguen crear estados de ánimo y transmiten muchas emociones, que es en definitiva lo que todo arte pretende. Sambassadeur ha alcanzado su madurez, es un regalo pop y creo que es el momento de que lo acojáis en vuestro reproductor musical.

http://www.myspace.com/sambassadeurtheband
http://sambassadeur.com/

The Morning Benders - Big Echo

Nos gusta mucho el pop en todas sus variantes y nos encanta su mestizaje con casi cualquier otra disciplina o estilo musical, tal como vamos proponiendo en nuestras periódicas reseñas aquí en EL BOSQUE, donde además tratamos de dar a conocer tesoros y joyas ocultas que vamos descubriendo y que queremos compartir con vosotros.

Pero si nos ponemos puristas, uno de nuestros estilos favoritos estaría sin duda muy bien representado por una canción como Excuses, la canción que abre el nuevo álbum de unos tales The Morning Benders y que se llama Big Echo.

Podemos deleitarnos con ella en el vídeo que hemos colocado al final de esta reseña, donde además hacen una interpretación muy especial de ella, reuniendo músicos de cuerda, un coro y algún que otro músico más o menos ilustre como Chris Owens de Girls o John Vanderslice y tocando todos juntos en un estudio, formando una gran banda que han llamado la Echo Chamber Orchestra, al estilo de las grabaciones que Phil Spector hacía en los años 60 o también podemos intuir a Brian Wilson dirigiendo a sus “boys” en alguna de sus sinfonías-pop o…al estilo de quien espera la visita del Sargento Peppers o…bueno, creo que ya es más que suficiente.

Que maravilla de canción y que gran trabajo con la instrumentación y los juegos de voces. Y aunque aquí no lo parezca, estamos en 2010 y se siguen haciendo tesoros como estos.

Pero...¿quién son estos The Morning Benders?

Son de San Francisco y cuentan que Chris Chu comenzó en el año 2005 como un proyecto en solitario, grabando sus canciones con un micrófono y un ordenador portátil. Pero las ideas iban fluyendo y aquello fue a más, se reclutaron más músicos con el propósito de formar una banda de pop-rock y queda finalmente formada por el propio Chris Chu (voz y guitarra), Julian Harmon (batería), Timothy Or(bajo) y Jonathan Chu (guitarra y teclados y hermano del primero).

Grabaron unos iniciales EPs, un disco de versiones, y mientras preparaban lo que iba a ser su primer disco: Talking Trhough Tin Cans (2008). Reminiscencias a pop-rock clásico de siempre; por ejemplo Kinks si miramos atrás, o unos The Shins si miramos hacia delante a una banda actual.

Pero he aquí que se fija en ellos Chris Tylor, de Grizzly Bear, una banda bastante conocida y respetada en el mundillo independiente y muy en la onda del pop-psicodélico y del cavernoso rock experimental. Chris Tylor participa en la producción del nuevo disco Big Echo.

Y en esa línea va el nuevo disco, el más lo-fi y sencillo pop-rock de su primer disco se torna más complejo, más elaborado, más cavernoso (si), más psicodélico (también) y con una mayor creación de atmósferas. Algo cambia, algo evoluciona, y la acogida del disco en Internet parece bastante buena.

Es un disco con un estilo muy marcado y que no es tan fácil de escuchar como pueda parecer cuando escuchas las tres primeras canciones. Pero os recomendamos que lo escuchéis con tranquilidad, con placer, con tiempo, con ganas de degustar poco a poco y veréis como surgen los detalles y la hermosura.


http://www.myspace.com/themorningbenders
http://www.themorningbenders.com/

She & Him - Volume Two

Hemos estado escuchando intensamente en los últimos días una enorme colección de canciones firmadas por She & Him bajo el título de Volume Two. Las escuchamos una y otra vez, y van perfectas con estos primeros días cálidos que esta tímida primavera empieza a presentarnos, aún intercalados con pequeños repuntes o amagos otoñales.

Ya nos enamoramos en su día de aquel Volumen One que editaron en 2008 y ahora vuelven con una segunda entrega en una línea similar, luego nuestras expectativas eran altas y para nada se han visto defraudadas.

Hoy nos visitan She & Him, el dúo formado por ese pedazo de músico llamado Matt Ward y por la cantante, compositora y guapa actriz Zooey Deschanel.

Matt (bajo el nombre de M. Ward) tiene una larga trayectoria musical a sus espaldas y es gran compositor, además de un excelente guitarrista. Tiene discos de enorme calidad: Transdfiguration of Vincent, Transitor Radio, Post-war o el reciente Hold-Time que edito el pasado año 2009. Os animamos a indagar en su discografía...

Matt aquí trabaja detrás de cámaras, creando la estruc­tura de las can­ciones, los riffs de guitarra, los arreglos y revistiéndolas con un traje de corte pop-rock-folk engañosa­mente sim­ple, en un marco de tipo clásico, pero que suenan alucinantemente frescas y atemporales.

Y Zooey Deschanel –también actriz, como decimos- aquí realiza uno de sus mejores papeles; su talento es exquisito y muestra una gran destreza, a la par que dulzura y encanto.

Esta combinación es tremenda y no suena a colaboración casual; las canciones adquieren un tinte muy fresco, directo, edulcorado –sin empalagar- y te hacen sonreír sin saber por qué. Son perfectas si estás enamorado, pero también lo son si no estás pasando por tus mejores momentos; te ayudarán a ver la vida de otro color, con su sonido alegre y ensoñador.

Además, entre las varias perlas del disco, nos encontramos con una versión del Gonna Get Along Without You Now de Skeeter Davis, con la que ya te quedas bastante prendado, y además clavan otra versión de New Rhythm and Blues Quartet (NRBQ), Ridin' in my car. Ya lo hiceron en su Volumen One. Nos encantan sus versiones, no son para nada pegotes en el disco ni tampoco son protagonistas del mismo.

No nos cansamos de escuchar a She & Him. Os aconsejamos que os hagáis con los dos volúmenes (One y Two) y que permitáis que os invadan un poco, que entren en vosotros y sean vuestra banda sonora por unos días.

http://www.myspace.com/sheandhim
http://www.sheandhim.com/

Nellie McKay Normal as Blueberry Pie:A Tribute to Doris Day

Lo que nos gusta de este arte llamado pop es que puede tomarse la licencia de flirtear con diversos mundos, diversos estilos y salir airoso de la experiencia. Al pop le hace bien el mestizaje, la mezcla con otras músicas y, si el artista sabe trasmitir, la mezcla resulta muy convincente.

Con rock, con el funk, con el soul, con la psicodelia, con lo electrónico, con el folk o, como en el caso de la artista que nos ocupa hoy, con el jazz. Vamos a degustar juntos esta vez una auténtica píldora jazz. Ya veréis como os gusta la experiencia…

Nos visita hoy Nellie McKay y, aunque algunos no la conozcáis, ya es una artista consolidada, con cuatro discos a su espalda, desde aquel gran trabajo Get Away From Me allá por 2004.

Quizá no sepáis que en la reciente película P.S. I love you (2007), Nellie interpreta a la hermana de la protagonista y, como no podía ser de otra manera, ha compuesto un tema para la película. Y también hemos podido escuchar su música en capítulos de las series Anatomía de Grey y Weeds.

Este último disco llamado Normal as Blueberry Pie: A Tribute To Doris Day (2009) es ya el cuarto de esta fantástica cantante, actriz y defensora activa de los animales. Es un tributo a su admirada cantante, actriz y también defensora de los animales Doris Day.

Las canciones de Nellie suenan enormemente personales, con ese aire de jazz vocal sobre el piano, ese optimismo descarado, rápido, sin aparente esfuerzo, esa voz hipnotizante, adaptable a una gran variedad de sonidos.

"Las personas que más van a necesitar este disco son las cínicas, Doris Day es tal bocanada de aire fresco... ¡no hay nada de malo en la belleza!", comenta Nellie McKay.

Sentimos, desde hace tiempo, una gran debilidad por Nellie McKay. A pesar de lo que pueda parecer en estos vídeos que proponemos, es más jazz que pop. No, no hemos pasado a ser el BOSQUE DEL JAZZ, pero es para nosotros un gran placer presentar, acercar a la gente que no la conozca, a esta gran artista y a esta gran persona.

P.S.: Nellie, EL BOSQUE loves you.

http://nelliemckay.com/
http://www.myspace.com/nelliemckay

The Bird and the Bee Ray Guns Are Not Just the Future

Como reseñábamos en su día, ya nos llamó bastante la atención el primer disco de The Bird and the Bee (2007), nuestros invitados de hoy aquí en EL BOSQUE.

Sin embargo, este nuevo disco está mucho más refinado y es definitivamente un paso adelante. Se nota como han crecido las composiciones y la voz de Inara George sigue siendo ensoñadora. Lleva por nombre Ray Guns Are Not Just the Future y vió la luz el pasado año 2009.

Segundo disco, pues, del dúo The Bird And The Bee, formado por la Inara George y Greg Kurstin. Al igual que en su debut, su repertorio muestra influencias varios tipos: pop 60’s, psicodelia, pop barroco, sunshine pop, etc. Y, aunque no del todo (ni lo deseamos) deja un poco ese aire juguetón o naif, porque sus composiciones se tornan más adultas, más serias, más consistentes.

La voz sedosa, cautivadora; el cuidado en los arreglos y el preciosismo melódico con tonos luminosos son características del disco. Encontramos auténticas delicias pop que nos extasían, alternadas por otros temas no de tan alto nivel, pero en ningún caso de relleno o aburridos.

El disco en general es de un animado pop sofisticado, con muchos toques electrónicos, que cruza el cabaret con trazos robóticos o con el lounge -esa variación del jazz que presenta ritmos sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada- o con armonías vocales o con pasajes más basados en sinuosos ritmos.

Hay muchos afectos altamente refinados y delicados en su propuesta pop. Hay también mucha magia y mucha ciencia-ficción en el ambiente. Pero es menester buscar los detalles, la belleza de su instrumentación, la atmósfera creada, la voz, sin dejar que la electrónica invada nuestro espacio vital para degustar las melodías.

Por cierto, el sonido del disco es fabuloso y hará las delicias de nuestro equipo de música.

Puede que 14 canciones sean muchas y quizá la cosa hubiera estado mejor con unas 11 ó 12, pero la verdad es que precisamente en el tramo final del disco hay grandes canciones que te dejan un regusto fabuloso y que hace crecer aún más el cómputo global del disco.

La reacción inmediata es querer volver a escucharlo una vez más… disfrútalo.


http://www.myspace.com/thebirdandthebee
http://www.thebirdandthebee.com/

Robert Forster – The Evangelist

Seguimos nuestra singladura aquí en EL BOSQUE, compartiendo descubrimientos y joyas del pop actual. Es esta una tarea que, como solemos decir, nos gusta hacerla despacito, con tranquilidad, con mucho mimo y con mucho amor, tomándonos el tiempo que se necesita para degustar cada una de ellas. Nada de atropelladas avalanchas de novedades que nuestros sentidos apenas tienen tiempo de digerir… al fin y al cabo, la música es para disfrutarla.

El disco que hoy os presentamos ve la luz en 2008 y tiene un sabor y una historia especial. Nunca se hubiera publicado como es si el destino hubiera decidido mirar para otro lado. Pero no lo hizo… y sus designios se llevaron acabo.

Robert Forster es, junto a Grant McLennan, el núcleo creativo de uno de los mejores grupo pop de los 80, The Go-Betweens. En 2006, cuando ambos músicos preparaban un nuevo disco para lo que sería la segunda etapa del grupo, Grant McLennan falleció, de repente, en su casa, a los 47 años. Deja ese vacío inexorable que cuesta comprender, que cuesta asimilar aunque sepamos que puede ocurrir, esa impotencia que se debate entre la injusticia y la desolación; ese concepto de “no-existe” que vuelve loca a toda mente que intenta acercarse a él.

Robert Forster, que había compartido muchos años y muchas historias con Grant, tuvo que hacerse a la idea de que forzosamente iba a tener que sacar un nuevo disco en solitario, una expresión nunca mejor utilizada. Quedaron algunas canciones compuestas a medias (tres salen en este disco) y al final se pergeñó The Evangelist, el disco que el destino esquivó, y la verdad es que ha quedado un trabajo enorme, una maravilla que todo aficionado al pop debería escuchar.

El disco tiene momentos sublimes combinados con otros de corte más clásica. Y el final del disco es sobrecogedor, con esa melodía que se nos antoja entre fantasmas y que te envuelve en un halo misterioso, a la vez que delicado.

No sólo debemos verlo como un homenaje. Es cierto que es un disco que sabe mirar al pasado y mezclarse con los fantasmas, pero que también suena totalmente actual y sabe mirar al futuro. Yo veo a un Robert Forster en plena forma, con muchas cosas que decir y se me hacen cortas estas diez soberbias canciones llenas de clase, de sobriedad, de marcado carácter y, en de todas ellas, se desprende un sentimiento que nos enamora.

Si, cosas como esta hacen que merezca la pena buscar, descubrir, sentir y permanecer enganchados a este arte llamado pop.


http://www.robertforster.net/

St. Vincent - Actor

Después de superar un poco la pequeña resaca que nos ha causado el excelente disco de Beach House, anterioremente comentado, queremos compartir hoy con vosotros nuestro último descubrimiento. Se trata de Annie Clark, quien firma sus trabajos como St. Vincent y su último disco llamado Actor (2009).

Se hace algo difícil describir este disco, pero vamos a meternos dentro de los enormes ojos verdes de Annie y vamos a intentarlo. Lo primero que vemos es que es un paseo por varios estilos, entrelazando una serie de historias muy bien construidas y llenas de exquisitos detalles, ora flotando en el ambiente, ora subterráneos y recónditos; historias que conviven todas ellas dentro de un mundo de arreglos orquestales muy elaborados, a veces un poco cambiantes, pero perfectamente logrados.

El repertorio es abundante y tenemos que estar preparados para los varios giros o vueltas de tuerca a los que vamos a asistir en el transcurso de este viaje. Unas veces tocará más nuestra fibra sensible que otras; es normal, pues sobrevuela distintos paisajes. Pero la sensación general al escuchar el disco es que según avanza va a más, se afianza; el vuelo es cada vez menos accidentado, más suave y apenas se notan ya las turbulencias.

Actor es una bomba sonora que tiene una gran riqueza musical, ya que en ella se dan cita grandes músicos y hay una también una gran producción. Transita por ambientes psicodélicos, viejos aires de jazz, muchos arreglos orquestales, momentos llenos de lirismo, pasajes con toques más ruidosos, e incluso funk quebrado o soul a la deriva. Pero la personalidad y la voz de Annie son el pegamento que da sentido y cohesión a la obra. En general, predominan las buenas melodías bien construidas, que viven muy bien acompañadas por un carrusel de detalles.

Annie Clark denota tener tablas y rodaje, ya que ha formado parte de la banda supernumerosa The Polyphonic Spree y ha participado también en las giras del fastuoso Illinois de Sufjan Stevens, interpretando guitarras, bajos y teclados.

Nos ha sorprendido gratamente este disco y os recomendamos que deshojéis su margarita lentamente, que lo escuchéis antentamente, pieza a pieza, grano a grano. De hecho, por más que lo intentamos, no podemos sacarlo de nuestro reproductor para dar paso al siguiente que tenemos pensado presentaros… habrá que seguir disfrutándolo.

http://www.myspace.com/stvincent http://www.ilovestvincent.com/