miércoles, 21 de diciembre de 2011

The Duckworth Lewis Method


Mientras recopilamos más novedades de lo mejor de este 2011, os vamos ha dejar con una de esas joyas ocultas que nos gastamos por aquí de vez en cuando. Os presentamos a The Duckworth Lewis Method.

Se trata de un disco de 2009, por lo que es bastante reciente. Es un proyecto formado por Neil Hannon -de nuestros adorados The Divine Comedy- y por su socio y compatriota irlandés Thomas Walsh.


Parecería que esto pudiera ser una aventura, un divertimento o alguna suerte de “rarities” para los más fans del amigo Neil, pero nada de eso… escuchadlo con interés, sin ideas preconcebidas, tema a tema y vais a comprobar realmente es un disco de pop enorme y es que parece que todo lo que toca Mr. Hannon lo convierte en oro.

Os dejamos en su compañía, ya nos contaréis…


The Nightwatchman

Mason On The Boundary

jueves, 17 de noviembre de 2011

Death Cab For Cutie – Codes and Keys


Sin duda estamos ante una de las bandas más emblemáticas, respetadas y con más personalidad dentro del panorama pop-rock alternativo, ese campo donde encontramos tantas cosas que nos gustan, el mismo que no entendemos como no es más conocido y en el que tanto nos gusta transitar, descubrir y compartir para que tú lo conozcas mejor y lo disfrutes, porque hay joyas como esta que ningún aficionado al pop debería perderse.

Hablamos de Death Cab For Cutie, grandes señores del pop desde inicios de este siglo, gracias a verdaderos discazos como ‘The Photo Album’ (2001) o ‘Transatlanticism’ (2003). Posteriormente pasan a una multinacional para editar nuevos grandes discos como ‘Plans’ (2005) y ‘Narrow Stairs‘ (2008), del que ya nos hacíamos eco en su día aquí en EL BOSQUE.

Ben Gibard es un tremendo y carismático músico, con una forma de interpretar totalmente identificable. Gibbard no es sólo un gran compositor sino que crece en cada disco como arreglista, experimentador y como buscador de las posibilidades que ofrece un estudio musical.

Paralelamente, en 2003, participó en un proyecto de corte electrónico con el productor Jimmy Tamborello que se dió en llamar The Postal Service. Hicieron un disco que se llamó Give Up y que fue uno de los grandes del año. Incluso se dice que la discográfica que lo editó (Sub Pop) no vendía tanto desde la época en la que Nirvana lanzase su disco de debut también en esta misma compañía.

Death Cab For Cutie tiene claramente una orientación más pop–rock y que a nosotros nos gusta más. Álbum tras álbum se superan las composiciones frescas y directas y la banda hace enormes discos y grandes temas avalan su trayectoria. Os recomendamos encarecidamente que, si tenéis un ratito, os hagáis un viaje a través de su discografía.

Y en este Codes and Keys (2011) no se quedan atrás. Verdaderamente, el disco es una auténtica maravilla y no sé cómo hemos podido tardar tanto en traerlo por aquí. Habrá quien piense que no supera discos pasados como 'Transatlanticism’ (considerada su obra maestra), pero no es menester lapidarse buscando comparaciones o volviendo la vista atrás.

Disfrutemos este disco Codes and Keys, es realmente tremendo y tiene un sonido increíble, marca de la casa. Nosotros no nos cansamos de oírlo, de explorar todos sus rincones, sus propuestas y siempre encontramos sorpresas.

Vídeos

lunes, 15 de agosto de 2011

Herman Düne - Strange Moosic


Herman Düne es el típico grupo que dicho así, según suena, nadie parece conocer, pero que una vez indagas en su música, empiezas a ver que realmente sí que has escuchado muchas de sus canciones, sólo que no sabías que eran ellos los autores.

Está formado por los hermanos David- Ivar y Néman Herman Düne, tras la marcha del otro hermano André Herman Düne (que siguió en solitario bajo el nombre de Stanley Brinks) y que inexplicablemente se llevó la diéresis de la “u” de Düne. Sin embargo, nosotros hemos preferido seguirles denominando en su forma clásica con los dos puntitos sobre la “u”, porque así los vas a encontrar mayoritariamente si buscas más referencias de la banda por la red.

La historia de Herman Düne es un poco confusa y cuanto más lees sobre ellos más te puedes liar según las fuentes consultadas.

Por si tenéis curiosidad, a continuación van los datos que hemos encontrado sobre la saga Düne. El guitarrista y cantante David-Ivar formó junto a su hermano André el grupo hace más de diez años, pero la sonada salida de éste en 2006 (ahora Stanley Brinks), con la comentada pérdida de la diéresis en el nombre incluida, convirtió el trío de hermanos en dúo... formación que se mantiene en la actualidad. La nacionalidad de cada uno de los hermanos ha generado mucha confusión con el origen del grupo ya que David-Ivar nació en Suecia y Néman en Suiza pero, definitivamente, el dúo quiere a todos los efectos considerarse parisino, aunque durante una época se les sitúa  residiendo en NY. En fin, no solemos hacer biografías de los músicos que nos visitan, que sobradamente se pueden encontrar en Internet, pero el caso de los Düne es especialmente enrevesado y ya era un poco por cabezonería. Incluso, he llegado a leer que realmente no son hermanos… ¿Alguien puede aclarar más datos sobre el tema o indicarnos si los  que hemos expuesto están en lo cierto?

Bueno,  vamos con la música y con las canciones, que es lo nuestro. Su estilo es muy reconocible y, cuando los oyes la primera vez, enseguida crees haberlos oído antes. Y probablemente sea cierto, pues ya llevan al menos once años en el mercado y tienen un montón de discos y de hits. Sin ir más lejos el pegadizo I Wish That I Could See You Soon, cuya música suena en el anuncio de una cerveza popular.

Sonoro éxito. Sin embargo sus canciones no pueden ser más normales, con una instrumentación bastante clásica, basándose en guitarras (limpias, sin distorsión), bajo, batería y la muy personal, optimista y peculiar voz de David-Ivar. Muchos de sus temas con ese sello de identidad que les da ese toque de ukelele, o las percusiones con cierto aire tropical.

En esta última entrega llamada Strange Moosic (2011) la banda no recurre tanto a los ritmos reggae ni a los instrumentos de viento y da más  preeminencia a sus guitarras. Los temas transcurren suavemente con muchas acústicas, o a veces con más electricidad de por medio, pero siempre con ritmos agradables al oído, muchos coros y estribillos que atrapan y enamoran en su primera escucha. Sus melodías están hechas con sencillez, humildad y sin avergonzarse de ello; transmiten inmediatez, pureza… y realmente tienen algo que te hace sentir bien al escucharlas.

Sólo tenéis que ver el fantástico vídeo protagonizado por un peluche azul para quedar seguramente prendados por su música. Y es que ese Tell Me Somenthing I Don’t Know, es una maravilla. Una de las mejores canciones del año.

Incluso, puestos a leer, he leído comentarios que hablan de Herman Düne como una de las mejores bandas del mundo… ¿Es para tanto? Seguramente sea un poco exagerado, pero os puedo asegurar que tienen momentos de inspiración en su obra que me han hecho pensar un poco en esa pregunta…








jueves, 11 de agosto de 2011

Ladybug Transistor - Clutching Stems


Nos complace recibir hoy a una de nuestras bandas favoritas de los últimos años: The Ladybug Transistor. Los de Brooklyn llevan quince años haciendo enormes discos, grandes canciones  y elaborando preciosas melodías, siempre a la búsqueda de la canción perfecta.

Regresan después de 4 años con este Clutching Stems (2011) y, de nuevo,  con canciones POP absolutamente magistrales, como lo es la misma Clutching Stems o la maravillosa Oh Cristina, por destacar las que más nos han impactado en las primeras escuchas, si bien el tono de todo el disco es muy compacto y en general está realmente muy logrado.

Parecen seguir, como nos gusta decir por aquí, a la búsqueda de la canción perfecta y no deben de saber que ya la encontraron varias veces antes en su ya larga trayectoria de 15 años y 7 discos… y mejor que así sea, que la sigan buscando y nos continúen ofreciendo  joyas como estas, aunque espacien sus trabajos algunos años. No nos importa, sabemos esperar...

Clutching Stems no puede empezar mejor, y es que el tema que abre, y da título al álbum, es una de las mejores canciones pop que hemos degustado este año; siendo un tema sencillo, sin muchos alardes, tiene un toque melódico y un punto realmente vibrante, con una gran interpretación por parte de Gary Olson, una de las voces masculinas con mejor timbre del pop actual. Sólo los grandes cocineros del pop saben extraer esos toques de su talento y convertir lo sencillo en emocionante.



Aunque quizá mucha gente no conozca a Ladybug Transistor, nosotros hemos de hacernos eco y reivindicar su obra desde aquí, porque nos han ofrecido a lo largo de su carrera enormes discos  y que ningún amante del buen pop debería obviar. Es uno de los sentidos que tiene este espacio y, si alguien puede descubrir algo nuevo que le emocione gracias a nosotros, nuestro trabajo habrá merecido la pena.


Esperamos que los disfrutéis tanto como nosotros, y sentimos sana envidia por aquellos que aún no los hayan descubierto,  porque les quedan apetitosos pasteles por degustar.





Today Knows

http://www.myspace.com/marlboroughfarms

  http://www.facebook.com/ladybug.transistor

martes, 19 de julio de 2011

East River Pipe - We Live in Rented Rooms

Hace ahora unos 5 años que F.M. Cornog, quien firma sus trabajos bajo el pseudónimo East River Pipe, no se prodigaba con un nuevo trabajo, desde aquel What Are You On? (2006)  y nos hemos alegrado enormemente de tener noticias de un nuevo disco suyo.

Al poco de iniciar nuestra andadura aquí en EL BOSQUE, ya tratamos de descubrir a este artista y escribimos una reseña especial a modo de cuento con princesa incluída, si bien aquí ella no es la rescatada, sino la rescatadora... y, aunque algo fabulado, está basado en la realidad. No, F.M. Cornog no tuvo una vida fácil pero, afortunadamente, se recuperó y  volvió a ella de nuevo  para dejarnos auténticas joyas musicales. No sabemos si existe  el destino pero, en este caso, le damos las gracias…

Su nuevo disco llamado We Live In Rented Rooms (2011) no nos ha decepcionado en absoluto. Continúa la línea de sus trabajos anteriores, dejando canciones desnudas con sabor hogareño y que sigue construyendo él mismo en su laboratorio,  en el mini estudio que tiene en su casa donde él toca absolutamente todo.
Música de autor, íntima, que acaricia el oído, que contagia melancolía, nostalgia e irradia belleza por doquier. Melodías delicadas, casi perfectas, que rozan en ocasiones lo sublime. Imagino lo que debe disfrutar en su mesa de mezclas, poniendo cada elemento en el lugar indicado: arreglos de guitarras por aquí, pianos por allá, teclados, sintetizadores,  xilófono y flotando por encima el sutil toque de su voz, siempre  jugueteando con el control de la reverberación.

Es ya su séptimo álbum -ahí es nada- y, como todos, es tremendamente carismático, delicado, emocionante y de una gran belleza. East River Pipe  es uno de nuestros mejores descubrimientos y os invitamos a que escudriñéis su obra. Es una auténtica delicia.
Os dejamos con algunos de los mejores momentos de su último trabajo. Disfrutadlo.




jueves, 14 de julio de 2011

Sara Lov – I Already Love You

Sara Lov. Sin duda, una de nuestras artistas favoritas y uno de los descubrimientos que más nos enorgullece haber realizado en EL BOSQUE. Los que nos seguís habitualmente lo sabéis… y mucho hemos tardado en invitar a nuestra casa a su nuevo trabajo.

Nos encanta tanto su etapa con Devics como su carrera en solitario y de ambas nos hemos hecho eco en este espacio. Incluso le hicimos participar en nuestra selección especial de vídeos relacionados con dibujos animados. Por ello, no es necesario que volvamos a redundar en hablar del trabajo de Sara Lov ni volver a expresar nuestra debilidad por esta artista, su música y su sutil voz. Os recomendamos que leáis los enlaces que hemos puesto en este párrafo.

Y siempre nos gustaron también mucho las versiones que Sara Lov realiza de temas de otros artistas: My Body Is A Cage de los Arcade Fire ha sido cabecera de nuestro blog durante mucho tiempo. Le recuperamos a continuación para todos vosotros:


Para su nueva producción, Sara ha tomado prestadas una serie de sus canciones favoritas de otros artistas y las ha mezclado con delicada esencia, adaptándolas a su propia personalidad.

Todas las canciones hablan de amor, protagonista de este disco llamado disco I Aready Love You (2011)  y a nosotros nos logra enamorar de nuevo.

No os desvelamos la lista de canciones, mejor es que tengáis el placer descubrirlas por vosotros mismos. El repertorio es muy variado y todas son excelentes. En especial, nos ha sorprendido muy gratamente que se haya fijado en el disco 69 Love Songs de los Magnetic Fields (hace una versión del tema Papa Was a Rodeo), un disco triple con 69 canciones de amor y una de las joyas del pop de siempre.

El resultado obtenido con esta selección de canciones nos ha parecido más que satisfactorio, quizá se nos hace algo corto… y nos deja con la miel en los labios a la espera de nuevo material propio ya sea con Devics o en solitario.

Estamos disfrutando mucho con este disco, a pesar de que somos conscientes de que no inventa nada nuevo. Sara siempre sabe tocar nuestra fibra sensible y su timbre de voz es evocador. En la medida de lo posible deberíamos intentar, con la ayuda de Sara, que el amor sea el protagonista de nuestras vidas, en cualquiera de sus variantes, en cualquiera de sus manifestaciones…


Aquí os dejamos unos vídeos con la interpretación simplista -que no simple- de dos de esas canciones en directo, con la voz desnuda, sin arreglos y tan sólo arropada por tres instrumentos de cuerda y la percusión.





 

martes, 12 de julio de 2011

Jonathan Jeremiah – A Solitary man


Hoy os traemos a un invitado muy especial. Una de esas maravillas que, lamentablemente, es muy difícil descubrir a no ser que te pases día y noche escudriñando incluso bajo los fondos marinos o a  menos que alguien te dé un buen soplo… como ha sido nuestro caso, gracias a una buena y también especial amiga de EL BOSQUE.

Y en el momento que algo nos encanta, enamora, nos impacta o nos hipnotiza, aquí estamos de inmediato para compartirlo con todos vosotros. Amigos, queremos descubriros un disco llamado Solitary Man (2011) de Jonathan Jeremiah, cuyo nombre me cuesta escribir y siempre tengo que acabar comprobando si lo he conseguido poner bien...

A juzgar por la portada, no sería un disco que nos hubiera llamado la atención. Enseguida nos asaltan los malditos prejuicios que, en muchas ocasiones, no hacen sino ocultar la realidad y evitan que tengamos acceso a cosas que nos sorprenderían. Y esto no sólo sucede con la música, sino que es extrapolable a la realidad que vivimos cada día y a nuestras relaciones personales.

Pero volvamos con la música, que es lo nuestro. Y en este disco de Jonathan Jeremiah la hay a raudales y de qué manera. Os lo podemos asegurar.

Voz masculina, sugerente, cálida y muy convincente. Temas que desprenden melancolía con suntuosos arreglos orquestales junto con temas totalmente vigorosos, épicos y emocionantes, sonando a clásico, como  si llevara un montón de discos a sus espaldas;  contundencia, personalidad, canciones tremendas, muy bien construidas y magistralmente interpretadas, en general, alrededor de trinomio pop-folk-soul.

Podríamos hincharnos a dar referencias pero yo creo que lo mejor es escucharlo. Un disco de repertorio muy variado, bien estructurado y que no te va defraudar en absoluto. A mi me ha dejado con la boca abierta y creo que va a ser uno de mis discos favoritos para escuchar este verano…

Y mejor que tanta palabrería, que vanamente intenta describir lo difícilmente descriptible, os dejamos con algunos vídeos para que podáis comprobar por vosotros mismos la maravillosa música que alberga este disco.







 

lunes, 20 de junio de 2011

Elbow - Build a Rocket Boys!


Elbow son un claro ejemplo de perseverancia. Desde aquel Asleep In The Back (2001) han pasado 10 años y nunca han dejado de dar muestras de su enorme calidad, talento y carisma... disco tras disco.

Por fin lograba Elbow en 2008 recoger los merecidos frutos, con su magnífico disco The Seldom Seen Kid,  por el que recibió el Mercury Prize además de ocupar el primer puesto de los mejores discos de ese año en muchos medios. Nos encantó ese disco y ya lo resñábamos en su momento. Su música se abría un tanto y les acercaba a un abanico de público más amplio.

Una vez hubieron conseguido alcanzar las mieles del éxito, teníamos curiosidad por ver y escuchar lo que Elbow iba a hacer a partir de entonces.  Nos preguntábamos…  ¿van a poder mantener un listón tan alto?

Pues bien, ya ha llegado el momento, pues tenemos ante nosotros a su quinto trabajo: Build a Rocket Boys!  Y, por suerte, podemos constatar que aquí hay más trabajo sólido en la misma onda y, en ocasiones, incluso con matices mejorados. Experiencia, personalidad, arte y oficio no faltan.

Siguen siendo canciones que iluminan los espacios vacíos; siempre esas estructuras cristalinas, expansivas, guitarras sinuosas, bajos introspectivos, teclados perfectos, goteados y siempre atinados; bellas y texturadas atmósferas, sobrecogedores coros, una pequeña dosis de experimentación y la voz histriónica de Guy Garvey, un verdadero instrumento más… Es además una de esas voces con tanto carisma y personalidad que nada sería igual sin ella.

La verdad es que suenan de locura, sólidos, con clase, al estilo de aquellas superbandas que pululaban las flores de los 70. Música intensa y de aromas progresivos, pero que no renuncian a nada y son innumerables los matices que despliegan. Preparaos a descubrilos...

Build a rocket boys! puede que requiera algo de paciencia al principio, es decir, no es un disco fácil que entre a la primera, sino que requiere varias escuchas para tomarle bien el pulso. Después notas que se va adhiriendo lentamente como melaza a nuestro reproductor y creo que un tiempo va ser costoso despegarlo de él.







jueves, 9 de junio de 2011

Fleet Foxes - Helplessness Blues

Hace ahora tres años, desde Seattle, irrumpía en el panorama musical una banda que respondía al nombre de Fleet Foxes. Muy pronto se convertirían en un fenómeno musical y -algo que  muy es difícil- casi todas las revistas musicales especializadas encumbraban a su disco de debut entre el primer y segundo puesto en sus selecciones de lo mejor del año y hablaban de ellos como la gran revelación de la temporada.

Para nosotros tampoco pasó desapercibido ese disco y lo reseñamos como uno de los mejores de ese año 2008.

Y en 2011 Fleet Foxes se enfrentan contra ellos mismos, porque somos muchos los que esperamos que no defrauden las altas expectativas que nos crearon con su primer trabajo. Tenían que demostrar que no se trataba de lo que se conoce como un nuevo hype, es decir, que no eran uno de esos productos musicales de nuevas tendencias arropado por orquestadas campañas de publicidad o marketing, sin que verdaderamente debajo de todo ello haya verdadera sustancia musical.

Pero su nuevo trabajo llamado Helplessness Blues despeja las dudas. Vuelven a hacer todo un señor disco, con grandes toques de instrumentación y arreglos, perfectas  armonías vocales y una gran inspiración creativa. Han tratado por todos los medios de demostrar que son mucho más que una moda y, si ya nos convencieron con su primer disco, lo vuelven a hacer ahora con creces. Están entre las mejores bandas que existen ahora mismo,

Robin Pecknold, líder de la banda, ha retrasado varias veces la salida del disco, previsto para principios de 2010, pues ha querido repasar y repensar una y otra vez, junto al resto de la banda, los arreglos y la composición de varias de las canciones que componen esta magna y cohesionada obra.

Nos encanta el disco y el estilo de música que hacen. Un fascinante viaje en el tiempo donde la armonía folk de herencia californiana se casa con cuidadosos trazos impresionistas de góspel y blues, con toques incluso jazzísticos en ocasiones, con una gran variedad instrumental y de recursos; todo ello sin dejar de sonar naturales, dando muestras del mejor pop vibrante y espontáneo, siempre emocionante y evocador.

Os recomendamos investigar y escudriñar este gran disco. Tened los oídos abiertos y sólo haréis que descubrir maravillas. Pasará mucho tiempo hasta que podamos disfrutar de otro disco así…







Montezuma



martes, 31 de mayo de 2011

Deerhunter - Halcyon Digest

EL BOSQUE se complace en recibir hoy una visita muy especial. De seguir facturando obras de esta guisa, vamos a tener que hablar de Deerhunter como la mejor banda de los últimos años.

Bradford Cox es un auténtico genio y lo ha vuelto a demostrar con este trabajo. Después del aclamado Cryptograms (2007), que a nosotros no nos había acabado de entrar, alabábamos el cambio que Deerhunter habían dado en su anterior trabajo Microcastle/Weird Era Continued (2008), aquella maravilla de disco, del que ya nos hacíamos eco por aquí en su día.

Pues cuando apenas nos habíamos recuperado del evento, teníamos ante nosotros una nueva joya que nada tiene que envidarle. Lleva por nombre Halcyon Digest (2010) y aún no salimos de nuestro asombro. Es un auténtico discazo. Y entremedias, ese disco de Atlas Sound llamado Logos, que causó un gran reevuelo  durante el 2009. Sin duda, Mr. Cox parce estar en un gran momento de creatividad inagotable.

Pero vamos con Halcyon Digest, nuestro disco invitado hoy y con todos lo honores. Lo hemos escuchado con atención varias veces y nos hemos quedado atónitos, sin habla, con la boca completamente abierta, sin capacidad de reacción, pero con toda la energía contenida para tratar de expresarla y compartirla en este espacio, con la esperanza de poder descubrir a alguien más este disco y que pueda disfrutarlo tanto como nosotros.

¿Qué nos vamos a encontrar? Parece que la inspiración de Bradford Cox puede con todo y en Halcyon Digest entramos material muy prolífico, pero dividido en tres distintas facetas: la experimental y menos comercial, la faceta más pop y asequible, incluso psicodélica que hace nuestras delicias y, por último, esa energía propia del rock de los 70.

Podemos estar tentados a pensar que va ser difícil que puedan superar un disco como este, pero no nos atrevemos a afirmarlo. Ya nos equivocamos cuando pensamos eso mismo de su anterior Microcastle.

Sea cual fuere el siguiente paso en la trayectoria de Deerhunter, vamos a dejarnos llevar por la presente obra maestra, a descubrirla, a desmenuzarla y a degustarla lentamente. La ocasión lo merece, de verdad.

Desire Lines

Helicopter



lunes, 30 de mayo de 2011

The Walkmen - Lisbon

The Walkmen es de esos grupos prolíficos, pues ha sido en 2008 cuando lanzó su aplaudido You & Me (2008) y en 2010 nos dejaron ya este magnífico Lisbon.

Lisbon es un disco corto pero muy motivado, enérgico, humano, como salido del mismo corazón de su autor. En algunos pasajes del mismo puede parecer algo previsible e incluso algo agreste pero, en otros, es auténticamente deslumbrante. Guitarras envolventes y sobresalientes compases de batería, crean una atmósfera sobre la que flota la desgarrada voz de su líder Hamilton Leithauser

El cuarteto neoyorquino imprime una gran energía en la interpretación de su música, una gran pasión y hace que suene totalmente creíble, identificable, con gran personalidad.

Con esta honesta y sincera forma de hacer música, pareciera que The Walkmen no tienen ninguna prisa por convertirse en los más famosos, sino que más bien su anhelo es ser los más apreciados.

Lisbon es uno de nuestros discos favoritos del pasado año y que estamos rescatando en estos días, escuchándolo una vez tras otra, sin parar, hasta provocar que salga humo de nuestro reproductor. Porque a este disco hay que escucharlo varias veces y poner atención, apreciando sus cambios de ritmo e ignorando sus -a veces- aparentes experimentos. Sólo así podremos descubrir su belleza. No es un disco perfecto, pero se echa ver que tampoco lo pretende.


viernes, 27 de mayo de 2011

Acid House Kings - Music Sounds Better With You


Ya hicimos una gran reseña de Acid House Kings hace un algún tiempo y dejamos constancia en ella de que nos encanta el pop que realizan. De nuevo es una maravilla escucharlo y no debemos dejarnos influenciar por prejuicios extraños, por la apariencias o por las portadas banales que suelen esgrimir en sus trabajos.

Ya estábamos esperando con ansiedad este nuevo disco de Acid House Kings, el tercero, que se ha hecho esperar casi 6 años, mientras Johan Angergård estaba trabajando también en otros de sus varios proyectos.

Una nueva colección de grandes canciones de pop dulce, casi infantil, sencillo y, a pesar de ello, unas melodías tremendas, directas y definidas, que puedes tararear durante un tiempo casi indefinido. No me canso de escucharlas y es algo que ya me pasaba con sus anteriores discos. Sigo pensando que Johan Angergård es un gran compositor y la prueba es que sus canciones no sufren desgaste. Cuanto más las escuchas, más te gustan. Y la delicada voz de Julia Lannerheim completa un trabajo, una vez más, exquisito. Deja volar tu mente.

Es una música que levanta el ánimo y que nos representa alegría, optimismo y felicidad. Las melodías están muy bien construidas y los instrumentos y las voces se combinan a la perfección.

Son como mañanas radiantes de primavera…

Y para celebrar que Acid House Kings vuelven a estar con nosotros, vamos a decorar nuestro blog  -cual árbol de Navidad- con varias de sus maravillosas canciones atemporales (las que ofrece el Sello Labrador) y vosotros mismos vais a poder comprobar la sensualidad y la  hermosura que se desprende de ellas. Disfrutadlo...

Empezamos con el vídeo de Would you say stop? de su último disco.



Y continuamos con tres canciones más (que maravilla):

Sunday Morning

This Heart Is A Stone

Tonight Forever

sábado, 5 de febrero de 2011

Ariel Pink’s Haunted Graffiti - Before Today


El disco que os traemos hoy ha revolucionado el panorama musical durante el año pasado. Guste o no, ha sido la auténtica sorpresa del año, la auténtica sensación, y hemos podido ver como numerosas listas y numerosas revistas musicales le encumbraban entre los mejores 10 discos del año, como por ejemplo ese gran referente denominado Pitchfork.

Nos estamos refiriendo al disco Before Today (2010) de Ariel Pink’s Haunted Graffiti, como se ha dado en llamar este proyecto musical.
 
Desde luego no ha pasado desapercibido y ha levantado gran expectación. Y si bien la mayoría de deshacía en elogios para este disco, otros no dudaban en decir que no había para tanto y acusaban a sus defensores como a aquellos que gustan de descubrir genios debajo de las piedras, aquellos que tienen por oficio el “rebuscar vanguardias” para ofrecer y con las que tratar de impactar.

Pero no caigamos en el lado de quienes no ven más que un pretencioso ejercicio de supuesta fascinación vanguardista. La verdad es pudiera parecerlo en una primera escucha, pero si nos metemos dentro del disco y lo escuchamos despojados de lecturas, complejos, dimes y diretes, la música es que descubriremos es puro pop con toda su fuerza y con todo su brillo.

No es el disco del año, y puede que no sean para muchos canciones digeribles, gráciles y facilonas al uso, pero pensamos que realmente es un gran trabajo y tiene temas que lo bordan literalmente, aunque el estilo general de la obra quede un poco indefinido.

Nuestra impresión es que Ariel Pink (Ariel Marcus Rosenberg), viejo músico dedicado al lo-fi, al sonido casero, a lo maquetero, a la experimentación, a lo “garagero”, a la mezcla de estilos… de repente… se hubiera tomado una especie de venganza y hubiera dicho “aquí estoy yo” y esto es lo que soy capaz de hacer. Y le ha salido esta pequeña obra de arte pop-rock. No podemos negarlo…

Realmente se trata de una cantidad de estilos fusionados y entremezclados que es casi imposible de encasillar, si bien podemos decir que flirtea mucho con el pop psicodélico y con lo naif, pero también con las melodías soleadas, con el rock setentero y hasta con el post punk.

Sin duda es uno de los grandes discos aparecidos últimamente y que, dentro de su estilo, ha aunado más adeptos y gusta más cuanto más lo escuchas.

¿Volverá Ariel Pink a repetir un trabajo como este? No lo sabemos… pero mientras podamos, disfrutemos del presente...




Round and Round

viernes, 28 de enero de 2011

MGMT – Congratulations

 
En contraste con el anaranjado cielo del ocaso, allá en lontananza, se divisa el planeo suave de una especie de platillo volante que, de repente, se eleva y se cierne sobre la copas de los árboles de nuestro BOSQUE. Ya llegan… ya están aquí… ¿estaremos soñando? En un lateral del artefacto volador se puede leer una inscripción: MGMT.

El cielo se ha vuelto rosado y las ramas de los árboles apenas se mueven, como atónitas, como petrificadas  por el espectáculo. La nave desciende lentamente, suavemente, sin aparente esfuerzo… y comienzan a sonar las notas del disco llamado Congratulations, uno de nuestros favoritos del 2.010 y el que más nos ha sorprendido.

No sé por que tanta extrañeza, pues ya su anterior Oracular Spectacular (2007) fue considerado por muchos medios como el mejor álbum del año. Era realmente bueno, pero no nos entraba como la hace este, pues estaba menos cohesionado, parecía más orientado al hit, quizá más a la búsqueda de ritmos más comerciales y de éxito, que desde luego obtuvieron.

Pero nos gusta mucho más el paso adelante que han dado con este Congratulations. Por supuesto, David Bowie y los 70 siguen siendo una referencia muy clara en su sonido, pero se meten más de lleno en el mundo de la psicodelia, sonando más parecidos a bandas como Flaming Lips y Of Montreal, por citar dos referencias actuales.

Nos encanta el disco y nos ha sorprendido gratamente. Sin perder la coherencia, toca muchos palos y es un trabajo muy rico y muy bien definido. Cuando llegas a la canción I  Found A Wishtle un mar de sonido invade tu reproductor y tus sentidos. Se forma una cascada de sonido que te hace caer al abismo de la perfección que supone una pieza como Siberian Breaks. A pesar de su larga duración, no aburre; es más, es pura adicción. Doce minutos épicos de variaciones, cambios de tercio, muy buen pop y también un poco de electrónica, donde se van mezclando sonidos, estilos, ritmos. Una obra de arte; pura orfebrería. Estos son para nosotros los mejores momentos del disco, pero es que tiene muchos otros que vas a ir apreciando.

El disco entero tiene un sonido tan añejo como contemporáneo y muy bien logrado, desde lo surrealista a lo melancólico, a lo melódico, con bases ricas en instrumentación varia, cuerdas y coros por doquier; con fragmentos instrumentales, con momentos pop clásicos, con ráfagas de rock y de electrónica. En fin, difícil de describir, mejor escucharlo y hacerlo varias veces, porque va a ir creciendo con las escuchas.


El platillo volante, que había aterrizado en un  claro del BOSQUE, se eleva hacia el lago que hay junto al mismo. Una vez alcanza el cénit del ya oscurecido cielo, desparece fugazmente sin dejar el menor rastro, tan rápido como ha venido; tan sólo queda un círculo de hierba aplastada,  aún caliente y… flotando en el aire, las aterciopeladas notas que ya se difuminan de Congratulations, la canción que cierra el disco y que le da título.

Gracias por la visita, MGMT... Hasta pronto.

Y, ahora, os pinchamos dos de los mejores temas del disco (literalmente, pues la fuente es un vinilo que dicen los puristas que tiene un sonido más fresco y real).



jueves, 20 de enero de 2011

Wild Nothing – Gemini


Seguimos revisando los mejores discos del pasado 2.010 y hoy os vamos a presentar a este Gemini, el primer disco una nueva banda llamada Wild Nothing, sin duda uno de los mejores discos de debut del año.

Nos es placenteramente grato comprobar como siempre surgen nuevos músicos capaces de fabricar buen pop y que esto no se detiene, a pesar de lo que mucha gente pueda pensar, anclados en la errónea creencia de que en este mundillo ya está todo inventado.

Descubrir grupos como Wild Nothing nos da fuerza e ilusión para seguir buscando nuevos tesoros que poder compartir con todos vosotros, nuestra particular familia de bosquimanos...

Y, si no, prestad atención a la canción que abre este disco: Live In Dreams. Es realmente buena, de lo mejor que hemos escuchado en todo el año.


Pero… ¿cómo es la propuesta musical de Wild Nothing? Por un lado hay un poco de shoegaze, esa base algo nublosa de guitarras sobre las que flotan las melodías;  por otro lado, dosis de dream pop. Hay electrónica, atmósferas de ensueño,  voces cargadas de eco;  hay guitarras que ora transmiten ritmo, ora están impregnadas en cierta melancolía;  12 canciones, en fin,  para saborear, para desmenuzar, para explorar distintos  universos...

Si queremos tirar de referencias actuales, podríamos calificar el sonido de Wild Nothing como una suerte de mezcla que va desde Beach House hasta Radio Dept., ambos viejos conocidos aquí en EL BOSQUE. Pero sólo lo indicamos a modo de idea, porque aquí además hay otros matices distintos.

Gemini, el álbum que hoy nos visita, no podemos decir que haya sido el disco del año pero hay materia prima suficiente y se desprenden ideas e ilusión. Una gran salida de un prometedor proyecto que podría consagrarse en el futuro si continúan su evolución partiendo de esta gran base. De momento, siguen con un muy buen nivel que puede apreciarse en ‘Golden Haze’, su último EP. Excelentes.





Golden Haze
 
http://www.myspace.com/wildnothing
 

viernes, 14 de enero de 2011

Northern Portrait - Criminal Art Lovers


Hoy traemos más medicina de la que nos gusta aquí en EL BOSQUE, un auténtico pildorazo pop sin complejos, directo y sin disimulos. Desde Dinamarca nos visitan Norhern Portrait.

Trás un par de excelentes EPs  publicados en el 2008, The Fallen Aristocracy y Napoleon Sweetheart, ahora editan su primer disco Criminal Art Lovers (2010).

Pop con guitarras de manual, pero muy adictivo y agradable de escuchar para los amantes de este tipo de pop fresco y directo. No siempre es preciso escuchar cosas elaboradas y complicadas que nos hagan pensar o que tengamos que oír varias veces para comenzar a disfrutarlo. En ocasiones, nuestro estado de ánimo nos demanda algo menos sofisticado, más digerible, y sólo espera entretenimiento.

El disco es bueno en general y tiene un tono muy cohesionado y convincente, pero creemos que, en el futuro, Norhern Portrait necesitará algo más de originalidad o un sonido algo más personal, más distintivo, que evite que cuando los escuchemos nos acordemos de sus referencias. Es un pop que podríamos llamar revisionista, aunque no por ello deja de estar inspirado, bien elaborado y sonar excelentemente.

A nosotros nos gusta…



Crazy


Criminal Art Lovers


Además, parece que el grupo danés visitarán España hacia febrero. Permaneced atentos en Internet para ver las fechas y lugares concretos.

martes, 11 de enero de 2011

Edwyn Collins – Losing Sleep


Comenzamos el nuevo año con la honorable visita desde Escocia de todo un genio y figura del pop-rock contemporáneo: Edwyn Collins. Y bajo el brazo nos trae su último disco llamado Losing Sleep (2010), el primero que edita tras su recuperación del derrame cerebral que sufrió hacia 2005. De hecho, ya su anterior trabajo Home Again (2007) salió después del lamentable suceso, aunque se había grabado prácticamente todo hacia 2004.

Dicen que tuvo que aprender otra vez a moverse, a ver, a escuchar, a recordar… y también a leer y escribir de nuevo; pero lo que nunca perdió fue su brillante forma de entender la música, quizá porque fue un tesoro que pudo esconder a la enfermedad o bien, que por etéreo, ésta no pudo alcanzarlo.

El amor puede con todo. Quizá no pueda mover montañas, pero atraviesa cualquier barrera. Y es que es muy justo decir que su mujer, Grace Maxwell (también su manager desde 1984) ha sido un gran apoyo y es coprotagonista de esta historia. Lo cuenta en un libro esperanzador: Falling & laughing: the restoration of Edwyn Collins.

Losing Sleep es magnífico, brillante. En general, tiene un tono muy animado y vitalista, con también buenos tiempos medios y no carente de su parte más introspectiva que te anuda la garganta. Muy completo, gran variedad de repertorio y diversión asegurada.

Un álbum plagado de colaboraciones de lujo entre las que destacan integrntes de Franz Ferdinand, The Cribs, Magic Numbers, Johnny Marr (The Smiths), Roddy Frame (Aztec Camera) o los más actuales The Drums, con un disco que ha sobresalido en este año pasado.

Losing Sleep desprende una energía contagiosa. El rock directo se junta con el pop efervescente, ramalazos de soul o temas de folk más intimista (el final de disco es exquisito). Y las letras no pueden ser más claras en torno al infierno de sus problemas de salud y al mundo al que se ha enfrentado después.

Reflexiones sobre la vida... reflexiones que surgen en ciertos momentos y que bien nos valdría tener en cuenta sin necesidad de llegar a ellos. Muchas veces, sólo nos bastaría con disfrutar con las cosas sencillas, cercanas, con las cosas de cada día sin esperar a cosas mejores que pudieran llegar (o no) y, en ese in pass, lo que hacemos muchas veces es obviar e infravalorar las cosas que tenemos, las personas que ahora están a nuestro lado.

Un disco muy completo y de lo mejor del año 2.010 que ya nos ha dejado.


In Your Eyes (con The Drums)

http://www.edwyncollins.com/