I Am Kloot - Play Moolah Rouge

I Am Kloot se funda en 1999 en Manchester en el club Night&Day. John Bramwell trabajaba allí como organizador de conciertos y en este lugar conoció a los otros dos miembros del grupo: Andy Hargreaves y Pete Jobson.

Su música tiene una gran personalidad y un estilo muy definido, de forma que si buscas en el baúl de las reminiscencias, ves que no suena de forma muy similar a nadie en concreto; más bien al contrario, tiene una voz y un estilo tan peculiar que podríamos llegar a utilizar en alguna ocasión el “esto suena a I am Kloot”.

I am Kloot es una de esas joyas que uno guarda como oro en paño y por la que tiene cierta debilidad desde hace muchos años. Es uno de esos “tesoros ocultos” que ha llegado la hora de desempolvar aquí en EL BOSQUE.

Yo veo a Bramwell como uno de los mejores escritores e intérpretes de canciones de esta década, modestamente camuflado bajo el telón que proporciona el nombre de una banda llamada I am Kloot.

Tiene el talento y carisma necesario para no parecer pesado o monótono, a pasar de su marcado estilo personal, y tiene la magia necesaria para no ser un cantautor al uso, que quizá a muchos pudiera aburrir. En un disco de I am Kloot hay excelentes canciones siempre, pero es que te encuentras con 3 ó 4 obras de arte compositivas que enseguida te das cuenta que están al alcance de muy pocos: no sabemos cómo tanta sencillez puede desgranar tanta pasión. Y no, tampoco son baladas al uso. Realmente, no sabemos lo que es… es I Am Kloot.

Su primer album Natural History apareció 2001, y el segundo homónimo I Am Kloot dos años después. Vaya señor discazo que es este último. Después vino Gods and Monsters (2005) y ahora nos han vuelto a dar de lleno en el corazón con Play Moolah Rouge (2008). No hace mucho que lo estoy oyendo, pero engancha cada vez más en cada escucha. Deseo que llegue el momento de poderlo volver a escuchar y lo único que lamento es que sólo tenga 10 canciones, como los discos de antes.

Aunque acabo de entrar en contacto con él, es lo suficiente para tenerlo entre los 5 mejores discos de este año 2008 que ya comienza su despedida.

He visto por ahí una definición de este disco Play Moolah Rouge, que yo extendería al resto de su discografía. La hace Mycroft_Barret en Rate Your Music y no me resisto a transcribirla aquí, porque por más vueltas que le diera, no me veo capaz de definirlo mejor:

"Discazo, emoción a flor de piel, lirismo, romanticismo épico, un torbellino de dolientes quejidos, de armas afiladas que se clavan contra el alma de uno, contradicciones del corazón, fuerza hecha carne, carne hecha fuerza, desvaríos y otro tipo de canciones más o menos afectadas".

No se puede decir más con menos.

Pero, ¿a qué suenan realmente estos I Am Kloot?

Suenan a… I Am Kloot.

http://www.iamkloot.com/
http://www.myspace.com/iamklootmusic

Elbow - The Seldom Seen Kid

Volvemos a la actualidad y lo vamos a hacer con el que puede ser el mejor disco de este año 2008. Se trata de The Seldom Seen Kid del grupo Elbow.

Llegan procedentes de Manchester con un sonido siempre innovador -inevitables reminiscencias aparte- que se ha ganado la admiración tanto de la crítica especializada como la de otros artistas de renombre como REM, U2, John Cale o Blur, entre otros.

El quinteto se conoció en el colegio y empezaron a hacer música bajo el nombre de Mr. Soft, para más tarde pasar a llamarse Elbow. Hicieron 3 EP's de gran éxito y poco después debutaron en el mercado discográfico de la mano de V2 con su álbum Asleep In The Back (2001). ¡Qué gran disco! No os lo perdáis, si tenéis oportunidad de conseguirlo.

Más tarde editaron su segundo y tercer álbum Cast of Thousands (2003) y Leaders Of The Free World (2005) y ahora en 2008 nos han presentado su último trabajo The Seldom Seen Kid, que está llamado a figurar entre los mejores del año y no podíamos dejar de presentar aquí en EL BOSQUE.

La música que realiza Elbow está definida como Dream pop, aunque las etiquetas en si mismas son algo injustas, y más en el caso de una música con tantos matices como esta. Lo mejor que podemos hacer es hacernos con su último disco The Seldom Seen Kid y disponernos a degustarlo y desgranarlo pieza por pieza. Además, el arte de la portada y el libreto que incluye el disco son muy buenos y acompañan mucho en dicha tarea. Os aseguramos que no os va a defraudar.

La base de la música de Elbow es una atmósfera rock, pero muy apoyada en elementos orquestales y con una muy cuidada producción, muy al detalle. A menudo aparecen voces suaves o susurrantes, guitarras con ecos, coros y sonidos de sintetizadores, sin abusar y en su justa medida. Muy buena la instrumentación en general. La música que realizan es difícil de explicar y se nos hace arduo definirla. Sólo podemos añadir que es un grupo que suena de maravilla. Los altavoces del equipo HI-FI casi no pueden digerir tan rico, lleno y rebosante sonido. Su música tiene muchos recursos, mucha solidez; suenan con clase y a clásico. Elbow es la antítesis de lo mediocre.

Mucho me recuerda la voz del cantante Guy Garvey a la de Peter Gabriel y la música que hacen en muchos pasajes (y quizá incoscientemente por ende) a aquellos maravillosos primeros discos de Génesis. También hay algo de reminiscencias a Radiohead, con quienes disputaron (y ganaron) el premio Mercury Music Prize, que se otorga al mejor disco británico o irlandés del año.

Y es que, para nosotros, realmente lo es…

http://www.elbow.co.uk/
http://www.myspace.com/elbowmusic
http://www.lastfm.es/music/Elbow

Descubriendo a The Ladybug Transistor

Hace ya algunos años escuchaba el disco The Albermale Sound y descubría así a The Ladybug Transistor, nuestros visitantes de hoy en EL BOSQUE. Recuerdo que, mientras escuchaba la canción Today Knows, lo primero que se me vino a la cabeza fue: “Qué maravilla…¿Cómo he podido vivir yo si conocer esto antes?”. Y hasta la portada del disco me parecía preciosa y en esa línea de arte pop que tanto nos gusta por aquí…

En mi mente se agolpaban las mayores exquisiteces de aquél pop psicodélico de finales de los 60, pero con un sonido más actual y una voz, la de Gary Olson, adictiva, hipnotizante y que brillaba con luz propia por encima de toda aquella hermosa instrumentación. Quizá, junto a John Grant de The Czars (otros que habrán de visitar este espacio), sean mis voces masculinas actuales preferidas.

La historia de The Ladybug Transistor comienza en Brooklyn (Nueva York), a mediados de los noventa. Empiezan con Marlborough Farms (1995), que se tituló como la ya legendaria casa victoriana que es cuartel y estudio de la banda. Fue un proyecto en torno a Gary Olson en colaboración con algunos amigos.

Fichan después por el prestigioso sello Merge Records (Arcade Fire, Magnetic Fields, East River Pipe, Dinosaur Jr.,...), el cual publica su siguiente álbum: Beberley Atonale (1997), un gran disco de aires puramente psicodélicos, muy sólido y con mucha pegada. La cosa marcha, va a más y fue entonces cuando The Ladybug Transistor se convirtieron en una verdadera banda -casi en una pequeña orquesta- con los hermanos Jennifer y Jeff Baron, Sasha Bell, San Fadyl y Julia Rydholm, eran ya un sexteto y lo mejor estaba por llegar. Nos dejan entonces joyas como el mencionado The Albermale Sound (1999), Argyle Heir (2001) y el homónimo The Ladybug Transistor (2003), discos en los que fueron desarrollando y consolidando su particular estilo. Varios de los músicos integrantes de la banda se alternaban en las tareas de composición e interpretación. Cada vez sonaban mejor…

El pop con originales raíces psicodélicas, más oscuro, y con más “toques guitarreros” de sus comienzos, se iba aclarando y evolucionaba hacia sonidos cada vez más preciosistas, con gusto por lo instrumental, con ligeros arreglos jazzies, con coros, teclados, vientos y cuerdas. Atmósferas instrumentales sobre las que flota la voz de Gary Olson con aplomo, mientras un manto de guitarras hace el resto.

Crecidos los componentes de la banda, varios de ellos trabajan a la vez en proyectos paralelos: The Essex Green (que tienen tres preciosos discos de pop-folk), The Sixth Great Lake (de corte más country-folk de raíces) e incluso Sasha Bell hacía su propio proyecto personal bajo el nombre de Finishing School. Quizá por todo ello, en su penúltimo disco The Laduybug Trasnistor (2003) se denota un sonido algo diferente, más directo y homogéneo, una vuelta a la las guitarras sin descuidar los arreglos instrumentales; se perfila, en fin, una nueva etapa más claramente bajo la batuta de Gary Olson.
En 2007, precedido del magnífico EP Here Comes The Rain, llega el que hasta ahora es el último disco de la banda, Can't Wait Another Day, que viene a afianzar aún más el sonido del anterior disco y en él The Ladybug Transistor avanza unos pasos más allá en la búsqueda del pop perfecto.

Vídeo: Always On The Telephone

http://theladybugtransistor.com/
http://www.myspace.com/marlboroughfarms

Concierto: Martha Wainwright

EL BOSQUE ha estado en el concierto que ha ofrecido Martha Wainwright el 7 de Noviembre en la sala Joy Slava de Madrid.

Os contamos nuestras impresiones del concierto...

Eran poco más de las 10 de la noche y salía Martha al escenario con una de sus varias guitarras acústicas. Y lo hacía sola, en silencio, sin sus músicos, que quedaban esperando en la trastienda… Empezaron a vislumbrase las primeras notas de I Wish I Were, el tema que cierra su último disco. Era una versión de corte acústico, sin más instrumentos que su guitarra y su peculiar, versátil -y quizá poco ortodoxa- forma de desgranar las frases, con una voz llena de carácter, llena de matices, capaz de alcanzar un amplio espectro de registros. Era Martha, en todo su esplendor y con todas sus armas. El esperado momento no había hecho sino empezar…

Hizo varios temas –como This Life, impresionante- de esta guisa, con su voz y su acústica, pero las canciones no desmerecían en absoluto a las versiones de estudio con todos los arreglos instrumentales. Sólo así llena una barbaridad el espacio circundante. Se nota que esos temas han nacido así, desnudos, emanando de esas cuerdas, de esas manos, de esa voz y de ese tremendo talento.

El resto de músicos se incorporó al escenario y Martha fue haciendo un repaso por todas las canciones que conforman su último disco I Know You're Married But I've Got Feelings To, incluído el See Emily Play, homenaje a Syd Barret (Pink Floyd).

La interpretación fue magistral, así como el sonido y pudimos disfrutar de un concierto genial en todos sus aspectos, a pesar de ser una puesta de escena de corte sencillo. Se nos hicieron muy cortas las casi dos horas que estuvo en el escenario y es que la calidad y ese toque de chispa de todos y cada uno de sus temas es increíble.

Martha Wainwright tiene un gran talento no solo interpretatitivo, sino también a la hora de componer y las canciones son auténticos monumentos arquitectónicos. Flirtea sin paliativos por el folk, pop, country, rock, blues o soul… y todo sonando realmente cohesivo, coherente y convincente.

Y tras el fastuoso Factoy, finalizaba el concierto de forma algo inopinada con Dis, Quand reviendras-tu?, que es una tema de esos bonus-rareza de la edición especial de su primer disco, con una base de piano y cantado en francés y que nos puso a todos los pelos "como escarpias". Pero todo tiene un final y este espectáculo lo encontró aquí...

En definitiva, un concierto sencillo, pero apasionante, emocionante y muy bien ejecutado. Ganas nos dieron de volar hacia Barcelona, donde al día siguiente volvía a tocar en la sala Bikini...

Fotos

Fotos tomadas por nosostros en la actuación en la Joy Slava de Madrid

Vídeos

When The Day Is Short


In The Middle Of the Night


This Life
(Los vídeos anteriores corresponden a la actuación en Glasgow)
Y para finalizar...

Black Cab Sessions. Chapter Fifty-one.

(Documento: Martha canta en la parte trasera de un Taxi)

Últimas noticias en la web oficial:

(¡¡¡Hay mucho material!!!)

http://www.marthawainwright.com/news.jsp

Diario de Martha sobre el Tour que está realizando:

http://marthawainwrightjournal.blogspot.com/

Loch Lomond - Paper The Walls

Queremos presentaros, y compartir con vosotros., a nuestro último descubrimiento: Loch Lomond.

Loch Lomond es un lago (o loch en gaélico) de Escocia, situado a unos 23 km. al norte de la ciudad de Glasgow.

En los cómics de Tintin, la bebida favorita del Capitán Haddock (y a veces también de su perro Milú) es el whisky llamado Loch Lomond; incluso existe una destilería real con ese nombre en la actualidad.

Pero el Loch Lomond al que queremos referirnos hoy en EL BOSQUE es originario de Portland, y es el proyecto de un solo hombre –como tantos otros hoy en día- que responde al nombre de Ritchie Young.

La música que hace podría calificarse como folk orquestal, de cámara, pastoral, cuasi-sinfónico. Grandes texturas acústicas, impresionantes coros vocales y siempre con una gran base de cuerdas.

Es como un moderno trovador, lírico y melódico. Su música es bella, pero poco comercial y, al menos en mi caso, ha requerido de varias escuchas hasta que ha logrado atraparme. Creo que merece que le deis la oportunidad de que conviva por unos días en vuestros reproductores.

Su último disco Paper the Walls (2007) no ha causado muy buena sensación entre la crítica en general y a nosotros nos ha gustado mucho. Empieza con un tema de preciosa construcción dedicada a Carl Sagan y termina con tema cuya música parece sacada de un cuento para niños y que te dice que todos tus amigos están sonriendo (All Your Friends Are Smiling). Bonito mensaje.

Si yo fuera capaz de escribir un disco, me gustaría que tuviera un final feliz como este…

http://www.lochlomondmusic.com

http://www.myspace.com/lochlomond06

Descubriendo a East River Pipe

Y ahora, en EL BOSQUE, vamos a contar un pequeño cuento...

Había una vez un vagabundo que estaba tirado en la calle. La vida le había tratado muy mal y era muy pobre; se conformaba con su guitarra, con sus canciones y con las pocas monedas que la gente, mirándole de solayo, le dejaba caer en su zurrón. Y así uno y otro día, en una vida impregnada de desesperanza, con el alcohol como único consuelo y la desilusión como única compañía.

Un buen día, cayó una de esas esporádicas monedas y el clic fue muy especial. Sin saber por qué motivo, y llamado por algún tipo de extraña fuerza, nuestro vagabundo levantó los ojos. Allí estaba ella: Barbara Powers. Y llevaba ya un rato allí, escuchando sus canciones sin que él hubiera reparado en ello. Había comenzado a nevar y los dedos a penas podían ya apoyarse sobre las cuerdas de la guitarra. El fuego de las velas, que colocaba en el suelo junto a sus pies, parecía inmóvil, como si quisiera helarse también. La imagen de la chica empezó a difuminarse, a volverse borrosa y fue lo último que vio...

Barbara se convirtió en su hada madrina particular. Ella le sacó de allí y le dio los medios para tocar y grabar su música. Nuestro vagabundo sacó todo su talento, posiblemente agrandado por la difícil situación que había vivido, y empezó a componer una canción tras otra, tocando todos los instrumentos el mismo, en su pequeño estudio casero.

Y su música, al fin, tuvo el éxito que merecía. Acabó fichando por el sello Sarah Records, siendo el primer artista americano que lo hacía. Actualmente, en su zurrón, hay un buen puñado de discos y nunca ha querido salir de su laboratorio para tocar en directo. Sigue grabando canciones sin más ambición que el mismo hecho de hacerlas. No hay que esperar grandes alegorías, ni ese gran sonido de producción que muchas veces no hace sino envolver una canción banal.

Sus canciones son sencillas, minimalistas, “hechas en casa”, espontáneas, a veces ingenuas, pero artesanales. Ha escrito canciones realmente hermosas, directamente surgidas de ese alma que un día estuvo perdida. Es la música de alguien que se encontró a si mismo y ahora mira hacia adelante, con los ojos más sabios.

Nuestro hombre se llama F.M. Cornog, pero se hace llamar East River Pipe. Es probable que no le conozcas. Su etérea música anda vagabundeando por ahí, está esperando a su particular “Barbara”. Descúbrela...

http://www.crankfarm.com/eastriverpipe
http://rateyourmusic.com/artist/east_river_pipe

Martha Wainwright

Escribo estas líneas con mucho cariño, ya que Martha Wainwright es una de mis debilidades desde hace algún tiempo y una de las artistas más carismáticas y talentosas –tanto en la composición como en la interpretación- de los últimos tiempos.

Martha Wainwright nace el 8 de mayo de 1976 en Montreal (Quebec, Canadá) y, a modo de sucinta descripción, es una cantante y compositora de folk-pop por raíces, pero yo creo que ha alcanzado otros registros y colores del espectro visible en ese campo.

La cuestión de su indudable y referido talento podría resultar incluso genética. No en vano es hija de músicos: Loudon Wainwright III y Kate McGarrigle, siendo además hermana del más popular y actual Rufus Wainwright.

Rufus Wainwright es tres años mayor que su hermana y tiene una trayectoria más larga. Ha editado muchos y grandes discos desde que debutara allá por el año 1998. Tiene también un gran talento -marca distintiva de la casa- y su obra alcanza tintes de clima barroco con influencias clásicas. Es más famoso que ella (al menos hasta ahora) e indudablemente uno de los príncipes del pop, pero su hermana Martha ya no se resigna a ser el patito feo de la familia.

Martha ha participado frecuentemente en grabaciones de miembros de su familia, especialmente acompañando a su hermano en varias ocasiones, y ha grabado varios EPs independientes; todo ello antes de editar grandioso disco de debut en 2005.

El ambiente familiar no era propicio para ella. Su padre les abandonó cuando Martha aún era un bebé. Para entonces la pareja se detestaba, Loudon partió a Inglaterra con otra mujer, y Kate se mudó a Montreal, a casa de su hermana Anna, con sus hijos, futuras estrellas pop.

Su hermano Rufus era el favorito y Martha vivía oyendo como cantaba y tocaba el piano, con cierto aire de superioridad sobre ella.

No había, en absoluto, relación personal alguna con el padre, que se limitaba a escribirles canciones a sus hijos enmendándoles la plana, pero sin darles el afecto, el apoyo y la presencia humana que lógicamente sus hijos anhelaban.

Esto es algo que marcó mucho a Martha y ya le dijo lo suyo a su padre en aquél estremecedor tema Bloody mother fucking asshole, que acabó formando parte de su primer disco.

Letra: http://www.azlyrics.com/lyrics/marthawainwright/bloodymotherfuckingasshole.html

El ambiente en el que Martha se criaba era, pues, un entorno familiar disfuncional, pero eso quizá agudizó aún más su ya innato talento.

Papá Loudon era un personaje ultraviril, irónico y casi cruel y mamá Kate era etérea pero exigente, sobreprotectora y obsesiva. Por otro lado, Martha se vio también ninguneada al principio a causa de la rutilancia de su hermano.

La voz de Martha es misteriosa, dulce, pero nocturna; sugiere bares de madrugada, noches sin dormir. A veces es sencilla y fácil de oír; en otras ocasiones resulta más emocional, más desgarradora.

Como hemos dicho ya, el primer disco de Martha Wainwright es muy bueno; es una joya country-folk que en realidad desborda el género. Y esperábamos este segundo I know you're married but I've got feelings too (2008) a modo de confirmación de algo que ya sabíamos, de algo que ya se intuía. La “pequeña Martha" ha enterrado para siempre los complejos que le asediaban desde pequeña, momentos en que estaba eclipsada por su hermano. Martha ha rotó definitvamente la capa de hielo que ya se resquebrajaba en su primer disco y ahora podemos decir que este nuevo trabajo tiene canciones incluso algún punto por encima de las últimas grabadas por su hermano Rufus.

Aparentemente liberada de todos sus fantasmas, su talento por fin se abre paso entre las sombras. Tenemos una Martha Wainwright en forma y mostrando mucha solidez. Esperemos que por mucho tiempo…

Vídeo: Factory

http://www.marthawainwright.com/
http://www.myspace.com/marthawainwright
http://www.lastfm.es/music/Martha+Wainwright

Sufjan Stevens

Después de un pequeño descanso vacacional, “EL BOSQUE” -aún antes de lo previsto- continúa su andadura.

Y nada mejor para volver, que hacerlo de la mano de Sufjan Stevens. Mientras escuchaba este verano su gran disco Illinois (2005), pensaba en el momento de escribir estas líneas y a mi mente afloraban muchos pensamientos y sensaciones. Me preguntaba –casi sabiendo la respuesta- si no será este uno de los mejores músicos de la actualidad.

Sufjan Stevens es un compositor, cantante y multi-instrumentista (toca más de 20 instrumentos) nacido en Detroit en 1975.

Se dice –no sé si es marketing o es real- que tiene en proyecto hacer un disco temático dedicado a cada uno de los 50 estados de los Estados Unidos. No sabemos si logrará o no finalmente concluir esa ambiciosa labor en su totalidad, pero nos está dejando con la boca abierta con su prolífica capacidad. En 2003 compuso el disco dedicado a Michigan y en 2005 otro nuevo dedicado a Illinois. Ambos son obras magnas, densas, musicalmente perfectas y enormemente trabajadas tanto en letra como en música. Concretamente, Illinois tiene 22 temas y dura más de una hora. Recuerdo –a modo de anécdota- que los largos títulos de sus canciones, ya casi una letra en sí mismos, no me entraban en mi viejo minidisc.

Y entre medias, otro excelente disco de canciones folk y de corte más minimalista, llamado Seven Swans (2004). Su capacidad compositiva no parece tener límites.

Es absolutamente impresionante la riqueza sonora que consigue, la variedad de historias que cuenta, apoyadas en una también enorme variedad sonora. Tiene un talento especial para las melodías, para los arreglos y para cuadrar unas riquísimas instrumentaciones (piano, violines, bajos, vientos) en canciones absolutamente redondas y tremendas.

Tras el gran Illinois, Sufjan Stevens entregó otro titulado The Avalanche (él si que es una auténtica avalancha) con material que no entró en el disco, otras grabaciones de algunos temas, etc. Es increíble que un disco tan denso como Illinois aún tuviera extras y “material sobrante” con los que poder hacer otro buen disco, interesante más allá del puro coleccionismo.

Además, ha editado una obra temática sobre la Navidad llamada Presents Songs For Christmas, también en 2006. Está compuesta por 5 discos y la comenzó el año 2001. Estos discos fueron grabados en su casa sólo con los instrumentos que encontraba a su alrededor. Año a año (salvo el 2004) grababa estos EP´s para luego distribuirlos como regalos navideños entre sus amigos alrededor del mundo. Al final, todos esos temas han acabado recopilados en esta obra.

Como se ve, su creación musical es tremendamente conceptual y, en el caso del macro-proeycto de los estados, va contando historias cotidianas o típicas de la zona que está musicalmente describiendo. Por ejemplo, en Illinois habla de avistamientos de platillos volantes y desde Superman hasta del asesino en serie John Wayne Gacy Jr. en la que es una de las mejores canciones del disco, y cuyo enfoque y construcción pone los pelos de punta, como no puede ser menos dada la historia que cuenta.

¿Es Sufjan Stevens uno de los mejores músicos que existen en la actualidad? ¿Es Illinois uno de los mejores discos de este siglo?

Respuestas ambas afirmativas.

Video: John Wayne Gacy Jr.


http://www.lastfm.es/music/Sufjan+Stevens

Descubriendo a Richard Hawley

Richard Hawley, sin temor a la exageración, es uno de esos tesoros escondidos de los últimos años. Destila elegancia, estilo y personalidad por los cuatro costados. Lleva ya varios discos y ha firmado una colección de canciones que resultan emocionales, emocionantes, románticas, sentimentales, dramáticas y melancólicas. No hubiese querido abusar tanto de los epítetos, pero la ocasión realmente lo merece.

Es muy probable que, con tan solo escuchar sus dos últimos discos (Coles Corner, 2005 y Lady’s Bridge, 2007) varias de esas canciones estén entre las mejores que hayas escuchado en tu vida. Pruébalo y nos cuentas…

Cierto es que no innova mucho y que sus canciones parecen haber sido oídas antes. Pero, ¿es siempre necesario esto?. Su obra se asimila a una tradición compositiva e interpretativa totalmente clásica, pero en la que se perciben una sinceridad y una entrega artesanal absolutas, resultando majestuosamente atemporal.

El tono general es melancólico, como lleno de añoranza y ensoñación; sus texturas y sonidos están muy cuidados y se encargan de acentuar –como en perfecta simbiosis- la cualidad vocal de esta artista: ese timbre, viril, seco, cálido, grave y con un leve vibrato al rematar las frases, que lo acerca mucho al estilo vocal de Elvis Presley, Johnny Cash o Scott Walker. La atmósfera de sus canciones también nos recuerda enormemente a Roy Orbison (que preciosidad aquel Mistery Girl, 1989).

La música tiene una base country-folk, con pinceladas de estética más pop, algunas texturas jazzísticas; a veces suena a balada de rhythm´n´blues juvenil y, en otros momentos, suena a country de corte más clásico. En muchos momentos, sientes que ha encontrado la canción perfecta y tu corazón se encoge de emoción.

Richard Hawley puede ser capaz de despertar los sentimientos del más insensible de los oídos. Su música nunca pasará de moda.

A partir de ahora, cuando tengas la sana intención o el impulso de regalar flores a alguien, acompáñalas de un disco de Richard Hawley…

Something is...



Tonight the street are ours



Video - Coles Corner

Coles Corner es probablemente uno de los discos más preciosos y preciosistas que hemos escuchado nunca.

Video - The Ocean



The Ocean. La emoción materializada en canción. ¿Existe la canción perfecta? En caso de existir, sería algo así...

http://www.richardhawley.co.uk/
http://www.myspace.com/richardhawley
http://www.lastfm.es/music/Richard+Hawley

Descubriendo a Jens Lekman

Jens Lekman es uno de los mejores músicos que existen en el panorama del pop actual. Su música puede describirse algo así como pop barroco; mucho uso de cuerdas y sanples. Ciertamente, una de las mentes más clarividentes, imaginativas y con más frescura para las melodías.

Y nos llega desde Suecia, como tantos otros buenos artistas pop últimamente.

Sus discos son hermosos de principio a fin y recuerda mucho –en composición e interpretación- a Stephin Merritt y parece como si hubiera recogido la frescura que éste ha perdido en su último disco con los Magnetic Fields (Distorition, 2008).

El último disco de Jens Lekman se llama Night Falls Over Kortedala (2007) y, para nosotros, fue uno de los mejores discos (si no el mejor) del año. Un álbum lleno de sentimiento y que suena a clasicismo del género pop. Es una sucesión de historias que suenan cercanas, cotidianas y que se percibe como conceptual y absolutamente coherente. No se hace para nada aburrido y es fácilmente digerible. Caen las canciones una a una y, en determinados momentos, Lekman apunta y nos acierta en el corazón. Sin duda, estamos ante auténticas joyas.

Tiene un primer disco When I Said I Wanted To Be Your Dog (2004), en una línea muy similar al anteriormente reseñado, y además en 2005 editó una recopilación de EPs y diverso material que hizo en sus inicios y que tampoco tiene desperdicio (Oh You're So Silent Jens).

Jens Lekman derrocha sensibilidad y sus discos son pop auténticamente mayúsculo, disfrutable, melodioso y encantador de principio a fin. Una auténtica delicia que tus oídos no deberían perderse.

http://www.jenslekman.com/
http://www.myspace.com/jenslekmanmusic
http://www.lastfm.es/music/Jens+Lekman

El universo Wilco (y III)

Y vamos a dedicar el último capítulo de esta pequeña monografía sobre Wilco, a reseñar de forma sucinta aquellos proyectos que rodean a la banda, es decir, aquellos en los cuales uno o más miembros del grupo han participado. Es tentador pensar cómo aún mejor hubiera sido la obra de Wilco de no dispersar sus recursos en proyectos externos, pero eso es jugar a la música-ficción. No sólo ocurre con Wilco; desde siempre, muchos artistas músicales han necesitado expandirse por otros lares y probar otros terrenos musicales al margen del suyo más "oficial".

Mermaid Avenue

http://www.woodyguthrie.org/merchandise/mermaidavenuevol1.htm

Woody Guthrie, fue un popular, prolífico e influyente músico folk estadounidense que murió en 1967. Fue conocido por su identificación con la gente común, los pobres y los oprimidos, así como por su odio al fascismo y la explotación. Woody nunca murió del todo; su obra había sido redescubierta por una nueva generación de músicos folk entre los que se encontraba Bob Dylan, por citar al más conocido. Estos “nuevos músicos” absorbieron toda esa influencia y no es necesario expresar cuánto y cómo ellos la transmitieron posteriormente a su vez a tantos y tantos otros músicos, en plena explosión de la música popular.

Woody había dejado mucho material escrito y sin grabar antes de que una trágica enfermedad acabara con su vida. Lamentablemente, se llevó con él la música de estas canciones que no pudo editar; tan sólo quedaron las letras y, a veces, una pequeña y vaga anotación del estilo de la pieza en concreto.

En la primavera de 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, había entrado en contacto con el cantante y compositor Billy Bragg para proponerle que escribiera la música de una selección de aquellas letras “olvidadas” que su padre había dejado escritas entre 1939 y 1967. Bragg entraría en contacto más tarde con la cantante Natalie Merchant y con nuestros monografiados Wilco, pidiéndoles que también participasen en el proyecto. Wilco aceptó y, además de grabar con Bragg, tuvieron una buena cantidad de canciones e ideas para contribuir en el proyecto.

Minus 5

http://www.minus5.com/
http://www.myspace.com/theminus5

The Minus 5 es el proyecto paralelo e informal de Scott McCaughey (Young Fresh Fellows), con Peter Buck (R.E.M) como compañero más habitual. Deciden hacer una banda que cambie cada vez de músicos, invitando a formar parte del proyecto en cada disco a unos diferentes. Y en 2003 (aunque el disco fue grabado antes), les toca el turno a unos Wilco en alza, (la formación posterior a la tormenta“Yankee Hotel Foxtrot”) como banda de acompañamiento, aunque por el estudio se dejaron caer, entre otros el impagable arreglista Sean O’Hagan (High Llamas, ya comentados con pasión aquí), el ex-Posie Ken Stringfellow y la violinista Jessy Green (ex-Geraldine Fibbers).

Y el resultado de aquellas sesiones se parece bastante a los que cabía esperar. Retro, pop barroco y orquestal. El disco se desarrolla esencialmente en un tono melancólico y en tiempo medio.

Golden Smog

http://www.goldensmog.com/
http://www.myspace.com/goldensmog

Golden Smog, nombre procedente de un capítulo de “Los Picapiedra”, es una banda de amigos y grandes músicos a la vez. Gran nómina de formada por miembros de The Jayhawks (también recientemente referenciados aquí), nuestros Wilco, Soul Asylum, Run Westy Run, Big Star y Honeydogs, Golden Smog revisitan el rock clásico y el country rock desde una nueva perspectiva. Y es que llevan todos ellos una gran experiencia con sus respectivas bandas, donde han dejado muestra de sus dotes compositivas e interpretativas. Es una banda “dream team”, compuesta por auténticos galácticos cuyos discos son, cuando menos, muy notables. Y Jeff Tweedy -líder de Wilco- fue invitado a formar parte de este colectivo.

“Me puse realmente contento, y algo alterado, cuando me pidieron hacerlo”, asegura Tweedy, “me hizo darme cuenta de que podría estar bien ir a tocar con otra gente, porque todos con los que había estado en Uncle Tupelo (excepto Farrar) seguían tocando conmigo, transformándonos en Wilco.”

Loose Fur

http://www.myspace.com/loosefurisgreater

Es un proyecto paralelo de Tweedy en colaboración con Jim O'Rourke (quien se encargó de las mezclas de "Yankee Hotel Foxtrot") y Glen Kotche (batería actual de Wilco).

Tienen dos discos y la verdad es que el segundo "Born Again in the USA" es tremendo.

Son grabaciones anteriores al propio "Yankee Hotel Foxtrot", aunque hayan tenido que esperar hasta ahora para ver la luz. En ellas Tweedy parece haber buscado cancha amplia para explorar con total libertad sus nuevas inclinaciones experimentales.

Más sustancial de lo que aparenta, Loose Fur es un proyecto que apetecería que se consolidara; hay grandes recursos almacenados en la despensa de Tweedy y O'Rourke.

Y esto es todo, mucha tela que cortar para tan poco espacio... Pero esperamos que hayamos contribuido a divulgar eso que hemos llamado "el universo Wilco" y que pueda servir como base para la posterior investigación.

El universo Wilco (II)

Quien aún no haya entrado a navegar en la obra musical de Wilco, y no conozca sus trabajos, despierta en nosotros una gran sana envidia porque sabemos lo que aún le queda por descubrir.

Wilco empieza su andadura con el disco A.M. (1995), que aún se parece a la música contry-rock más clásica que hacía Uncle Tupelo. Lo mejor aún faltaba por llegar.

Más tarde se unió al grupo el multi-instrumentista Jay Bennett, lo que expandió su ya rico sonido, añadiendo más música electrónica y de teclado, además de incorporar también la fuerza de una segunda guitarra.

En 1996 lanzaron el doble álbum Being There. Un gran disco que toca varios palos y que, para nosotros, es el gran salto adelante de la banda. Incluso hay mucha gente que piensa que este es su mejor disco y no asimila bien evoluciones posteriores de Wilco. Caos acústico, atmósferas desestructuradas con guitarras y pianos, sonidos y silencios, vehementes melodías más pop tipo Beatles-Byrds; en definitiva, grandes repasos de pop, country, rock y blues. Un gran disco.

En 1999, la banda publicó Summerteeth, mostrando una evolución desde el country-rock-pop de raíces al universo pop mucho más amplio y reluciente. Este es un disco maravilloso (quizá sea mi favorito) y hay momentos en que realmente “lo clavan”. Incluyeron un nuevo espectro de sonidos de estudio, desplegando una mayor instrumentación y creatividad, lo cual marcó una diferencia con sus trabajos anteriores. Esta faceta fue a más en posteriores discos del grupo.

El siguiente disco, Yankee Hotel Foxtrot, considerado por mucha gente uno de los mejores discos de los primeros años de este siglo, es probablemente su mejor trabajo, además de una obra destacada en términos de innovación. Lo que empezó siendo un disco que continuaba el camino musical emprendido con Summerteeth, se transformó en un monstruo que atraería muchos elogios y muchos problemas, que propulsaron por un lado la salida de Jay Bennett del grupo, por desacuerdos con la producción del mismo, y por otro, Wilco cambiaba de casa discográfica por desavenencias la Reprise Records, que no confiaba en el éxito del mismo. Finalmente lo edita Nonesuch en 2002.

Algunos fans rechazaron los ruidos de muchas de las pistas del disco, pero la banda atrajo nuevos seguidores que apreciaban la nueva dirección.

El siguiente álbum de Wilco se llamó A Ghost Is Born y se lanzó en junio de 2004, una fecha que fue retrasada para que Jeff Tweedy entrase en una clínica de rehabilitación para su adición a los calmantes para sus migrañas. Un disco que -si es que es necesario ya- consagra a Wilco y que está lleno de canciones redondas. Da la impresión de que se atreven con todo, resultando siempre convincentes, y eso ocurre porque se encuentran en un gran estado de forma.

Vídeo: Hummingbird

En noviembre de 2005 la banda editó un doble disco en directo, Kicking Television grabado entre el 4 y el 7 de mayo de ese año.

El 15 de mayo de 2007, Wilco edita el que hasta la fecha es su último disco: Sky blue sky. Siendo sinceros, y a la vista de sus últimos trabajos, con un Jeff Tweedy que parecía pletórico a nivel compositivo -participando en muchos proyectos- y con los problemas de la banda ya totalmente resueltos, nosotros esperábamos la obra cum laude de Wilco con esta entrega. Quizá por ello nos decepcionó algo este Sky Blue Sky, sin ser en absoluto un disco mediocre.

Se denota una vuelta a esas raíces de pop-rock-country-blues más clásico, al estilo de aquel Being There, pero con menos pegada y mayor comercialismo a nuestro juicio. Muchos de los temas de este disco han sido compuestos colectivamente en el estudio, a diferencia de las grabaciones de épocas anteriores, a las que Jeff Tweedy llegaba con canciones estructuradas para que la banda hiciera la instrumentación de acompañamiento.

En definitiva, hasta el momento Wilco ha dejado una gran obra y esperamos que continúe en esa línea, si bien sabemos que los grupos que duran varias generaciones -y donde además los músicos se reparten en varios otros proyectos- pueden terminar por cansarse y agotar su creatividad.

¿Es el caso de Wilco? Esperemos que no, aún esperamos disfrutar más con su música...

Vídeo: Impossible Germany


http://www.wilcoworld.net/
http://www.myspace.com/wilco
http://www.lastfm.es/music/Wilco

El universo Wilco (I)

Teníamos ganas de hablar aquí de una de las mejores bandas de pop-rock que han surgido en los últimos tiempos: Wilco.

Y vamos a hacerlo bajo una perspectiva general –aunque resumida por razones propias de la naturaleza de este espacio- de lo que llamaremos el Universo Wilco, es decir, todos aquellos proyectos en que la banda ha participado además de en el suyo propio.

Pero, por más que hemos querido resumir, hemos visto la necesidad de abordar este “universo” en tres partes que iremos posteando aquí en "EL BOSQUE" en sucesivas entregas.

Empecemos…

Uncle Tupelo

Toda historia tiene una prehistoria y la de Wilco se llama Uncle Tupelo. Este es el grupo en el que militaba Jeff Tweedy –lider actual de Wilco- y donde compartía la tarea de componer y cantar con su compañero Jay Farrar, quien finalmente dejó Uncle Tupelo y formó Son Volt.

Al dejar Uncle Tupelo, Jeff Tweedy pudo quitarse por fin la sombra de Jay Farrar, con quien tocaba desde que iba al instituto y tenía, respecto a él, una especie de síndrome de hermano mayor que le hacía adaptarse a su estilo por creerle superior. Al separase de Jay, algo escondido dentro de Jeff afloró, superó sus complejos y se destapó, afortunadamente para todos nosotros, como el gran escritor de canciones que es hoy día… probablemente uno de los mejores músicos de su generación.

http://www.uncletupelo.com

Y llega Wilco

Jeff Tweedy siguió adelante y formó Wilco con los restantes miembros de Uncle Tupelo. El nombre de la banda viene de la abreviatura utilizada en el argot militar "We´ll accomplished", algo así como "Nosotros cumpliremos" en castellano.

Como tendremos ocasión de ver en las próximas entregas de este Universo Wilco, han cumplido sobradamente con su obra, la cual examinaremos en nuestra segunda entrega.

Gary Louris – Vagabond

Gary Louris es el líder de The Jayhawks, una de las mejores bandas de rock americano de todos los tiempos, que bien merecería uno de esos monográficos que, de vez en cuando, hacemos por aquí en “EL BOSQUE”. Gary compartió liderazgo con Mark Olson, que dejó la banda en 1995 y que el pasado 2007 editó también un excelente disco llamado The Salvation Blues.

The Jayhawks hicieron muy buenos discos que no deberías perderte: Hollywood Town Hall (1993), Tomorrow the Green Grass (1995) o el más reciente Rainy Day Music (2003), por citar los que más me gustan.

Hace años, un viejo amigo me descubrió a The Jayhawks y me dijo: “escucha Blue (la primera canción del Tomorow the Green Grass) y querrás tener toda la discografía de la banda”. Desde aquí os animamos a que descubráis el mundo de los Jayhawks…

Gary Louris tiene una casa en el Puerto de Santa María, cerca del estudio del productor español Paco Loco y, en ocasiones, Gary colabora en los discos de los grupos que pasan por el estudio.

Y vamos ya con el disco que nos ocupa, el editado por Gary Louris en este 2008: Vagabond. Aquí no hay que buscar debajo de sofisticadas instrumentaciones ni barrocas atmósferas, su música se desplega sobre una instrumentación bastante clásica y directa, que no va más allá de batería, bajo, guitarra, banjo, órgano, pedal steel y los coros.

Y como también me dijo mi amigo –el que me hablara de los Jayhawks- independientemente de las intenciones musicales de cada artista, los medios de que para ello se sirva y las etiquetas que se quieran poner, finalmente “lo que importan son las canciones”. Y CANCIONES (con mayúsculas) es lo que abunda en este Vagabond.

Gary Louris demuestra un gran talento como compositor, tanto en su lado más pop, como en la parcela más country-rock (caminos ambos que ya transitaban los Jayhawks).

Considero que es un disco de grandes canciones, sin rebuscamientos ni sofisticaciones, con gran oficio, hechas desde la emoción y directas al corazón…

http://www.garylourismusic.com
http://www.myspace.com/garylouris

Death Cab For Cutie – Narrow Stairs

Death Cab for Cutie (se les conoce también por DC4C ó DCFC) es, desde hace ya varios años, una de las mejores bandas del panorama pop actual. Se forman en la americana ciudad de Bellingham en 1997. Toman su nombre de una canción sátira interpretada por Bonzo Dog Doo-Dah Band en su álbum Gorilla de 1967, justamente 30 años antes.

La música de Death Cab For Cutie tiene una característica que, a mi entender, prevalece sobre las demás: solidez. En los varios discos que han editado siempre ofrecen un gran nivel de calidad y madurez. Su sonido tiene una gran personalidad y es muy reconocible: por su forma de crear su propia atmósfera musical, por la producción y por la voz envolvente de Ben Gibbard. Es de esos grupos carismáticos que crean escuela, que desarrollan un peculiar y personal estilo, lo que nos permite decir después “esto suena a DC4C”...

Death Cab For Cutie tienen un excelente status, que han ganado en base a obras muy bien logradas, como las sobresalientes The Photo Album (2001) y Transatlanticism (2003), además de la jugada maestra que significó para Ben Gibbard el haber participado en el efímero proyecto The Postal Service, de corte más electrónico, que cosechó un gran éxito y aún muchos añoran.

En 2005 editaron Plans, un album maduro y con grandes canciones que siguen sonando de maravilla, conservando la personalidad del grupo, aunque pudiera parecer algo más plano de ideas, sobre todo en el tramo final del disco.

Tres años después editan este nuevo Narrow Stairs, que tiene la agilidad de los primeros albums de Death Cab for Cutie y suena mejor que nunca. El grado de madurez ha alcanzado ya cotas tales que se permiten que el single de promoción sea una canción como I Will Possess Your Heart (ver vídeo), que dura más de 8 minutos, con grandes pasajes instrumentales, una gran base de guitarras y teclados que se cruzan y un bajo hipnotizante muy marcado.

Narrow Stairs es un gran disco. Cada tema tiene su gracia, su propia personalidad, dentro de la sólida línea de la música de DC4C. Son canciones atmosféricas y muy trabajadas; de un modo u otro todas te terminan por atrapar.

No debemos escuchar este disco con ligereza: un trozo de aquí, un comienzo de acá… No, es un disco que suena muy bien, con gran producción (realizada por Chris Walla, miembro del grupo), es un disco para degustar despacio, con profundidad, con atención a cada detalle.

Death Cab For Cutie es una banda que ha crecido y que ha madurado, y que cada vez suenan mejor, aunque a mí me parece que siempre fueron mayores….

Vídeo: I Will Possess Your Heart

http://www.deathcabforcutie.com/
http://www.myspace.com/deathcabforcutie

PortisHead - Third

Si hay disco que parece tener toda la aceptación y el consenso de gentes procedentes de diversas tendencias musicales, sobre el que todo el mundo coincide en que va a estar entre los tres mejores de este 20o8, este es el Third de PortisHead.

La banda fue formada en 1991 por el teclista Geoff Barrow y la cantante Beth Gibbons que tomaron el nombre de la localidad natal de Barrow, situada a 15 km al oeste de Bristol.

El grupo ya tiene unos años y eso se nota en su clase a la hora de componer e interpretar música. Beth Gibbons canta que desgarra el alma y los arreglos instrumentales, sobre los que su voz planea, son excelentes y, en ocasiones, estremecedores.

Si buscamos referencias o información acerca de este disco, incansablemente lo vemos clasificado como de estilo trip hop; pero eso… ¿qué narices es?

No lo sabemos bien -ni nos importa- se trata de una de esas etiquetas o invenciones mediáticas para catalogar su música, que a mí se me antoja inclasificable. Me parece un disco que has de oirlo varias veces y, en cada escucha, descubres nuevos detalles, el disco va cada vez a más y va adquiriendo cohesión y conceptualidad.

En mi opinión hay algunas partes que son demasiado oscuras, góticas o quizá demasiado atestadas de ruidos electrónicos pero, en general, el disco tiene enormes y brillantes momentos musicales, a pesar de lo misteriosos, taciturnos y turbadores que puedan parecer ciertos pasajes del mismo en una primera escucha.

Nos encantan los discos que no digieres a la primera y que ofrecen muchas escuchas sin cansarte, porque en ellos hay mucho por descubrir.

Atrévete con él, no te arrepentirás…

http://www.portishead.co.uk

Vampire Weekend

¿Alguien se atreve a pasar un fin de semana con los vampiros? Acaban de llegar al “BOSQUE” y nos proponen un apetitoso y variado menú...

Os presentamos hoy a uno de los discos que más ruido está haciendo en el panorama pop actual, en buena parte -como es el caso- a través de la “blogosfera”; se tratra de los neoyorquinos Vampire Weekend.

Sus miembros se conocieron por primera vez en la universidad de Columbia donde hicieron un filme de donde se desprende el nombre de la banda: Vampire Weekend, tal como cuentan en la canción Walcott.

Y este -su primer disco- tengo la impresión de que va a llegar muy lejos, así como también me parece que es el típico disco que puede generar dos sensaciones contradictorias: o es tremendamente adictivo y te gusta mucho, o te parece un comercial refundido de estilos y no entiendes a qué viene tanto jaleo. A mí me parece que si no mueren de éxito con este disco, pueden dar el gran salto a ser uno de las mejores y más creativos grupos del panorama pop actual.

En nuestra opinión, el disco tiene un comienzo excelente, una parte media algo menos inspirada y un final deslumbrante, cerrando con los tremendos temas The Kids Don't Stand a Chance y Walcott; este último para mí una de las mejores canciones en lo que va de año.

Desde luego, la música de Vampire Weekend está muy bien concebida y es muy divertida. Es experimental, alegre, fresca y te levanta el ánimo nada más escuchar el primer tema.

No, no inventan nada nuevo, pero se atreven a hacer convivir en un mismo espacio afro-pop, ska, melodías infalibles y pop clásico. Salir bien parado de todo esto, no está al alcance de todo el mundo.

Totalmente recomendado. Nos puede hacer mucha compañía en estos días primaverales que tanto se han hecho desear…
 

   

http://www.vampireweekend.com/

http://www.myspace.com/vampireweekend

http://www.lastfm.es/music/Vampire+Weekend

 

 

Fleet Foxes

Y volvemos de nuevo para presentaros a un grupo de Seattle llamado Fleet Foxes. Su disco de debut, que ya está haciendo mucho ruido, sale a primeros de Junio. Ya editaron en 2006 un excelente EP llamado Sun Giant, que nosotros descubrimos no hace mucho tiempo, que nos dejó un gran sabor de boca y por el que ya aventurábamos una gran obra en su próximo “disco grande”.

A nosotros, este nuevo y primer álbum de Fleet Foxes nos parece un disco de los que podemos llamar “de raíces”, de los que mejor plasman el pop más lúcido que nos gusta aquí en “EL BOSQUE”.

Su música es una suerte de exploración atmosférica con una base en el pop clásico de finales de los sesenta, con aquél toque barroco y ciertos aromas psicodélicos, con maravillosas armonías vocales y desplegando una gran inventiva en los arreglos instrumentales.

Como reminiscencias a bandas de tiempos más recientes, se habla de Band of Horses o My Morning Jacket (estos últimos por el efecto del eco o la reverberación que usan en la voz), pero a nosotros nos parecen mucho más parecidos -o quizá mejor, herederos- de la onda musical que imperaba a finales de los sesenta y que hacían bandas como Byrds, Mamas and the Papas, Beach Boys (como no)…

Pero, muy en especial, nos recuerdan muchísimo al que es, a nuestro jucio, uno de los mejores y más influyentes discos pop de la historia: Odessey & Oracle (1968) de The Zombies. Es este una auténtica obra maestra y uno de los auténticos pilares sobre los que se sustenta esa música pop que tanto amamos. Aprovechamos para recomendarlo desde aquí.

En resumen, un gran disco este debut de Fleet Foxes que nos demuestra qué clase de excelente música se sigue haciendo hoy en día (para los agnósticos), que es una de las cosas que preconizamos y defendemos en este rincón musical, que hacemos por ti y para ti…

Esperamos que os gusten...

http://www.myspace.com/fleetfoxes

Danos tu opinión

Cuando hemos traspasado ya el umbral del mes de vida en nuestro "BOSQUE DEL POP", creemos llegada la hora de tomar un pulso a la realidad.


¿Hay realmente alguién ahí detrás...?

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A la vista de estos resultados, podemos decir que merece la pena seguir sacando tiempo de donde sea para seguir con nuestro trabajo.

Muchas gracias a todos por participar y, sobre todo, por seguirnos...

She & Him - Volume One

Y regresamos de nuevo al año 2008. La actriz y cantante Zooey Deschanel y el músico M. Ward forman el dúo She & Him.

M. Ward lleva ya varios buenos discos en su carrera: Transfiguration of Vincent (2003), Transistor Radio (2005) o su último Post-War (2006), que fue uno de nuestros discos favoritos del pasado 2006.

En She & Him, Zooey Deschanel asume el protagonismo cantando y escribiendo la mayoría de los temas, revelándose como una compositora muy competente. M. Ward asume un segundo plano haciéndose cargo de la instrumentación y de la producción. Se reconocen a la legua sus personales arreglos de guitarra. El disco se llama Volume One (título esperanzador de que puedan haber más volúmenes) y contiene una colección de canciones que son una auténtica delicia, con la coartada pop sesentera, pero en la que tienen cabida el indie folk, el country, el art rock y la relectura de clásicos como “I Should Have Known Better” de The Beatles y “You Really Got A Hold On Me” de Smokey Robinson.

El disco no tiene desperdicio. De principio a fin, todos los temas son muy buenos e, incluso algunos, están llamados a ser un clásico por ellos mismos, como el segundo corte “Why Do You Let Me Stay Here?”. Un trabajo excelente, más digerible que el realizado por M. Ward en solitario y, en nuestra opinión, uno de los mejores discos del presente año hasta el momento.

http://www.myspace.com/sheandhim
http://www.sheandhim.com

Feist - The Reminder

Seguimos con ese pop fresco y luminoso, en cierto modo ligero, polifacético, capaz de flirtear con los más variados estilos sin dejar de ser convincente en cada uno de ellos. Esta vez, de la mano de la canadiense Leslie Feist, cuyo disco The Reminder fue uno de los mejores entre los editados el pasado año 2007.

Su anterior trabajo Let It Die (2004) ya fue un gran disco, muy aclamado por la crítica, en una línea que podríamos tildar de pop-soul-jazz. Pero, en nuestra opinión, este The Reminder cuenta con un conjunto de sonidos más trabajados, con mayores registros en su voz, gran solidez en su música y una producción e instrumentación más trabajada que en el anterior.

El estilo musical de The Reminder es realmente variado y puede ser capaz de atrapar a mucho público diferente. No resulta nada aburrido; toca muchos palos, desde el jazz, el soul o el blues, hasta la electrónica, el pop, el rock y el folk más puros. Incluso le encuentro cierto intimismo poético en varios de sus temas. El disco engancha, las canciones van cayendo una tras otra, sin apenas darnos cuenta… y nuestra tensión se mantiene. Puedes empezar llorando con “So sorry” o acabar con el ritmo metido en el cuerpo con “1234”. Nunca hubiera dicho que algo tan “comercial” me enganchara tanto, con ese ritmo marcado por el banjo, ese viento que entra tan a tiempo y esos coros a lo Supertramp. Y eso por sólo mencionar algunos matrices de este gran album.

El disco es musicalmente una delicia. Es difícil no caer encantado ante sus ritmos tan bien elaborados y por los cálidos sonidos de cada canción.

Os dejamos con el vídeo de una actuación de Feist en el programa The Late Show, presentado por David Letterman.

El numeroso coro que la acompañó durante su intepretación de “1234” está conformado por integrantes de Broken Social Scene, The New Pornographers, Grizzly Bear, Nicole Atkins, The National y Mates Of State.

El grupo de coristas no sólo es grande, sino que incluye a gran parte de la crema y nata del movimiento indie norteamericano, quienes se acoplan a la perfección para darle un toque especial a este tema.

Y para finalizar, más música e información en:

http://www.myspace.com/feist
http://www.lastfm.es/music/Feist

Descubriendo a Emiliana Torrini

Queremos presentar hoy a una artista llamada Emilíana Torrini Davíðsdóttir, hija de padre italiano y madre islandesa. Emiliana se crió en este último país, Islandia, donde su padre tiene un reconocido restaurante de comida italiana de su propiedad.

Creció en Kópavogur, lugar en donde se unió (a la edad de 7 años) a un coro, cantando como soprano. Allí permaneció hasta que entró a una institución de ópera a la edad de 15 años.

Empezó con el grupo Spoon en 1994, pero su idea de la música era otra y pronto dejo la banda.

Se lanzó a su carrera en solitario con dos discos de versiones y algunas canciones nuevas: Crouçie d'où là (1995) y Merman (1996). Pero Emiliana estaba llamada a algo más que a hacer versiones de viejas canciones el resto de su vida.

Se marchó a Londres en busca de oportunidades musicales y hacia el año 2000 salió su primer disco de autora como tal: Love in the Time of Science, llamado así en alusión a una novela de Gabriel García Márquez, llamada “Love in the Time of Cholera”. Es un disco que ha contado con diversas colaboraciones y producido por Roland Orzabal de Tears for Fears. En la música prepondera su voz, flotando sobre intrincadas bases electrónicas y elaborada instrumentación. Emocionante e impresionante.

A continuación, Torrini escribió un gran éxito dance para Kylie Minogue, hizo giras con Thievery Corporation y cantó el tema "Las Dos Torres" en el popular filme "El Señor de los Anillos". Su compatriota Björk no pudo grabarla inicialmente debido a su estado de embarazo.

Y después vino su fantástico Fisherman's Woman (2005), donde unió -en perfecta simbiosis- su destreza como compositora a su delicada voz para crear un álbum maravillosamente evocativo. Más acústico y ligero que el anterior, el disco se pasea por el folk, el pop, las guitarras sencillas y melancólicas, a veces con un toque pueril e inocente. A nosotros nos gusta mucho esta nueva forma de Emiliana entender la música, sin desmerecer en absoluto su etapa anterior.

Es una música tranquila, lírica, introvertida y acústica; parece que Emiliana ha encontrado por fin su estilo propio a la hora de hacer e interpretar música. Una gran artista que puede cautivar a muchos. Podría ser tu joya oculta...

Os dejamos con tres vídeos (muy bonitos, no dejes de verlos) que representan a tres buenas canciones de nuestra artista invitada de hoy.

Video: Sunny Road



Video: Today Has Been Okay



Video: Heartstopper



Y ahora, los habituales enlaces de interés:

http://www.emilianatorrini.com

http://www.myspace.com/emilianatorrini

http://www.lastfm.es/music/Emiliana+Torrini

The Concretes

Y siguiendo con el pop sueco, no puedo dejar de hacer mención a The Concretes, el otrora liderado por la carismática, dulce y hermosa voz de Victoria Bergsman, quien decidió dejar la banda y, desde aquí, queremos rendirle el merecido homenaje a esa etapa. Os contamos un poco la historia...

Victoria Bergsman, en efecto, anuncia que deja el grupo el 24 de Julio de 2006. Y eso fue sólo el final de una serie de desafortunados sucesos acontecidos a la banda desde su llegada a los Estados Unidos, donde se disponían a hacer una gira. Primero sufrieron un terrible percance al ser objeto de hurto a las afueras del Bowery Ballrom en New York, perdiendo todos sus instrumentos. Días más tarde, Victoria sufrió un desmayo justo antes de una presentación en la ciudad de Boston, lo cual terminó con sus planes de seguir con el resto de la gira en Norteamérica. Y, desafortunadamente, ahí no termina la cosa, ya que llegando a Europa tenía una presentación más en las instalaciones de la BBC, en el programa The Jonathan Ross Show. Lamentablemente, unas horas antes Victoria anunciaba a sus compañeros la noticia de dejar la banda en términos de lo que se supone un “para siempre”. Imaginaos la situación con todo el mundo preparado y esperando.

En el capítulo de influencias, podemos decir que la música de The Concretes se acerca a la Velvet Underground, Belle & Sebastian, a los Carpenters, o a sus mayores -también suecos- The Cardigans. Las canciones son dulces, contagiosas, rabiosas y alegres, irresistibles en cada movimiento espasmódico, con toques de folk y country, que tan bien se deja mezclar con el pop.

Desde que anunció que dejaba la banda, Victoria Bergsman ha estado grabando su nuevo proyecto en solitario, Taken by Trees, un bonito disco que quizá podemos comentar otro día por aquí. Además, Bergsman ha colaborado como cantante invitada en el exitoso sencillo Young Folks del grupo Peter, Bjorn and John (la archi-popular canción del silbido).

The Concretes hicieron, con Victoria Bergsman en sus filas, dos tremendos discos: The Concretes (2003) e In Colour (2006). Son excelentes discos pop, sobre todo el primero de ellos. Pueden alegrarte cualquier mañana triste, por mucho que el día amanezca oscuro...

Os dejo como muestra el genial vídeo de la hechizante canción Warm Night. Una auténtica maravilla, una joya, una de las mejores canciones que he podido oír en los últimos tiempos.

Video: Warm Night

Y a continuación, la popularísma Young Folks. Seguro que esta la conoces...

Video: Peter, Bjorn & John - Young Folks

Club 8 - The Boy Who Couldn't Stop Dreaming

Es mucho el aporte musical que están realizando las tierras escandinavas al panorama del pop actual, donde hace ya tiempo que venimos detectando artistas que hacen un pop fresco y sublime, como este dúo sueco llamado Club 8, protagonistas de esta nueva reseña.

Club 8 son Karolina Komstedt y Johan Angergård (The Legends, Acid House Kings) y llevan ya 6 discos a sus espaldas si contamos con este fantástico y recién editado último disco “The Boy Who Couldn't Stop Dreaming” (el chico que no podía parar de soñar, que bonito título). Se editó a finales del pasado año 2007 y, por ello, pasó desapercibido en las fastuosas listas de lo “mejor del año”.

En nuestra opinión, con este The Boy Who Couldn't Stop Dreaming, Club 8 han llegado al grado de madurez necesaria en su propuesta musical, fusionando definitivamente sonidos acústicos con bases electrónicas, dando lugar a melodías aparentemente simplistas y repletos de una ambientación extraordinaria. Cuando escuchas el disco, todo te parece fácil, obvio, no podía ser de otra manera… pero ese es el secreto de los genios de ese lenguaje de la melodía que nuestros profanos cerebros no pueden descifrar. No esperemos nada grandilocuente; se trata de un pop de carácter minimalista, donde prima la melodía y gobernado por las pequeñas-grandes canciones.

Disfrutemos juntos de estos momentos musicales de puro, sensible y rico pop que Club 8 saben crear y flotemos en esas atmósferas junto a la edulcorada voz de Karolina.

Vídeo: Love in December


http://www.club-8.org/

http://www.myspace.com/club8